domingo, 19 de febrero de 2012

CHARLES AZNAVOUR


Cantante, compositor, actor

Charles Aznavour (París, Francia, 22 de mayo de 1924), nacido con el nombre de Shahnourh Varinag Aznavourian  es un cantante, compositor y actor francés de origen armenio, considerado en todo el mundo como «el embajador de la canción francesa». Se trata de uno de los cantantes franceses más populares y de carrera más extensa, y el más conocido internacionalmente; ha vendido más de 100 millones de discos. Aznavour es conocido por críticos y admiradores con el apodo de «Charles Aznavoice». Se le atribuye la frase "El show debe continuar".

 Nació en París de padres armenios, y su verdadero nombre es Shahnourh Varinag Aznavourian. Debutó en la canción junto a su hermana Aída, al mismo tiempo que en el teatro, donde interpretó desde los 11 años diferentes papeles infantiles. Su encuentro en 1941 con Pierre Roche fue decisivo para él: los dos hombres escribieron juntos canciones y las interpretaron a dúo. J'ai bu, cantada por Georges Ulmer, ganó en 1947 el Grand Prix. El dúo actuaba entonces en la primera parte de los conciertos de Édith Piaf, hasta que Roche se fue a Quebec. Aznavour escribió canciones para estrellas como la Piaf (Jézébel), Juliette Gréco (Je hais les dimanches), Eddie Constantine (Et bâiller, et dormir), pero al principio de su carrera tuvo muchas dificultades para triunfar. Más tarde, supo explotar este periodo de su vida en una canción que recoge el estado de ánimo de un fracasado en el mundo de la canción: Je m'voyais déjà. Su primer triunfo data de 1953, cuando actuó en el teatro Olympia: Sur ma vie se convirtió en su primer gran éxito. Canciones como Viens pleurer au creux de mon épaule, Tu t'laisses aller, La mamma, Comme ils disent, son cada una de ellas un pequeño bosquejo de la vida cotidiana, un fragmento de vida. Aznavour posee una capacidad especial para resumir en pocas frases una situación en la que se encuentran muchas personas. 

También ha sabido explotar muy bien su persona, su talla, su voz: sus defectos se han convertido en cualidades. Muy pronto conquistó al público estadounidense y, más tarde, recorrió el mundo con su música. Paralelamente ha mantenido una carrera cinematográfica, demasiado discreta para su gusto, revelándose como un actor de talento en Tirez sur le pianiste (Disparen sobre el pianista) (1960) de François Truffaut, Un taxi pour Tobrouk (1961) de Denys de La Patellière,la prueba de valor (1970) de Michael Winner, Diez negritos (1974) de Peter Collinson y en El tambor de hojalata (1979) de Volker Schlöndorff. En 2009 una de sus canciones (For me, formidable) sonaba en la banda sonora de la película Siete almas protagonizada por Will Smith. También en este año, Aznavour ha publicado un álbum doble, Dúos, donde canta con estrellas de varias generaciones como Liza Minnelli, Elton John y Laura Pausini. Gracias al uso de nuevas tecnologías, Aznavour ha podido grabar un dueto con la difunta Édith Piaf, con quien actuó «cientos de veces» pero sin llegar a registrar dichas actuaciones. Reside habitualmente en Ginebra (Suiza), donde trabaja como embajador de Armenia. Casado en tres ocasiones, tiene en total seis hijos: Seda (1946), Charles (1952), Patrick (1956, muerto a los 25 años), Katia (1969, corista junto a él desde 1996), Misha (1971) y Nicolás (1977), y una nieta llamada Leila. A comienzos de 2011 circularon por Internet fuertes rumores sobre su fallecimiento, que con buen humor se encargó de desmentir él mismo. Por el contrario, a los 87 años de edad se dispone a ofrecer, entre septiembre y octubre de 2011, una larga serie conciertos de despedida, en el teatro Olympia de París y en otras ciudades francesas

CLAUDIO LEVRINO


Claudio Norberto Levrino fue un actor argentino de cine y televisión. Nació en Barranqueras, Provincia del Chaco el 6 de enero de 1945 y falleció en Mar del Plata el 20 de enero de 1980, luego de haberse disparado accidentalmente un disparo en la sien. Estaba casado con la actriz Cristina del Valle. Sus familiares lo llamaban Rodi.

CLAUDIO GARCÍA SATUR


Claudio García Satur es un actor argentino. Nació el 22 de febrero de 1938. Su infancia transcurrió en el barrio porteño de Boedo. Hijo del, también actor, Enrique García Satur. Fue su padre, quién transformó su nombre, Saturnino García en García Satur, para convertirlo en un apellido artístico, que Claudio adoptó, igual que sus hijas, Celeste y Guillermina García Satur, ambas, actrices. Fue popularmente conocido por su papel protagónico en Rolando Rivas, taxista, famosa telenovela argentina de la década del '70. 

 Claudio García Satur, abandonó el colegio para trabajar en la DGI y empezó su carrera artística en 1963, en el Teatro Municipal General San Martín. El público masivo lo conoció como galán, aunque, empezó su carrera haciendo teatro vocacional: Shaw, Brecht, Shakespeare. Pero se hizo conocido a través de la Televisión y se lo identifica con ciertos personajes que interpretó. En 1972, en pleno éxito de Rolando Rivas, taxista hizo en cine "La Sartén por el mango", un drama terrible, donde el personaje es un psicótico asesino. 

En 1973 protagoniza la película "La piel del amor", junto a Susana Giménez. También en televisión protagonizó Historia de un trepador 1984 con Gabriela Gili y en 1979 "El león y la rosa" con Susú Pecoraro. Años después, protagonizó la versión moderna de La Familia Falcón , el regreso a la familia tipo bienavenida en Son de diez. El matrimonio impecable, amoroso y "progre" que formaban Claudio García Satur y Silvia Montanari (ella sí era profesional en ejercicio), debía enfrentar la adolescencia de sus hijos abordando temas que afectaban a la juventud argentina de principios de la década del '90: el cuidado ante el sida, la "primera vez" sexual, la tentación de las drogas.

CHICO NOVARRO


Chico Novarro, nombre artístico de Bernardo Mitnik Lerman (nacido el 4 de septiembre de 1933 en la ciudad de Santa Fe, provincia de Santa Fe) es un conocido compositor y cantante argentino en estilos variados, especialmente bolero, balada romántica y tango, pero con destacadas actuaciones en el jazz, el rock and roll, la cumbia y el pop. En el campo de la música pop integró el elenco del Club del Clan (1962-1964). Escribió casi seiscientas canciones, obras de teatro y música para shows y películas.

Recibió una importante influencia de parte de su hermano mayor, quien tocaba la batería en la agrupación Jazz Don Peralta. A los 14 años, Mitnik ya tocaba profesionalmente la batería en orquestas de jazz y cantaba el tango en orquestas típicas. También tocaba el bongó y el contrabajo. En los años cincuenta integró la Montecarlo Jazz (de Córdoba), la Orquesta Argentina de Jazz, la Orquesta de Don Roy, las orquestas de Lucho Gatica, Daniel Riolobos y Arturo Millán, el grupo Swing Timers, la Agrupación Nuevo Jazz, y tocó con músicos como Jorge Navarro, Santiago Giacobbe, Gato Barbieri y Rodolfo Alchourrón. Formó con Raúl Boné un dúo de música tropical al que llamaron Los Novarro. Cuando se separaron en 1962, Boné, que era muy alto, adoptó para sí el nombre artístico de Largo Novarro. Casi como un chiste, y a sugerencia del productor de RCA Ricardo Mejía, Mitnik adoptó el nombre artístico de Chico Novarro. Su primer álbum, en 1961, fue realizado por el dúo con el nombre de Los Novarro (Largo y Chico). 

Chico Novarro se caracterizó por abordar con solvencia estilos muy variados, especialmente bolero y tango, pero con destacadas actuaciones en el jazz, el rock, la cumbia y el pop. Él mismo ha definido esta característica diciendo: «Yo llevo la dispersión en la sangre». En 1960 se instaló en Buenos Aires y dos años después fue contratado por la discográfica RCA Victor para integrar el Club del Clan, un programa de televisión que se volvería famoso por difundir música rock & pop en español, de donde salieron otros exitosos artistas, como Palito Ortega, Violeta Rivas, Raúl Lavié, Johnny Tedesco, etc. Fue allí donde el ecuatoriano Ricardo Mejía, gerente de RCA y creador del ciclo, le puso el nombre artístico de Chico Novarro, con el que sería conocido desde entonces. En el Club del Clan, Chico Novarro comenzó a componer y cantar canciones propias. Las primeras de ellas fueron El orangután, El camaleón y la cumbia Un sombrero de paja, canciones que se han vuelto melodías populares transmitidas de generación en generación, como si se tratara de folclore anónimo. 

