jueves, 14 de junio de 2012

HERB ALPERT



Trompetista, Cantante, creador del grupo The Tijuana Brass

Herbert "Herb" Alpert (Los Ángeles, California, EEUU, 31 de marzo de 1935) es un trompetista y cantante estadounidense conocido por formar parte del grupo Herb Alpert & The Tijuana Brass, Herb Alpert's Tijuana Brass o simplemente TJB. También es famoso por ser un ejecutivo de la industria fonográfica -es la letra "A" de A&M Records, un sello de grabación fundado junto a Jerry Moss-. Los logros musicales de Alpert incluyen cinco números uno, veintiocho álbumes en las listas de Billboard, ocho Premios Grammy, catorce discos de platino y quince discos de oro. En 1996, Alpert había vendido 72 millones de álbumes en todo el mundo. 

 Nacido en Los Ángeles, California, Alpert empezó a recibir lecciones de trompeta a los ocho años y, siendo todavía adolescente, ya tocaba en bailes. Adquirió su primer magnetófono en la escuela secundaria, empezando a experimentar grabando con este equipo sencillo. Después de graduarse en la escuela secundaria de Fairfax en 1952, se unió al ejército norteamericano actuando frecuentemente en ceremonias militares. Después del servicio en el Ejército, Alpert probó suerte con actuaciones dramáticas, pero acabó dedicándose a la carrera musical. Mientras asistía a la Universidad de California del Sur en los años cincuenta, fue miembro de la USC Banda de Marcha de Troya durante dos años. Se graduó con BM en 1954. En 1957, Alpert se asoció con Lou Adler, otro lírico del burgeoning, como autor de Keen Records. Varias canciones escritas o co-escritas por Alpert durante los siguientes dos años, llegaron a los mejores puestos de los veinte mejores hits, incluyendo "Baby Talk" de Jan and Dean, "Mundo Maravilloso" por Sam Cooke, y "Alley-Oop" de The Hollywood Argyles por Dante y The Evergreens. En 1960, Alpert empezó su carrera de grabaciones como vocalista de RCA Records bajo el nombre de Dore Alpert, dónde grabó sus primeras canciones. "Tell It To The Birds" se grabó como primera versión en el sello de Alpert & Moss, Carnival Records. Cuando Herb & Jerry se dieron cuenta de que ya estaba en uso la denominación Carnival, su sello se convirtió en A&M Records. Alpert preparó un pequeño estudio de grabación en su garaje y dobló una melodía llamada "Twinkle Star", escrita por Sol Lake que escribiría las melodías originales del futuro Tijuana Brass. Durante una visita a Tijuana, México, Alpert escuchaba a un mariachi mientras asistía a una corrida de toros. 

En esta experiencia, Alpert se dio cuenta de que él estaba "inspirado para encontrar una manera de expresar musicalmente eso que él sentía mientras veía la respuesta exacerbada de la muchedumbre, y oìa a los músicos de metal introducir cada nuevo lance con una emotiva fanfarria". Alpert adaptó el estilo de la trompeta a la melodía, mezclando los aplausos de la muchedumbre y otros sonidos para recrear ambiente, y renombró la canción: "The Lonely Bull". Pagó de su propio bolsillo la grabación del "sencillo", y la difundió a través de las radios DJ´s hasta que tuvo éxito y se convirtió en un Top Ten en 1962. Siguió rápidamente con su álbum de debut, The Lonely Bull por "Herb Alpert & the Tijuana Brass". La versión inicial de Tijuana Brass constaba de músicos de estudio. El corte del título alcanzó #6 en la Lista de Singles de Billboard. Éste también fue el primer álbum de A&M (el número original era 101), pero se grabó en Conway Records. A finales de 1964, debido a la creciente demanda de actuaciones en directo de Tijuana Brass, Alpert hizo una audición y contrató un grupo de músicos. Nadie de la banda era realmente Hispano (el propio Herb es Judío). Alpert decía a su público que el grupo constaba de "tres pastramis, dos bagels y un queso americano": John Pisano -guitarra eléctrica-, Lou Pagani -piano-, Nick Ceroli -batería-, Pat Senatore -guitarra baja-, Tonni Kalash -trompeta-, Herb Alpert -trompeta y voces-, y Bob Edmondson -trombón-. La banda debutó en 1965 y rápidamente se convirtió en uno de los grupos más cotizados, que realizaba una completa interpretación que incluía coreografías y actuaciones cómicas escritas por Bill ("José Jiménez") Dana. 