Duro, como el alma de un frontón sos un penal, de curdas y mosquitos, largo y pisoteado cinturón de una ciudad, que va creciendo a gritos. Si te habrás mamado de alquitrán, de pucho y celofán, de correntadas, panteón de rata enamorada que cruza sin mirar, el callejón. En 1965 escribió su primer tango, Nuestro balance (convertido luego también en un clásico), con el que ganó en el Festival del Parque del Plata en Uruguay. En 1970 compuso el segundo de sus escasos pero notables tangos, Cantata a Buenos Aires («¿Cómo no hablar de Buenos Aires, si es una forma de saber quién soy?»), realizado originalmente para una publicidad del vino Peñaflor que no llegó a concretarse. En 1971 compuso Cordón, un bellísimo tango dedicado al cordón de la vereda («mientras nadie habla de vos»), como metáfora de la vida del hombre común, que integra el repertorio de los grandes tangos de la historia argentina. En 1980 grabó el álbum Por fin al tango, único dedicado totalmente al tango. En los años ochenta su tema Carta de un león a otro fue interpretado por Baglietto que lo convirtió en un éxito del rock nacional argentino. Compuso canciones con otros importantes letristas y músicos, como Eladia Blázquez (Convencernos, Pazzía), Héctor Stamponi (Minas de Buenos Aires), Rubén Juárez (Se juega), Federico Silva (Se te hace tarde, Amor de juguete, Por ejemplo), Amanda Velazco (Salón para familias, que fuera interpretado por María Elena Walsh). Chico Novarro se ha destacado también en la composición y canto de boleros, donde se lo reconoce por haber introducido el habla cotidiana al bolero. 

Entre sus boleros se destaca Algo contigo, un clásico del género, Un sábado más y Cuenta conmigo. Otro de los cantantes que interpretó su música fue el mexicano José José. En 2003 el cantante de rock Vicentico grabó Algo contigo, con una considerable aceptación. La versión produjo un conflicto entre ambos músicos, debido a que Vicentico le cambió la letra. Chico Novarro demandó entonces a la compañía discográfica de Vicentico, a la vez que éste lo criticó en público

CLAUDIO ARRAU

Pianista

Claudio Arrau León (Chillán, Chile, 7 de febrero de 1903 - Mürzzuschlag, Austria, 9 de junio de 1991) fue un célebre pianista chileno famoso en todo el mundo por sus profundas interpretaciones de un extenso repertorio que abarcaba desde la música del barroco hasta los compositores del siglo XX. Se le considera uno de los más grandes pianistas del mundo, avalado por sus múltiples galardones. Arrau fue un estudiante prodigio del maestro alemán Martin Krause, quien dijo sobre el chileno: «Este niño ha de ser mi obra maestra».

Claudio Arrau durante su niñez. Arrau junto a su madre, que fue su primera maestra de piano. Hijo del oftalmólogo chillanejo Carlos Arrau Ojeda y de la pianista quirihuana Lucrecia León Bravo, quien enseñó a Claudio el arte del piano. La pareja se casó en Quirihue y sus tres hijos nacieron en esa misma ciudad, donde fueron bautizados en la iglesia Dulce Nombre de Jesús, según consta en sus registros. Cuando Claudio tenía tres meses se mudaron a la ciudad de Chillán donde fue inscrito junto a sus hermanos en el registro civil. La familia Arrau descendía de Lorenzo de Arrau, un ingeniero español de la Colonia. Cuando Claudio tenía apenas un año, su padre falleció, producto de un accidente ecuestre; la familia Arrau tuvo importantes deudas sin pagar entonces. Esto motivó a su madre a dedicar tiempo completo a su oficio, la enseñanza de la ejecución del piano. Niño prodigio, gracias al talento y dedicación de su madre, a los 3 años ya leía partituras y a los 5 años ofreció su primer recital en su ciudad natal. Tras una sesión de piano frente al Presidente Pedro Montt y el Congreso Nacional, se le otorgó una beca para seguir estudios en Berlín en el Conservatorio Stern, junto al destacado profesor Martin Krause, uno de los últimos discípulos de Franz Liszt. 

Durante ese periodo ganó varios premios, incluyendo el Primer Premio del Concurso de la Casa Rudolph Ibach y la Gustav Holländer Medal. En 1914 ofreció su primer recital en Berlín y luego comenzó una extensa gira por Alemania y Escandinavia, mientras que en 1918 realizó una gira por toda Europa. En esa época, actuó junto a las principales orquestas bajo directores como Nikisch, Muck, Mengelberg y Furtwängler. Martin Krause falleció en 1918, hecho que sumió a Arrau en una depresión. Tal era el respeto que debía a su maestro que, tras este hecho, dio su formación musical por completa, no teniendo posteriormente ningún otro profesor. Supo reponerse y siguió dando conciertos, hasta que, en 1920, recibió el Premio Liszt por dos años consecutivos. . En 1925, recibió el nombramiento de Profesor del Conservatorio Stern. En 1937 se casó con Ruth Schneider, mezzosoprano, con la que tuvo tres hijos. Arrau siempre reconoció en Pablo Neruda un artista y autor non plus ultra, y dijo que para él habría sido un honor que el poeta lo considerase su amigo. En 1941, Arrau se trasladó a Estados Unidos debido a la consolidación del nazismo. La decisión se vio motivada por el asesinato de un discípulo y por la persecución en la que se vio envuelta su mujer, de origen judío. Instalado en Nueva York, fundó en 1943 la "Academia Claudio Arrau" con Rafael de Silva. En 1980, la Orquesta Filarmónica de Berlín le otorgó la medalla Hans von Bülow. En 1983 recibió el que, quizás, fue su más grande honor, ya que fue condecorado con el Premio Nacional de Arte de Chile, hecho que según el mismo pianista era su consagración definitiva, señalando: «Ser reconocido por la gente y la tierra donde uno nació es para mí la consagración definitiva. A uno lo pueden distinguir los amigos, los admiradores y los críticos, pero si falta el reconocimiento de la propia familia, el honor y la fama son incompletos. Ahora la familia chilena ha decidido concedérmelo y mis sentimientos son una mezcla de gran humildad y emocionada satisfacción» Claudio Arrau. 

Claudio Arrau León falleció en Mürzzuschlag, Austria, a los 88 años, el 9 de junio de 1991. Sus restos están sepultados en el cementerio de Chillán por voluntad testamentaria, y más específicamente en el llamado Paseo de los Artistas, junto a otros reconocidos artistas chillanejos tales como Ramón Vinay, Marta Colvin, Lalo Parra y Gonzalo Rojas.

Claudio Arrau en 1974. Arrau adquirió especial reputación por sus interpretaciones de Bach, Brahms, Chopin, Debussy, Liszt, Mozart, Schumann, Schubert, y, sobre todo, Beethoven, una reputación reflejada en una gran cantidad de grabaciones. Tenía una técnica extraordinaria y un virtuosismo único, fue el mas grande de los pianistas. En ocasiones, sus tiempos eran inusualmente lentos, pero su consideración de los detalles y una rica sonoridad conllevaron un excepcional poder intelectual y una profundidad de sentimiento. Arrau conseguía esto por un cuidadoso estudio de la Historia en la que se habían escrito la piezas musicales que interpretaba; conocía de la historia como pocos, era un gran estudioso de ella. Su vasta cultura general fue una de sus características más destacadas. Arrau recibió numerosos premios y distinciones durante su carrera, incluyendo la Legión de Honor de Francia, el Premio de la Música de la Unesco, la Medalla Beethoven de Nueva York, el grado de Doctor Honoris Causa de la Universidad de Oxford; y el Premio Nacional de Arte de Chile en 1983. 

Arrau mantuvo a lo largo de su trayectoria una pulcritud en sus interpretaciones. Esta pulcritud refiere a un sentido lógico sólo dado por la maduración de las obras. Es de suma importancia no perder de vista que Arrau siendo niño prodigio, desarrolló una técnica sólida desde muy temprana edad, lo que le permitió dedicarse a la interpretación y desarrollar una madurez en ese sentido. Los tempos y los rubatos de Arrau son inusuales y hacen que su interpretación sea digna de tomarse en cuenta. Su vasto repertorio se manifiesta, aunque no completamente, en su extensa discografía. Destacan especialmente sus grabaciones de los Estudios Trascendentales de Franz Liszt, las obras más importantes para piano de Robert Schumann, las 32 sonatas para piano de Beethoven, así como decenas de obras con orquesta. Su abundante repertorio incluía la obra completa para teclado de Johann Sebastián Bach, la cual fue interpretada durante un maratoniano ciclo en Alemania en los años 30. Desgraciadamente no existe grabación del evento y Arrau sólo accedió a grabar unas pocas piezas de Bach al final de su carrera. La razón que esgrimía el propio Arrau para haber eliminado a Bach de su repertorio habitual era que no creía en el piano como instrumento adecuado para interpretar la música de aquella época

CHARLTON HESTON




John Charles Carter (n. Evanston, Illinois; 4 de octubre de 1923 - f. Beverly Hills; 5 de abril de 2008), conocido artísticamente como Charlton Heston, fue un consagrado y prolífico actor del cine clásico estadounidense ganador del premio Óscar, universalmente famoso por sus interpretaciones en el cine del género épico dando vida a personajes bíblicos, como Moisés (en Los diez mandamientos) y el ficticio Judah Ben-Hur (en Ben-Hur). También interpretó a Rodrigo Díaz de Vivar en El Cid. Su carrera incluye Sed de mal de Orson Welles y el papel del coronel Taylor en la clásica saga de ciencia ficción (1968 y 1970) El planeta de los simios.


Nació en Evanston, en el estado de Illinois como John Charles Carter. Su padre era trabajador en un molino de pan y él era el único hijo. Cuando todavía era niño, sus padres se trasladaron a una zona rural de Míchigan, donde Heston pasaba largas horas leyendo y actuando para sí mismo.

Antes de cumplir los 10 años, los padres de Heston se divorciaron y él se quedó con su madre. Unos años más tarde, ella se casó con un hombre llamado Chester Heston, apellido que más adelante Heston utilizaría como nombre artístico. La nueva familia se fue a Chicago, donde Heston fue al colegio. Participó en las funciones teatrales de la escuela con tan buen resultado, que obtuvo en 1942 una beca para estudiar en la escuela de arte dramático de la Universidad del Noroeste, en Evanston especializando en el teatro shakesperiano. Durante su estancia en la universidad tuvo la ocasión de intervenir en una obra teatral filmada por un compañero en 16 mm. Más tarde el mismo grupo filmó una segunda obra, también en 16 mm.
En 1944 se casó con una estudiante de arte dramático de la universidad, y en el mismo año fue llamado a filas, fue destinado a las islas Aleutianas y sirvió en la Fuerza Aérea. Participó en la guerra y volvió tres años después. A su regreso, su esposa y él marcharon a Nueva York, donde trabajaron como modelos. Su deseo era actuar en el teatro, pero al no poder hacerlo en Nueva York, se fueron a Asheville, en Carolina del Norte, y se hicieron cargo del teatro local como gestores y actores. En 1947 volvieron a Nueva York y esta vez Heston recibió una oferta para intervenir en la obra Antonio y Cleopatra en un teatro Broadway. Heston tuvo éxito y consiguió nuevas ofertas, también para la televisión, medio en el cual hizo varias interpretaciones que tuvieron también una buena acogida.

Heston consideró entonces que había llegado el momento de trasladarse a Hollywood. Su buena apariencia muy fotogénica, una mezcla particular de modestia y dignidad y una poderosa presencia física sumado a la seriedad que le caracterizaba, confirieron gran credibilidad a sus actuaciones y le abrieron las puertas del medio hollywodense siendo contratado por la Paramount Pictures.1 Su primera película profesional fue Dark City en 1950, con la que llamó la atención de los profesionales del cine. Su primer éxito importante lo obtuvo dos años más tarde con el papel de director de circo en El mayor espectáculo del mundo y se convirtió en una gran estrella del cine interpretando a Moisés en Los diez mandamientos, en 1956. En los años siguientes, Heston actuó en varias grandes películas épicas, entre otras Ben-Hur, El Cid, 55 días en Pekín, Khartoum y El tormento y el éxtasis, algunas de ellas con la producción de Samuel Bronston y rodadas en España. Por su trabajo en Ben-Hur ganó en 1960 el premio Óscar al mejor actor principal.
Heston siempre luchó por intervenir en las decisiones respecto a las películas en las que participaba. Así, por ejemplo, presionó en 1958 a los estudios Universal para que fuese Orson Welles quien le dirigiese en Touch of Evil (Sed de mal), y cuentan que ayudó a financiar el final del rodaje. En 1965 se enfrentó a los productores de Major Dundee, cuando pretendían interferir en la dirección de su director, Sam Peckinpah.

Una hábil elección de papeles le permitió prolongar su carrera a edad madura, sin limitarse a una imagen de galán. A finales de los años sesenta y en los años setenta se mantuvo en primera línea con películas de ciencia ficción como El último hombre vivo (1971) y El planeta de los simios, saga (1968-1973) que se ha convertido en un clásico del género. Heston también participaría (brevemente) en el remake dirigido en 2001 por Tim Burton. Se convirtió en un rostro habitual en el cine de catástrofes; protagonizó Aeropuerto 75, y en Terremoto tuvo por pareja a Ava Gardner.
Por su película Soylent Green (Cuando el destino nos alcance), Heston se ganó las simpatías de colectivos juveniles ecologistas. Entre 1966 y 1971 fue presidente de la Asociación de Actores de Cine.
En los años 70-90, Heston retuvo su estatus de estrella como secundario de lujo en superproducciones como Los tres mosqueteros (donde interpretó al Cardenal Richelieu) y Mentiras arriesgadas. Trabajó también en televisión, en series como Los Colby y Dinastía interpretando el papel de Jason Colby, y donde compartió protagonismo con la mítica Barbara Stanwyck. Ya en los 90 grabó Camino de Santiago en España.

Heston fue muy conocido también por haber sido presidente entre 1998 y 2003 de la National Rifle Association (Asociación Nacional del Rifle), desde la que defendió ardientemente el derecho a la libre posesión de armas de fuego en Estados Unidos. El director de cine Michael Moore entrevistó a Heston en su documental Bowling for Columbine, donde se aborda el tema de la Masacre del instituto Columbine en el Condado de Jefferson (Colorado) en 1999. Luego de la masacre, Heston había dirigido un mitin de la NRA justamente en ese condado, a pesar de que las autoridades y los familiares de las víctimas le habían pedido que no lo hiciera. Heston, desoyendo los pedidos, decidió realizar el mitin de todas formas, por lo que algunos interpretaron su actitud como una provocación.

En 2002 Charlton Heston anunció que padecía una demencia degenerativa similar a la enfermedad de Alzheimer y se retiró de la vida pública.
Heston, quien escribió varios libros autobiográficos, falleció a los 84 años en su residencia de Beverly Hills el 5 de abril de 2008, acompañado por su esposa Lydia, a la que conoció en la universidad y con quien estuvo casado 64 años. El matrimonio tuvo un hijo que es actor, Fraser Heston y una hija.



CHARLES NAPIER


Charles L. Napier (12 de abril de 1936-5 de octubre de 2011) fue un actor de nacionalidad estadounidense, conocido por su interpretación de militares y personajes duros. Nacido en Mt. Union, Kentucky , sus padres eran Sara Lena Loafman (1897-1974) y Linus Pitts Napier (1888-1991). 

Tras graduarse en la high school, en 1954 se alistó en el Ejército de los Estados Unidos, sirviendo en la 11ª División Aerotransportada y alcanzando el empleo de sargento. Tras licenciarse, estudió en la Universidad Western Kentucky en Bowling Green (Kentucky), graduándose en 1961 tras estudiar arte y educación física. Él quería ser entrenador de baloncesto, y su primer trabajo fue el de entrenador ayudante del equipo de su vieja high school. Poco después dejó esa ocupación y trabajó para una compañía de puentes y una agencia publicitaria, hasta que se mudó a Clearwater (Florida) , donde dio clases de arte en la JFK Junior High School. 

En 1964 volvió a la Western Kentucky, donde D. Russell Miller le estimuló a dedicarse a la actuación. Tras algún éxito en el local Alley Playhouse, Napier volvió a Florida, donde siguió enseñando a la vez que actuaba en el ambiente teatral de la comunidad, trabajando finalmente en el Clearwater's Little Theatre. En esa época, además, se dedicó a otra pasión, la pintura. Tras filmar una película de camioneros, Napier escribió artículos y tomó fotografías durante unos años para la revista Overdrive, hasta que una huelga de transportes en 1973 le hizo recalar en Hollywwod. 

Allí, Napier hubo de vivir en su coche en un aparcamiento, hasta que, según él, Alfred Hitchcock le hizo llamar, consiguiendo un contrato con Universal Studios También hizo los gruñidos de Hulk en la serie de televisión de la década de 1970 The Incredible Hulk. En 1986 Napier volvió a actuar con Rod Taylor en la serie Outlaws, en la cual interpretaba a Wolfson Lucas, y en la que también trabajaban Richard Roundtree y William Lucking. Los admiradores de Star Trek conocen bien a Napier por sus intervenciones en el episodio de Star Trek: la serie original "The Way to Eden" y en el de Star Trek: espacio profundo nueve "Little Green Men". Entre 1997 y 2000 dio voz al General Hardcastle en Superman: la serie animada, producción de Warner Bros., retomando el papel en 2004 en Liga de la Justicia. Napier dio voz a Duke Phillips, personaje de la serie de la década de 1990 El crítico. Desde 1997 a 2001 dio también voz a Zed en Hombres de Negro (la serie). 

Además, fue actor de voz en varios episodios de Los Simpson, y dobló al Sheriff en Los calamareños, en algunos de ,los episodios, aunque le reemplazó Bobby Ellerbee. En la sexta temporada de Curb Your Enthusiasm en 2008, hizo un pequeño papel como un barbero que echa de su comercio a Larry David. En el ámbito cinematográfico actuó de modo regular en películas dirigidas por Jonathan Demme, entre ellas The Silence of the Lambs y Philadelphia. Algunos de los papeles más recordados de Napier fueron el de Murdock, el oficial de inteligencia que dirige a John Rambo en Rambo: First Blood Part II (1985) y el de Tucker McElroy en The Blues Brothers (1980). Napier también actuó en el film de horror de 2009 Murder World, junto a Scout Taylor-Compton. Su último papel para el cine fue en la comedia de 2009 The Goods: Live Hard, Sell Hard, junto a Jeremy Piven y James Brolin'. 

Charles Napier falleció en Bakersfield (California), el 5 de octubre de 2011, tras haber sufrido el día anterior un colapso.3 Tenía 75 años de edad. No se conoce la causa exacta de su muerte, aunque en mayo de 2010 Napier había recibido tratamiento para luchar contra unos coágulos de sus piernas.4 Fue enterrado en el Cementerio Nacional de Bakersfield.

CHARLIE SHEEN



Carlos Irwin Estévez, más conocido como Charlie Sheen (nacido el 3 de septiembre de 1965 en Nueva York). Es un actor estadounidense de cine y televisión. Es hijo del actor Martin Sheen.