El éxito de Tijuana Brass ayudó a nacer a otros grupo latinos, Julius Wechter (el viejo amigo de Alpert y el marimbero para los Brass) y la Banda Baja Marimba Band, y las ganancias le permitieron a A&M empezar a contar con un repertorio de artistas como Chris Montez y The Sandpipers. Wechter también contribuyó en varias canciones originales de los Brass, normalmente al menos uno por álbum, junto con los de otros amigos de Alpert, Sol Lake y Ervan "Bud" Coleman. El estilo Tijuana´s Marimba Brass ya creado por Herb Alpert & The Tijuana Brass además de proponer todo un nuevo genero también se adoptó en otras bandas americanas, Chicago y Earth, Wind & Fire. Ambas alcanzarían los mejores puestos en los hits de los setenta y en los primeros años ochenta. Grababan un álbum o dos cada año a lo largo de los años sesenta. La banda de Alpert también era destacada en especiales de televisión, cada uno centrado en interpretaciones de las canciones de su último álbum -esencialmente los primeros "videoclips", hechos famosos después por MTV. El primer especial de Herb Alpert and the Tijuana Brass, patrocinado por el Singer Sewing Machine Company, se publicó el 24 de abril de 1967 en CBS. El estilo de Alpert logró enorme popularidad con la difusión nacional que The Clark Gum Company dio a una de sus grabaciones en 1964, una versión de Sol Lake titulada "The Mexican Shuffle", qué se retituló "The Teaberry Shuffle" para anuncios de televisión. En 1965, Alpert grabó dos álbumes: Whipped Cream and Other Delights y Going Places. Whipped Cream vendió más de 6 millones de copias en los Estados Unidos. La portada del álbum es considerada un clásico. La modelo caracterizada Dolores Erickson lleva lo que aparentaba ser crema batida. En realidad, Erickson llevaba una manta blanca encima sobre la que se esparció, hábilmente colocada, crema de afeitar -la crema batida real se habría fundido bajo el calor de las luces del estudio-, aunque la crema de su cabeza es crema batida real. En los conciertos, cuando a Alpert le pedían la canción, decía "disculpen, no podemos tocar la portada para ustedes". La gracia fue parodiada por varios grupos incluso por Soul Asylum y por el cómico Pat Cooper para su Spaghetti Sauce and Other Delights. El single incluido en el título cortó, "Lollipops and Roses", and "A Taste of Honey". El último ganó un Premio Grammy para la Grabación del Año. Going Places ha producido cuatro singles más: "Tijuana Taxi", "Spanish Flea", "Third Man Theme", y "Zorba the Greek." The Brass también interpretó la melodía de Bert Kaempfert "La Trompeta Feliz (The Happy Trumpet)" retitulándolo "Trompeta Mágica (Magic Trumpet)". La interpretación de Alpert contenía un compás que coincidía con otro de la melodía de la cerveza Schlitz, "cuando usted está fuera de Schlitz, está fuera de la cerveza". "La Melodía maltesa" era otra portada de Alpert de un original de Kaempfert. Otro uso comercial era una melodía llamada "El Garbanzo" que era destacado en algunos anuncios de Sunoco ("They're movin', they're movin', people in the know, they're movin' to Sunoco"). En 1967, the TJB hizo el tema principal de la película Casino Royale, compuesto por Burt Bacharach. Muchas de las pistas de Whipped Cream and Going Places han tenido múltiples versiones, y aún se hacen; frecuentemente se usan como música ambiental en The Dating Game on the Game Show Network, especialmente los temas Whipped Cream, Spanish Flea y Lollipops and Roses. Alpert and the Tijuana Brass ganaron seis premios de Grammy. Quince de sus álbumes ganaron discos de oro y catorce, discos de platino. 

En 1966, el Libro Guinness de Records Mundiales reconoció que H. Alpert logró un nuevo record poniendo cinco álbumes simultáneamente en el Billboard Pop Album Chart, un logro que nunca se ha repetido. En abril de ese año, cuatro de esos álbumes estaban simultáneamente en el Top 10. La falta de profundidad en la desautorizada biografía y material histórico sobre Alpert es algo curioso dado lo que se ha escrito sobre los únicos tres artistas de la música que lo superaron en los años sesenta - Elvis Presley, Frank Sinatra, y the Beatles. Esto se explica quizás por la ausencia de actos violentos, dramáticos, o trágicos en su vida. Habían, sin embargo, cientos de artículos escritos sobre Alpert por prensa especializada, periódicos y revistas de música. El único sencillo de Alpert que fue número uno durante este periodo (y el primer #1 corte de su sello A&M) era un solo: "Este Tipo Enamorado de Ti (This Guy's in Love with You)", escrito por Burt Bacharach y Hal David, ofreciendo un raro vocal. Alpert se lo dedicó a su primera esposa en un especial de Televisión CBS en 1968 titulado Beat of the Brass. La secuencia se grabó en la playa en Malibu. No se pensaba que la canción se volviese a emitir, pero después del especial, los miles de llamadas telefónicas a CBS preguntando por Herb convencieron al dueño del sello de Alpert para lanzarlo como single dos días después de que el show se emitiese. Las habilidades vocales de Alpert eran limitadas, pero esta canción tampoco tenía especiales requisitos y ello jugó a su favor. El single apareció en mayo de 1968, llegó a la cima en el ámbito nacional en cuatro semanas y estuvo en lo más alto entre los hits del año; inicialmente menospreciado por los críticos y los melómanos como un tema para amas de casa, la expresiva grabación de Alpert en "This Guy's in Love with You" se considera ahora como una de las baladas emblemáticas del pop. En 1996 en el Salón Festivo Real de Londres, Noel Gallagher, la banda Oasis de rock británico, realizó la canción con Burt Bacharach. 