Nacido en Nueva York estados unidos, con síndrome del bebé azul, por lo cual necesitó atención médica inmediata. Su madre es Janet Templeton y su padre era un actor en ascenso por aquel entonces, llamado Martin Sheen. Martin adoptó su nombre artístico en honor del arzobispo católico y teólogo Fulton J. Sheen


Sus padres se mudaron a Malibú, California después de la actuación de Martin Sheen en Broadway en The Subject Was Roses, obra que le labró la fama y le permitió proyectar su carrera hacia los medios del cine y la televisión. Carlos Irwin Estévez era el menor de cuatro hermanos Emilio Estévez, Ramón Estévez Jr. y Renée Estévez y era apodado por su familia y amigos como "Charlie".

Desde muy joven Charlie se mostró muy interesado por el mundo de la actuación, de hecho Sheen tuvo su primera experiencia actuando en 1974 a los nueve años, apareciendo en un pequeño rol junto a su padre en la película para televisión The Execution of Private Slovik. En 1979, Charlie se movilizó junto con el resto de su familia a los territorios de Filipinas, debido al rol que su padre, Martin Sheen había obtenido en la película de Francis Ford Coppola, Apocalypse Now.


Para Charlie y sus hermanos la experiencia fue toda una aventura, pero para su padre, fue totalmente fatigante y después de terminada la producción, sufrió un ataque cardíaco, del que se pudo recuperar exitosamente, todo ello mientras que Apocalypse Now, se convierte en un éxito de taquilla y crítica, disparando la carrera de Martin Sheen a la estratósfera, lo cual le aseguró el poder asentarse en California.
Así, Charlie comenzó a asistir a la Santa Monica High School en Santa Monica, California, donde su pasión por el béisbol le llevó a convertirse en el pitcher estrella y shortstop del equipo de béisbol. Él también continuó mostrando su temprano interés en la actuación, haciendo muchas películas en Súper 8 con sus compañeros de escuela Rob Lowe, Chad Lowe y su amiga de la infancia Arantza Reza.
En cuanto a su desempeño académico, siempre había sido impecable, obtenía altas notas y el reconocimiento de sus profesores, pero eso cambió cuando llegó a los dieciséis años. A esta edad, su padre le regaló su primer coche, el cual era un ferrari. La nueva adquisición, le permitió a Charlie disponer de más libertad, y con el tiempo las aventuras y el escaparse de las clases se volvieron muy frecuentes, su rendimiento académico decayó, tuvo un 33% de inasistencias. A ello se sumó la aparición de una nueva adicción, las drogas y el alcohol. Como consecuencia, sólo unas pocas semanas antes de su graduación Sheen fue expulsado de la escuela por sus bajas notas y su mal comportamiento

La expulsión de su preparatoria, le causó a Charlie mucho resentimiento, pues no sólo había perdido la oportunidad de graduarse, sino que perdió también la posibilidad de continuar en el béisbol, ámbito sobre el cual comenzaba a vislumbrar una carrera. Pero, una carrera era ciertamente lo que obtendría, dado que su padre, deseoso de enseñarle una lección a su hijo, le exigió que tendría que trabajar, a lo cual Charlie respondió con lo siguiente, "Genial, entonces haré lo que tu haces".

Sheen y su ex novia Paula Profit tuvieron una hija, Cassandra Jade Estévez (nacida el 12 de diciembre de 1984). Sheen y Profit nunca se casaron  En 1990, Sheen disparó a su entonces novia, Kelly Preston, en el brazo; una herida menor necesitó dos puntos. La relación terminó poco después de eso


En 1995 testificó en el juicio de Heidi Fleiss, donde se reveló que él gastó US$50 000 en prostitutas en 14 meses. Además, Jason Itzler, dueño del famoso servicio de escort NY Confidential, aclamó en marzo de 2008 que Sheen pagó US$20 000 por los servicios de dos prostitutas, una de las cuales fue Ashley Dupre, del escándalo de prostitución de Eliot Spitzer. Sheen negó todas las acusaciones.


Estuvo casado con Donna Peele desde el 3 de septiembre de 1995 al 19 de noviembre de 1996. Luego se casó con la actriz Denise Richards el 15 de junio de 2002. Con Richards tuvo dos hijas, Samanta J. Estévez (nacida el 9 de marzo de 2004) y Lola Rose Estévez (nacida el 1 de julio de 2005). En marzo Denise solicitó el divorcio. Los dos se reconciliaron poco tiempo después. En enero de 2006 Denise continuó su proceso de divorcio.


Sheen y Richards tuvieron una dura disputa sobre la custodia de sus dos hijas pero hicieron las paces, Sheen afirmó en abril de 2009 que “tuvimos que hacer lo que es mejor para las niñas.”.


Año y medio después del divorcio entre Sheen y Richards, el 30 de mayo del 2008, Sheen se casó con Brooke Mueller (también conocida como Brooke Allen), una inversora estatal. Este fue el tercer matrimonio de Sheen y el primero de Mueller. Los gemelos de la pareja, Bob y Max nacieron el 14 de marzo de 2009. A finales del 2009 Sheen fue arrestado por las autoridades de Colorado por una denuncia de maltrato doméstico mientras se hallaba en su residencia de Aspen, Colorado.


A consecuencia de esto, Sheen comentó en una red social que "preferiría mudarme al maldito El Salvador a vender zapatos, que reconciliarme con mi esposa", comentario que fue de mal gusto para las autoridades salvadoreñas, a consecuencia de esto, un grupo de salvadoreños crearon una pagina de Facebook que se llama En El Salvador ODIAMOS a Charlie Sheen.

http://es.wikipedia.org/wiki/Charlie_Sheen


CHARLES LAUGHTON




Charles Laughton (nacido el 1 de julio de 1899 en Scarborough, Yorkshire, Inglaterra - muerto el 15 de diciembre de 1962 en Los Ángeles, California, Estados Unidos) fue un actor y director de cine y teatro nacido en el Reino Unido y nacionalizado ciudadano estadounidense en 1950.
Más conocido por el público de hoy en día como el director de "La Noche del cazador", Charles Laughton fue también un actor grande entre los grandes, tanto en el teatro como en el cine. Billy Wilder dijo de él que era el mejor actor con quien nunca había trabajado... de hecho, añadía Wilder con entusiasmo, en su opinión, Laughton era "el más grande de todos los actores".
Laughton era conocido por su intensa implicación en el trabajo, que él consideraba, más que una profesión, un arte creativo a la altura de las creaciones musicales, pictóricas o literarias. James Mason, comentando la revolución en el arte de la actuación que supuso la irrupción de Laughton, le definió como "un actor del método sin sus tonterías". El mismo Laughton diría respecto al Actors Studio: "Un actor del Método te ofrece una fotografía: yo prefiero hacer una pintura al óleo".

Gigante del mundo del cine y el teatro, Charles Laughton era hijo de Robert Laughton y Elizabeth Conlon. Su familia poseía varios hoteles, hecho que parecía predestinar al joven Charles como empresario hostelero y más cuando fue enviado a Londres para trabajar en el Hotel Claridge.

Después de acudir a combatir en la Primera Guerra Mundial, Laughton decidió convertirse en actor profesional.

Se matriculó en la Royal Academy of Dramatic Art de Londres (en donde fue premiado con una medalla de oro) y comenzó a interpretar papeles en diversas producciones teatrales que poco a poco le fueron concediendo prestigio como actor en su país, especialmente cuando a mediados de los años 20 aparecía en obras del West End y el Old Vic.

En 1927 conoció a una actriz llamada Elsa Lanchester, con quien se casó en 1929. El matrimonio duró hasta la muerte del actor en el año 1962. Con posterioridad la propia esposa y actriz de "La Novia De Frankenstein" desveló en su autobiografía que Laughton era homosexual.

Sus primeros papeles en el cine los obtuvo a finales de la década de los 20, pero su consagración llegó en los años 30 al protagonizar títulos como "El Caserón De Las Sombras" (1932) de James Whale, "El Asesino De Mr. Medland" (1932) de Lothar Mendes, "The Sing Of The Cross" (1932) de Cecil B. De Mille, "La Isla De Las Almas Perdidas" (1933) de Erle C. Kenton, "La Vida Privada De Enrique VIII" (1933) de Alexander Korda, "Las Vírgenes De Wimpole Street" (1934) de Sidney Franklin, "Nobleza Obliga" (1935) de Leo McCarey, "Los Miserables" (1935), película de Richard Boleslawski en la que interpretó al inspector Javert, "Rebelión a Bordo" (1935) de Frank Lloyd, "Rembrandt" (1936) de Alexander Korda, "Posada Jamaica" (1939) de Alfred Hitchcock o "Esmeralda La Zíngara" (1939), adaptación de Victor Hugo que dirigió William Dieterle con Laughton encarnando a Quasimodo al lado de Maureen O'Hara.



Gracias a sus interpretaciones en este periodo fue nominado al Oscar por "Rebelión a Bordo" como Bligh (el premio fue para Victor McLaglen por "El Delator") y logró la estatuilla por "La Vida Privada De Enrique VIII" (sus compañeros de nominación fueron Leslie Howard por "La Plaza De Berkeley" y Paul Muni por "Soy Un Fugitivo").

En el año 1937 Laughton fundó junto a Erich Pommer su propia productora, Mayflower Pictures.


Además de sus caracterizaciones cinematográficas, significadas por la representación de personajes cínicos y en muchas ocasiones de propensiones perversas, el actor inglés, que se nacionalizó estadounidense en 1950, nunca abandonó su faceta escénica, dirigiendo numerosas obras teatrales.

Como director de cine solamente realizó un título, "La Noche Del Cazador" (1955), magistral película protagonizada por Robert Mitchum.

Durante los años 40 y 50 Charles Laughton ofertó inmejorables interpretaciones en películas como "They Knew What They Wanted" (1940) de Garson Kanin, "Seis Destinos" (1942) de Julien Duvivier, "Esta Tierra Es Mía" (1943) de Jean Renoir, "El Fantasma De Canterville" (1944) de Jules Dassin, "El Capitán Kidd" (1945) de Rowland V. Lee, "Arco De Triunfo" (1948) de Lewis Milestone, "El Proceso Paradine" (1948) de Alfred Hitchcock, "El Reloj Asesino" (1948) de John Farrow, "El Hombre De La Torre Eiffel" (1949) de Burgess Meredith, "Soborno" (1949) de Robert Z. Leonard, "Salomé" (1953), relato bíblico de William Dieterle en el que encarnó a Herodes junto a Rita Hayworth y Judith Anderson, "Hobson's Choice" (1954) de David Lean o "Testigo De Cargo" (1957), film de Billy Wilder que adaptaba una conocida novela de Agatha Christie.

Por su papel de Sir Wilfrid, defensa en juicio de Tyrone Power, en la película "Testigo De Cargo" Laughton volvió a ser nominado al Oscar, aunque el galardón se lo llevó Alec Guinness por "El Puente Sobre El Río Kwai".


Sus últimas películas, antes de fallecer de cáncer el 15 de diciembre del año 1962, fueron "Espartaco" (1960), film de Stanley Kubrick con Kirk Douglas, "Bajo Diez Banderas" (1960) de Duilio Coletti y "Tempestad sobre Washington" (1962), su último film dirigido por Otto Preminger en el que interpretaba al senador Cooley.

En el momento de su muerte Charles Laughton tenía 63 años.

http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article57.html

CHARLES DURNING


Charles Durning (28 de febrero de 1923) es un actor estadounidense.


Nació en Highland Falls, en el estado de Nueva York, hijo de un oficial del ejército. Fue llamado a filas con motivo de la Segunda Guerra Mundial y participó en el desembarco de las fuerzas aliadas en Normandía; en una de las batallas resultó herido. De regreso a los Estados Unidos realizó diversos trabajos. Uno de ellos fue el de instructor de baile de salón. También hizo pequeños papeles en el teatro, donde le vio un productor, que le contrató para el Festival de Teatro de Shakespeare en Nueva York. A partir de entonces, Durning intervino en más de 30 obras teatrales, así como también en algunas películas.
Durning tuvo su primer éxito importante en el teatro en el año 1970, en la obra That Champion Season, que ganó un Tony, el premio más importante del teatro en América. Pocos años después, en 1973 repitió este éxito al intervenir en la película El golpe, con Paul Newman y Robert Redford, en la que encarnó a un policía corrupto. La película ganó varios Oscar. Durning tenía entonces 50 años de edad. Había trabajado de forma continuada, pero no había llamado la atención como actor. A partir de entonces las cosas cambiaron. Ha trabajado sin descanso como uno de los actores secundarios más solicitados. Sus dotes de interpretación le permitían realizar multitud de papeles diferentes, y su presencia en las películas contribuyó notablemente a su éxito.
Algunas de las memorables actuaciones de Durning fueron su papel de policía que intenta negociar con Al Pacino en Tarde de perros, de presidente en Twilight's Last Gleaming, o de padre de Jessica Lange que se enamora de un Dustin Hoffman disfrazado de mujer en Tootsie. Fue nominado al Oscar como mejor actor de reparto en 1982 por The Best Little Whorehouse in Texas y al año siguiente por Ser o no ser, la nueva versión del clásico de Ernst Lubitsch realizada por Mel Brooks. También siguió actuando en el teatro, donde se le consideró igualmente un gran actor de carácter. En 1989 ganó un Tony como mejor actor de reparto por su papel del padre en La gata sobre el tejado de zinc, obra que estuvo en cartel en Broadway.
La capacidad de trabajo de Durning le llevó a intervenir también en numerosas películas y mini-series de televisión, en las que actuó con actores famosos, como Dustin Hoffman y Burt Reynolds, y con las que cosechó también considerables éxitos. En 1975 había sido nominado a un premio Emmy, y 15 años más tarde, en 1990, lo ganó por su papel en la mini-serie The Kennedys of Massachusetts.
Durning se casó en dos ocasiones. De su primera esposa se divorció en 1972, y al año siguiente se volvió a casar. Tiene tres hijos de su primera esposa.



domingo, 5 de febrero de 2012

BRIAN DE PALMA


Director de cine, Guionista

Brian Russell De Palma (n. Newark, Nueva Jersey, Estados Unidos, 11 de septiembre de 1940) es un director de cine y guionista estadounidense. 

 Nació el 11 de septiembre de 1940 en Newark, Nueva Jersey. Hijo de un cirujano, desde muy temprana edad se interesó sobre todo por las ciencias y la técnica; en dos ocasiones ganó la "National Science Fair Competition" (Concurso Nacional de Ciencias). Mientras estudiaba la carrera de Física, descubrió su pasión por el séptimo arte, interesándose especialmente por el trabajo de Alfred Hitchcock, Roman Polanski y Jean-Luc Godard. De 1962 a 1964 estudió Arte dramático en el Sarah Lawrence College de Nueva York y dirigió varios cortometrajes. 

 Tras siete producciones independientes, en la que destaca su primera mirada hacia la guerra y en especial a la guerra en Vietnam Greetings (1968) con un joven Robert De Niro, salta a la fama con la película Sisters (1973) y usa por primera vez el estilo voyeurista que después será, junto con las pantallas divididas, una característica en su estilo. El éxito de esta película le llevaría a hacer un cine donde el thriller de marcada influencia Hitchcockiana sería su estandarte, aunque serían dos obras de género fantástico, Phantom of the Paradise (1974) y sobre todo el descomunal éxito de la primera adaptación de una novela de Stephen King, Carrie (1976), los que le situarían como uno de los más interesantes autores del nuevo cine de Hollywood que despuntó en los 70. Como curiosidad señalar que George Lucas y él, grandes amigos entonces, hicieron un casting conjunto para Carrie y Star Wars. 

También ayudó a redactar el texto que aparece en la primera escena de esta película. Ya en los 80 encadenaría éxitos y fracasos a partes iguales. Siempre que volvía al thriller al estilo Hitchcock triunfaba (Dressed to Kill y Body Double) pero sus inquietudes le llevaron a aceptar el encargo de rodar una nueva versión del clásico Scarface (1932) con Al Pacino como gran estrella. A pesar de haber sido una de las películas más taquilleras (recaudó 65 millones de dólares) y que hoy en día es un clásico de culto, en su época fue destrozada por la crítica y supuso un enorme fracaso comercial que hizo que Pacino sólo rodase una única película desde ahí hasta 1989. Tras rodar, incomprensiblemente, una comedia absurda donde la personalidad del director no se deja ver por ninguna parte, Chicos listos, llega al cenit de su carrera con otro trabajo de encargo, The Untouchables. Pionera en la adaptación de series televisivas a la gran pantalla, tanto la crítica como el público la respaldaron. En la cinta se reúne un magnífico plantel de actores donde se ven a unos despuntantes Kevin Costner y Andy García, y a unos espléndidos Sean Connery, quien ganaría el Oscar al Mejor Actor de Reparto por su rol en la cinta, y Robert De Niro deslumbrante en el papel de Al Capone. 

Mencionar que Al Capone fue la inspiración del tandem Howard Hawks/Howard Hughes para el antihéroe Tony Camonte en la Scarface original, con lo que De Palma habría contado en apenas 6 años dos veces la historia del mismo personaje. Tras este sensacional éxito De Palma vuelve los ojos a su vieja obsesión sobre Vietnam aprovechando la estela de premios de Platoon (1986). En esta ocasión rememora una noticia que le marcó en su juventud, la violación de una joven vietnamita a manos de unos soldados estadounidenses. La cinta, a pesar de sus buenas intenciones se hundió en la taquilla y fue ignorada a pesar (o quizás por culpa de) contar con el emergente Michael J. Fox como protagonista. Decir que esta historia la retomaría años después en Redacted (2007) pero enmarcándola en la Guerra del Golfo. 

Su mayor fracaso fue sin embargo su siguiente película, La hoguera de las vanidades (1990), destrozada y denostada a partes iguales, el intento de sacarle de la condición de "artesano" para ser un autor acabó como si hubiese sido un espejismo, aunque todavía haría una última intentona con la notable Carlito's Way (1993), donde reúne a Al Pacino y a Sean Penn en un intenso duelo actoral que sigue la estela de Scarface. Al igual que esta en su momento pasó desapercibida para posteriormente convertirse en un clásico del cine. En la filmografía pendular de De Palma no podía faltar otra nueva adaptación por encargo de una serie de TV. Misión: Imposible (1996) es un vehículo para lucimiento de su productor y protagonista Tom Cruise. No se sabe si por las constantes peleas entre estrella y director el trabajo de De Palma fue eficaz pero sin chispa, lo cual desgraciadamente se ha convertido desde entonces en moneda común en su cine. A pesar de esto se saldó con una taquilla arrolladora que dio al neoyorquino vida tras las pobres recepciones de sus últimas películas. Snake Eyes (1998) y Mission to Mars (2000) intentaron ser, igual que la anterior, vehículos de lucimiento de Nicolas Cage la primera y de intento de consolidar la posición de los emergentes Gary Sinise, Don Cheadle, Connie Nielsen y Jerry O'Connell, y afianzar el estatus de Tim Robbins, pero en ambos casos las cifras no fueron lo suficiente como para llamar la atención a pesar de ser películas esforzadas, aunque no notables. Después de Mission to Mars, y tras una serie de problemas con la industria estadounidense, se traslada a Francia, donde reside, y encuentra una serie de productores, con los que consigue filmar Femme Fatale (2002). 

Esta película, a pesar de recibir críticas negativas, es considerada por críticos de renombre como Roger Ebert como una excelente película. Unos años más tarde, se reencuentra con el productor Art Linson (productor de The Untouchables y Corazones de hierro) y regresa a los Estados Unidos para dirigir The Black Dahlia (2006), también con pobres resultados. Tras este último fracaso vuelve a sus orígenes, al cine de pequeño formato, a la obsesión sobre la guerra y a la ruptura visual a la que acostumbró al público con Redacted (2007), pero como todas las películas bélicas ambientadas en el conflicto del golfo, esta también pasó desapercibida. Ahora se dice que está trabajando en la continuación del punto más álgido de su carrera, Los intocables, contándonos la ascensión de Capone, pero ahora mismo y tras casi 5 años ya aún no se ha dado el pistoletazo de salida para comenzar la filmación. 

Sus películas:

The Untouchables: Capone Rising 2007: Redacted (Redactado) 2006: The Black Dahlia (La Dalia Negra) 2002: Femme Fatale 2000: Mission to Mars (Misión a Marte) 1998: Snake eyes (Ojos de Serpiente) 1996: Mission: Impossible (Misión: Imposible) 1993: Carlito's Way (Atrapado por su pasado / Carlito's Way) 1992: Rasing Caín (Demente / En nombre de Caín) 1990: The Bonfire of the Vanities (La hoguera de las vanidades) 1989: Casualties of War (Pecados De Guerra / Corazones de hierro) 1987: The Untouchables (Los intocables / Los intocables de Elliot Ness) 1986: Wise guys ( Chicos listos / Estos Si Son Amigos) 1984: Body Double (Doble de cuerpo / Doble cuerpo) 1983: Scarface ( Caracortada / El precio del poder) 1981: Blow out (El Sonido De La Muerte / Estallido Mortal / Impacto) 1980: Dressed to Kill (Vestida para matar) 1980: Home Movies (Una familia de locos) 1978: Fury (La furia) 1976: Carrie (Carrie: Extraño Presentimiento) 1976: Obsession (Magnifica Obsesión / Obsesión/ Fascinación) 1974: Phantom of the Paradise (El fantasma del paraíso) 1973: Sisters (Siamesas Mortales / Hermanas) 1972: Get to know yor rabbit 1970: Hi, Mom! (Blue Manhattan / Hola, mamá) 1970: Dionysus 1969: The wedding party 1968: Greetings (Saludos) 1968: Murder a la mod

BING CROSBY


Cantante, Actor

Harry Lillis "Bing" Crosby (Tacoma, Estado de Washington, 3 de mayo de 1903 - Alcobendas, España, 14 de octubre de 1977) fue un cantante (crooner) y actor estadounidense con una carrera artística de medio siglo. Fue uno de los primeros artistas multimedia. Entre 1934 y 1954, Crosby tuvo un casi imbatible éxito de ventas con sus discos, grandes ratings en las emisoras de radio y películas mundialmente vistas. Es usualmente considerado como uno de los actores musicales más populares de la historia y es actualmente la voz humana más grabada electrónicamente. El prestigio artístico de Crosby es universal, máxime si tenemos en cuenta que fue una de las mayores inspiraciones para otros grandes intérpretes masculinos que lo secundaron, tales como Frank Sinatra, Perry Como, y Dean Martin. 

 Harry Lillis Crosby nació en Tacoma (Washington) el 3 de mayo de 1903 en una casa construida por su padre (1112 North J Street, Tacoma, Washington). Su familia se mudó a Spokane (Washington) en 1906 con el objetivo de conseguir algún trabajo. Fue el cuarto de siete hijos: cinco hombres, Larry (n. 1895-1975), Everett (n. 1896), Ted (n. 1900), Harry (n. 1903) y Bob (1913-1993); y dos mujeres, Catherine (n. 1905) y Mary Rose (n. 1907). Su padre, Harry Lowe Crosby (1871-1950), era un contable de ascendencia inglesa-estadounidense, y su madre Catherine Harrigan (1873-1964) era hija de un constructor de County Mayo de ascendencia irlandesa-estadounidense. Sus ancestros paternos, Thomas Prence y Patience Brewster, nacieron en Inglaterra y emigraron a los Estados Unidos en el siglo XVII. La familia Brewster arribó al continente en el famoso barco Mayflower. 

Bing Crosby no tenía certificado de nacimiento; la fecha, por tanto, fue un secreto hasta que la iglesia católica de su juventud en Tacoma reveló su acta de bautismo que contenía la datación exacta de su nacimiento. En 1910 Harry Lillis, con seis años de edad, descubrió una página completa en la que aparecía un artículo en la edición dominical del Spokesman-Review, The Bingville Bugle. El Bugle, sección escrita por el humorista Newton Newkirk, era en realidad una parodia que aparecía publicada en dicho periódico. Un vecino de quince años de edad, Valentine Hobart, compartía el entusiasmo de Crosby por estas parodias y llamó al diario Bingo por Bingville. 

De aquí surgió el apelativo de Crosby: suprimida la última vocal de la palabra Bingo, Crosby adoptó el nombre de Bing. En el verano de 1917 Crosby trabajó en el Auditorium de Spokane, donde fue testigo de los mejores actos del día, incluyendo una actuación de Al Jolson de quien Crosby diría: «Para mí él fue el mejor artista que ha existido». 

En el otoño de 1920, Bing se matriculó en la Universidad jesuita Gonzaga College en Spokane, Washington con la intención de graduarse como abogado. Mantuvo un promedio de notas de B+. Estando en Gonzaga, compró un set de batería por correspondencia. Tras una ardua práctica sus habilidades crecieron manifiestamente y fue invitado a unirse a una banda local compuesta en su mayoría por niños escolares llamada Musicaladers, conducida por Al Rinker. Logró ganar tanto dinero con este trabajo que decidió dejar los estudios durante su último año para dedicarse al mundo del espectáculo.

En su madurez, Bing Crosby viajaba a la ciudad de La Paz (Baja California Sur, México). En esa ciudad alternó sus vacaciones familiares con una gran labor social. En Las Cruces, un balneario casi aislado, disfrutó (según sus propias palabras) de algunos de los mejores días de su vida, siempre en compañía de su familia. Era muy aficionado al golf y falleció inesperadamente, al parecer por un infarto mientras lo practicaba, en la zona residencial de La Moraleja sita en Alcobendas, cerca de Madrid (España). En 2005, salió una biografía no autorizada escrita por sus hijos, quienes lo pintaban como un mal padre, egoísta, avaro y mezquino.

BILLY JOEL


Cantante, Compositor, Pianista

William Martín (Billy) Joel (nacido el 9 de mayo de 1949 en Bronx) es un cantante, compositor y pianista estadounidense. Billy Joel ha grabado muchos éxitos populares desde 1973 (empezando con el sencillo "Piano Man") hasta su retiro en 1993, aunque sigue haciendo tours. Es uno de los pocos artistas de rock y pop que consiguieron éxitos en el "Top Ten" de los 70, 80, y 90. Ganador del Premio Grammy en seis ocasiones, ha vendido más de 100 millones de discos en el mundo y es el sexto artista con más ventas en Estados Unidos, de acuerdo con la RIAA. Ha realizado exitosas giras artísticas algunas veces con Elton John además de escribir y grabar música clásica. 

 Billy Joel primero vivía en el Sur del Bronx, en la Ciudad de Nueva York, pero su familia pronto se mudó a Long Island, específicamente, a Levittown sección de Hicksville. Sus padres posteriormente se divorciaron, y su padre regresó a Austria. Su hermanastro Alexander Joel es un aclamado pianista clásico y director de orquesta en Europa.4 Billy Joel recibiendo un doctorado de Bellas Artes en la universidad de Syracusa, 14 de mayo de 2006. Desde una temprana edad, Billy Joel tuvo un intenso interés en la música, especialmente la música clásica. Billy Joel comenzó sus clases de piano a los 4 años de edad, y su interés por la música en vez de los deportes fue la causa de muchas discusiones y riñas en sus años mozos. Como adolescente, Billy Joel tomó clases de boxeo que le permitieran defenderse. Peleó de forma exitosa en el circuito amateur de "Golden Gloves" durante un corto tiempo, pero abandonó el deporte tras un combate de boxeo donde se rompió la nariz. Billy Joel estudió en la Secundaria Hicksville y se graduó en 1967. Sin embargo, no tenía los suficientes créditos en una materia de Inglés para poder graduarse; se quedó dormido el día de un examen importante debido a su estilo de vida nocturna. Teniendo que atender a cursos de verano para completar ese requerimiento, optó por no continuar. Dejó la escuela sin un diploma para iniciar su carrera de músico y aunque era aficionado al boxeo, al final se decidió por el piano. Tocó con diversos grupos que no le proporcionaron mucho éxito, hasta que en 1971 grabó en Nueva York un álbum que despertó el interés general, pero no fue hasta 1973 que alcanzó el éxito con su álbum Piano Man.

Piano Man le dio el éxito que estaba buscando y la canción que da nombre al álbum, está considerada una de las grandes canciones del rock/pop, la cancion que mas sono en 1971, y aun asi no llego al primer lugar, es una de aquellas que pueden pasar los años y se seguirán escuchando. Al éxito de Piano Man, el cual hizo que llamara la atención del público, le siguieron tres discos considerados como de lo mejor de la historia del rock/pop, The Stranger, álbum que Joel publicó en 1977 lo hizo acreedor a un Grammy por Mejor Disco del Año mientras que Just The Way You Are, canción que aparece en el Disco, se convertiría en el clásico de Joel, The Stranger incluso apareció en la Lista de la Revista Rolling Stone dentro de los mejores 100 álbumes de todos los tiempos, al igual que el álbum siguiente de Joel, 52nd Street que terminó de situarlo en la cima del estrellato. 

Durante los 80 la música de Joel cambió, de aquel rock/pop alegre, virtuoso, y pegajoso acompañado de letras que hablaban de experiencias en bares, contando historias de viajes y regresos como "Seen The Lights Gone Out On Broadway", "New York State of Mind" o "Allentown",tuvo un radical cambio al entrar los 80 donde su estilo y sus letras cambiaron para hacerlas un tanto más románticas, introspectivas, y tranquilas, sobre todo al inicio de la década. Joel tuvo que cambiar la pasividad de sus letras y de su música, que no por ser pasiva dejó de ser brillante, y tuvo que adecuarse al estilo predominante de los 80, la desmesurada alegría en la sociedad explícita en las canciones de cada artista. El primer disco de Joel en los 80 "The Nylon Courtain" trata temas introspectivos, y en cierto punto, rayando con lo político, como las guerras, que deja ver en su tema "Goodnight Saigon" una de sus mejores canciones y que significa un homenaje a aquellos soldados perdidos en la Guerra de Vietnam. A finales de la década Joel volvió a cambiar su apariencia, y su música de nuevo volvió a ser el clásico contador de historias de los 70, con sus descripciones únicas y con sus ritmos pegajosos en cada canción que escribía. En 1992, el crédito que debía en la materia de Inglés fue dispensado por la junta de la escuela Hicksville y recibió su diploma en una ceremonia de graduación tras 25 años después de que dejara la escuela. Se ha casado 3 veces, una vez con la modelo Christie Brinkley, tuvieron una hija llamada Alexa Ray Joel, de 23 años; quien ya sacó un disco y ha destacado igual, como pianista y cantante soul.

 Billy Joel es considerado uno de los grandes cantautores de todos los tiempos, ganador de 6 Grammys en su carrera, incluyendo el Grammy Leyenda por su contribución a la música. Su legado en la cultura pop es sólo comparable con el de otros grandes como Elton John o Frank Sinatra entre otros, canciones que permanecerán inmortales a través de los años y que han emocionado a 3 Generaciones completas. Billy Joel es, ante todo, un sagaz contador de historias, un trovador rockero, su sello particular, melódicas canciones Pop/Rock con un toque sutil y fantástico del piano, y como letra, cualquier historia que Joel pudiera contar, que iban desde viajes, fiestas, historias amorosas, y encuentros inesperados.

BURT BACHARACH


Pianista, Compositor

Burt Bacharach (n. 12 de mayo de 1928 en Kansas City (Misuri) es un premiado pianista y compositor pop estadounidense. Se le conoce mejor por sus muchos éxitos de música pop alcanzados entre 1962 y 1970 con letras de Hal David, muchos de los cuales fueron grabados por Dionne Warwick. Hasta 2006 había escrito un total de 70 éxitos de las listas de los principales 40 en Estados Unidos y 52 de los principales 40 del Reino Unido. 

 Sus padres fueron Irma (Freeman - apellido de soltera -) y Bert Bacharach, un periodista. Bacharach estudió música en la Universidad de McGill, el Colegio de Música de Mannes y la Academia de Música del Oeste en Santa Barbara, California. Durante los años 50 y comienzos de los 60 fue el pianista, arreglista y músico principal de Marlene Dietrich con quien hizo giras.

En 1957, Bacharach y el letrista Hal David comenzaron a trabajar juntos en Nueva York. Casi un año más tarde su canción "The Story of My Life" fue grabada por Marty Robbins para Columbia Records convirtiéndose en la número uno de las listas country a fines de ese año, a continuación "Magic Moments" fue grabada por Perry Como para RCA Records llegando al número 4 en febrero de 1958. Estas dos grabaciones llegaron al número uno consecutivamente en Reino Unido, dándoles a él y a Hal David el honor de ser los primeros autores en la historia de Reino Unido en haber escrito dos números uno consecutivos. Después vendrían éxitos como "Heavenly" y "Faithfully" en la voz de Johnny Mathis ambos merecedores de disco de oro. A inicios de los 1960, Bacharach escribió más de cien canciones con David, que incluyen un tesoro de éxitos populares a lo largo de los 60s y 70s, muchos de los cuales aun gozan de popularidad. Durante los 60s ambos estuvieron ligados a Dionne Warwick, una vocalista formada en conservatorio que los conoció en 1961. Ella comenzó a trabajar con el dúo cuando necesitaron una buena cantante para hacer demostraciones apropiadas de sus canciones para otros artistas. 

Bacharach y David notaron que la calidad de los demos de Warwick a menudo superaban la de las interpretaciones que otros grababan. Comenzaron a escribir parte de sus obras específicamente con Warwick en mente y esto condujo a la formación de uno de los equipos más exitosos en la historia de la música popular. En un lapso de veinte años desde los inicios de los 60s, Warwick llevó a las listas 38 sencillos co-escritos o producidos por Bacharach, incluyendo 22 éxitos dentro de los primeros 40 de las listas de los 100 más populares del American Billboard. También a principios de los 60s, Bacharach colaboró además con Bob Hiliard en varias canciones como "Mexican Divorce" para The Drifters y "Any Day Now" para Chuck Jackson. Durante los años 60 y 70 las canciones de Bacharach se hicieron famosas en las voces de artistas como The Beatles ("Baby It's You"), The Carpenters ("Close to You"), Barbra Streisand, Aretha Franklin, B.J. Thomas ("Raindrops Keep Falling on my Head"), Tom Jones ("What's New, Pussycat"), The Stranglers, Dusty Springfield, The Drifters, Jack Jones, Jackie DeShannon y Luther Vandross. Muchos temas de Bacharach fueron adaptados por músicos de jazz como Stan Getz y Wes Montgomery. Adicionalmente fue compositor y arreglista de exitosas películas como Alfie de 1966 y de 1967 Casino Royale. Bacharach y David también trabajaron en Broadway con el productor David Merrick en el musical de 1968 Promises, Promises. 

En 1969 la canción interpretada por BJ Thomas "Raindrops Keep Falling on My Head" de la película Butch Cassidy and the Sundance Kid ganó el premio Óscar como mejor canción de Banda Sonora. 

 Burt Bacharach en un especial de ABC de 1972. En 1973, Bacharach y David intentaron revivir la película clásica de 1937 Lost Horizon convirtiéndola en un musical. El resultado fue un fracaso comercial y de crítica que resultó en demandas tanto entre ellos dos como de parte de Warwick. A inicios de los años 80, Bacharach se separó de la actriz Angie Dickinson e inicio una nueva sociedad de composición con Carole Bayer Sager con quien finalmente se casó. Entre sus composiciones más notables están "Arthur’s Theme (Best That You Can Do)" (Christopher Cross), "Heartlight" (Neil Diamond), "Making Love", "On My Own" y la conocida "That's What Friends Are For" de 1985 cuyas ganancias van directamente a fundaciones en la lucha contra el sida. 

En 1998, Bacharach co-escribió y produjo el álbum ganador de premio Grammy de Elvis Costello, Painted From Memory. En 2006, grabó un álbum de jazz con Trijntje Oosterhuis llamado The Look Of Love (Burt Bacharach Songbook). 

Durante los años 60 y 70 Bacharach apareció en múltiples musicales especiales en la televisión británica. Bacharach y David hicieron la banda sonora de la serie llamada On the Flip Side, protagonizada por Rick Nelson. Mientras que la serie en sí no tuvo éxito, este trabajo demostró la habilidad de Bacharach para pasar entre diferentes ritmos y estilos como rock, pop, baladas y sonidos latinos. En 1969, su composición instrumental "Nikki" (por su hija) era el tema de presentación de ABC para el espacio ABC Movie of the Week hasta 1975. En los años 90 Bacharach apareció en películas de Hollywood como en las tres de Austin Powers.

BERT KAEMPFERT


Compositor, Director de Orquesta

Bert Kaempfert (Hamburgo, Alemania, 16 de octubre de 1923 - Mallorca, España, 21 de junio de 1980) fue un compositor y director de orquesta alemán. Fue un pionero del jazz haciendo de este una audición atractiva para un público más general y escribiendo canciones muy importantes, como Strangers in the Night (grabado originalmente por Ivo Robić) y "Spanish Eyes". 

Nació en Hamburgo, Alemania, y estudió en la Escuela de la Música de esa ciudad. Era multinstrumentista. Primero trabajó como director de orquesta al servicio de Hans Busch durante la Segunda Guerra Mundial y más tarde formó su propia gran orquesta, con la que haría una gran gira. También trabajó como compositor y arreglista en los discos de Freddy Quinn e Ivo Robic. 

 "Strangers in the Night" (con letra de Charles Singleton y Eddie Snyder) fue compuesta originalmente para Ivo Robić y fue grabada como parte de la banda sonora original de Espías en acción (A Man Could Get Killed). Frank Sinatra la convertiría en número uno en 1966. Otro "hit" fue Wooden Heart," esta vez cantado por Elvis Presley en la película GI Blues en 1961. Fue el productor de My Bonnie, y el resto de las canciones que los Beatles (entonces The Silver Beatles) grabaron para Polydor durante su estancia en Hamburgo, en 1961-62. 

 Jimi Hendrix incluyó la melodía " Strangers in the night " en su solo de guitarra improvisado en su versión de "Wild Thing" en 1967 en el Monterey Pop Festival. 

Bert Kaempfert fue el arreglador que eligió TVE para la canción La,la,la que habían compuesto Manuel de la Calva y Ramón Arcusa, el Dúo Dinámico, y que, interpretada por Massiel, ganó para España el Festival de Eurovisión de 1968 en Londres.

BENNY GOODMAN


Clarinetista, Director de orquesta de jazz

Benjamin David Goodman (Chicago, 30 de mayo de 1909 – Nueva York, 13 de junio de 1986), conocido como Benny Goodman, fue un clarinetista y director de orquesta estadounidense de jazz. Conocido como El rey del swing, es, junto con Glenn Miller y Count Basie, el representante más popular de este estilo jazzístico e iniciador de la llamada era del swing. 

Una de sus canciones más famosas es "Sing, sing, sing (with a swing)", empleada en múltiples bandas sonoras y obras de teatro y musicales. Goodman, noveno de doce hermanos e hijo de emigrantes judíos procedentes de Polonia, nació en Chicago, donde vivían en el barrio Maxwell Street. 

Su padre, David Goodman, era sastre procedente de Varsovia, su madre Dora Rezinski, era de Kaunas. Sus padres se conocieron en Baltimore, Maryland y se trasladaron a Chicago antes de que naciera Benny. Comenzó a tocar el clarinete a la edad de diez años en la sinagoga, tras lo que se unió a una banda local. Hizo su debut profesional a los doce años y abandonó la escuela a los catorce para hacerse músico profesional. A los 16 años, en agosto de 1925, se unió a la banda de Ben Pollack, con la que hizo sus primeras grabaciones en diciembre de 1926. Sus primeras grabaciones bajo su propio nombre las realizó en enero de 1928. A los 20 años, en septiembre de 1929, abandonó a Pollack para dirigirse a Nueva York donde trabajó como músico independiente, trabajando en sesiones de grabación, espectáculos radiofónicos y en las orquestas de los musicales de Broadway. 

Hizo también grabaciones bajo su propio nombre con orquestas alquiladas, alcanzando grandes éxitos con "He's Not Worth Your Tears" (cantada por Scrappy Lambert) en Melotone Records en enero de 1931. Firmó con Columbia Records en el invierno de 1934 y alcanzó el top ten a comienzos de 1934 con "Ain't Cha Glad?" (cantada por Jack Teagarden), "Riffin' the Scotch" (cantada por Billie Holiday) y "Ol' Pappy" (cantada por Mildred Bailey), y en primavera con "I Ain't Lazy, I'm Just Dreamin'" (cantada por Jack Teagarden). 

Todos estos éxitos y un ofrecimiento que se le hizo para actuar en el Billy Rose's Music Hall inspiraron a Goodman para organizar una orquesta permanente; su primer concierto se produciría el 1 de junio de 1934. Su grabación instrumental de "Moon Glow" alcanzó el primer lugar en julio y consiguió dos éxitos más con los temas instrumentales "Take My Word" y "Bugle Call Rag". Tras unos meses en el Music Hall, firmó por el programa radiofónico Saturday night Let's Dance de la NBC, tocando la última hora de las tres que duraba el espectáculo. Durante los seis meses que estuvo en el programa, consiguió seis éxitos más con Columbia, y otros cinco más con RCA Victor, su siguiente compañía. Tras dejar el programa de radio, Goodman emprendió una gira nacional en el verano de 1935. No fue especialmente exitosa hasta que llegó a la Costa Oeste, debido a que sus actuaciones en el programa de radio habían podido ser oídas a una hora más temprana que en la Costa Este. Su actuación en el Palomar Ballroom cerca de Los Ángeles el 21 de agosto de 1935 fue un éxito espectacular, recordado como el comienzo de la era del swing. Se trasladó durante seis meses a vivir al Congress Hotel en Chicago, empezando en noviembre. En 1936 compuso 15 éxitos, entre los que estaban "It's Been So Long", "Goody-Goody", "The Glory of Love", "These Foolish Things Remind Me of You" y "You Turned the Tables on Me" (todos cantados por Helen Ward). Se convirtió en el protagonista de la serie radiofónica The Camel Caravan, que duró hasta finales de 1939. En octubre de 1936 la orquesta hizo su debut cinematográfico en la película The Big Broadcast de 1937. El mismo mes, Goodman empezó a vivir en el Pennsylvania Hotel en Nueva York. El siguiente gran éxito de Goodman en febrero de 1937 lo consiguió con la participación como cantante de Ella Fitzgerald y como trompetista de Harry James. Fue el primero de seis grandes éxitos durante ese años, entre los que estaban "This Year's Kisses" (cantado por Margaret McCrae). En diciembre, la orquesta apareció en otra película, Hollywood Hotel. 

El punto más alto de popularidad de Goodman se alcanzó el 16 de enero de 1938 cuando dio un concierto en el Carnegie Hall; a lo largo de ese año consiguió numerosos éxitos, como "Don't Be That Way" (instrumental), "I Let a Song Go out of My Heart" (cantado por Martha Tilton) y "Sing, Sing, Sing (With a Swing)", que más tarde entraría en el Grammy Hall of Fame.

Hacia 1939, Goodman había perdido a importantes músicos como Gene Krupa y Harry James, que se habían encaminado a crear sus propias orquestas; por lo demás, la competencia seria apareció con las bandas de Artie Shaw y Glenn Miller. No obstante, Goodman consiguió nuevos éxitos durante ese año, tales como "And the Angels Sing" (cantado por Martha Tilton), también situado en el Salón de la Fama Grammy. Regresó a Columbia Records. En noviembre, apareció en el musical de Broadway Swingin' the Dream, liderando un sexteto. El espectáculo duró poco, pero le proporcionó un nuevo éxito en marzo de 1940 con la canción "Darn That Dream" (cantada por Mildred Bailey). Ese año sólo consiguió tres éxitos debido, en parte, a una enfermedad que le llevó a operarse de una hernia discal. En 1941, ya recuperado, consiguió posicionar dos nuevas composiciones, una de los cuales fue "There'll Be Some Changes Made" (cantado por Louise Tobin), y regresó a la radio con su propio programa. Entre sus éxitos de 1942 estaban "Somebody Else Is Taking My Place" (cantado por Peggy Lee) y el tema instrumental "Jersey Bounce". Apareció también en la película Syncopation. En 1943, con material grabado tiempo atrás ante la imposibilidad de grabar en esa época tras la entrada de Estados Unidos en la Guerra, Goodman consiguió dos grandes éxitos, uno de ellos con "Taking a Chance on Love" (cantado por Helen Forrest). Su tiempo libre lo empleó para trabajar en películas, apareciendo en tres durante ese año: The Powers Girl, Stage Door Canteen y The Gang's All Here. Goodman disolvió su orquesta en 1944. Apareció en la película Sweet and Low-Down en septiembre y actuó con un quinteto en la revista de Broadway Seven Lively Arts, debutando el 7 de diciembre y alcanzado 182 representaciones. En abril de 1945 su recopilatorio Hot Jazz fue un gran éxito. Reorganizó también su orquesta, produciendo temas muy exitosos como "Gotta Be This or That" (cantado por él mismo), "Symphony" (cantado por Liza Morrow), etc. Goodman protagonizó una serie radiofónica con Víctor Borge en 1946-1947, y continuó grabando tras firmar con Capitol Records. Apareció en la película A Song Is Born en 1948 y empezó a experimentar con el bebop. A finales de 1949 disolvió de nuevo su orquesta y volvió a organizar grupos temporalmente para giras y sesiones de grabación. Murió en Nueva York, en 1986. 

Uno de sus mayores momentos, y uno de los momentos más importantes de la historia musical de los EEUU se produjo gracias a su amistad con Lionel Hampton y Teddy Wilson, con los cuales hizo la primera actuación pública de músicos interraciales. La leyenda dice que conoció a Lionel Hampton (vibrafonista) cuando desayunaba en la cafetería donde este trabajaba como camarero, cocinero, cantante e intérprete. [editar] Goodman y la música clásica Diversos músicos del mundo clásico compusieron obras para él. Así, Aaron Copland le dedicó su Concierto para Clarinete (1947), como también lo hicieron Béla Bartók con su obra Contrastes para violin, clarinete y piano, Paul Hindemith con su Concierto para Clarinete (1947) y Malcolm Arnold con su Concierto nº 2 para clarinete (1974). Tras una carrera llena de éxitos y de actuaciones con los intérpretes y cantantes más importantes del jazz, Peggy Lee, Ella Fitzgerald, Gene Krupa, Martha Tilton, murió en Nueva York, en 1986. 

Se le ha referenciado en diversas películas, siendo un habitual de las bandas sonoras de Woody Allen, e incluso en películas como Swing Kids ("Los rebeldes del swing") es el Leitmotiv que dirige a los personajes. Con Artie Shaw (judío), Django Reinhardt (gitano) y Lionel Hampton (negro) se convirtió en uno de los símbolos de la apertura cultural y la tolerancia, y de cómo la música no entiende prejuicios.