 Alpert disolvió la Tijuana Brass en el año 1969, pero grabó otro álbum para el grupo en 1971. En 1973, con algunos de los miembros originales de Tijuana Brass y otros nuevos, formó un grupo llamado the T.J.B. Esta nueva formación de los Brass grabó dos álbumes en 1974 y 1975 e hizo algunas giras. Alpert recombinó una tercera etapa con The Brass en 1984 después de que le invitasen a actuar para los atletas de los juegos olímpicos en los Juegos de Verano de Los Ángeles. La invitación llevó al álbum Bullish. En los 1970s, '80s, and '90s, Alpert disfrutó de una triunfal carrera solista. Tenía su hit instrumental más grande, "Levantamiento (Rise)", del álbum del mismo nombre, que fue número uno en octubre de 1979 y ganó un Premio Grammy, y se probó después en 1997 canción de rap "Hipnotice" por el rapero difunto Notorious B.I.G. "Rise" también hizo a Alpert alcanzar el hit #1 en los singles Billboard pop charts con una pieza vocal and una pieza instrumental. La canción "Ruta 101 (Route 101)" extraída del álbum Fandango alcanzó el número 37 en Billboard en agosto de 1982; y al año siguiente en 1983 se popularizó en América Latina con el tema: "Quiereme tal como soy" (Love the way i am) que pertenece al disco antes mencionado. Alpert se bifurcó exitosamente al mundo de R&B con el hit del álbum Keep Your Eye On Me en 1987, asociándose con productores Jimmy Jam y Terry Lewis en "Diamantes (Diamonds)" y "Haciendo el amor En la Lluvia (Making Love In the Rain)" destacando vocales de Janet Jackson y Lisa Keith. Desde 1962 hasta 1992 los artistas de Alpert firmaron para A&M Records y produjeron discos. Él descubrió la banda de la Costa Oriental We Five. Entre los artistas notables con quienes trabajó estuvieron Chris Montez, The Carpenters, Gino Vannelli, Sergio Mendes and Brasil '66, Bill Medley, Lani Hall -la segunda y actual esposa de Alpert-, y Janet Jackson, la vocalista destacada en el hit single de 1987 "Diamantes (Diamonds)". Estas relaciones laborales le han permitido a Alpert volverse un único manager de artistas para llevar singles al Top 10 en por lo menos tres décadas diferentes ('60s, '70s, y '80s). Alpert y su compañero Jerry Moss de A&M Records recibieron un Premio que Fideicomisarios de Grammy le otorgan en 1997 por sus continuos logros en la industria discográfica como ejecutivos y el Premio Grammy de Logro Perpetuo en 2007. Por su contribución a la industria discográfica, Herb Alpert tiene una estrella en el Salón de la Fama de Hollywood en el Boulevard Hollywood 6929. También se instalaron Alpert y Musgo en el Salón de la Fama del Rock and Roll el 13 de marzo de 2006 como no-actor los logros perpetuos de su trabajo en A&M. 

 Alpert continúa tocando su trompeta actualmente, pero también se dedica a su segunda carrera como pintor expresionista abstracto y escultor con las exposiciones alrededor de los Estados Unidos. También ha trabajado como productor del teatro de Broadway, con su producción de los Ángeles de Tony Kushner en América ganando un premio Tony. En los años ochenta creó la Fundación Herb Alpert y los Premios Alpert de las Artes con El Instituto de California de las Artes (CalArts). La Fundación apoya juventud y educación de artes así como los problemas medioambientales y fondo de auxilios la serie de PBS "Bill Moyers en la Fe y Razón." Ha mantenido los fondos para el grupo disidente cultural conocido como The Yesmen. Aunque no ha lanzado un nuevo álbum desde 1999 "Herb Alpert and Colors", está controlando activamente la reedición de su biblioteca musical. 

En el 2000, Alpert adquirió los derechos de su música a Universal Music (los dueños actuales de A&M Records), en un pago legal y empezó la remasterización de sus álbumes para la reedición de sus discos compactos. En 2005, Shout! Factory empezó distribuyendo versiones del remasterizado de A&M de Alpert digitalmente, incluso un nuevo álbum, los Tesoros Perdidos (Lost Treasures), constando de material no grabado de los años de metal de Tijuana de Alpert. En la primavera de 2006, una versión del remixed del álbum Whipped Cream, titulado Whipped Cream and Other Delights: Re-Whipped se grabó y subió al #5 en la Lista de Billboard Contemporary Jazz. Continúa siendo artista invitado para los amigos como Gato Barbieri, Rita Coolidge, Jim Brickman, Brian Culbertson y David Lanz. Sus canciones han estado en varios shows de TV como Saturday Night Live. Alpert también se acreditó con un papel secundario en el video musical de Beastie Boys, "Ch-Check It Out," aunque él no aparecía. Aparte de las reediciones, el Álbum de Navidad (Christmas Album) continúa estando disponible todos los años durante la época navideña. Ha donado $30,000,000 a UCLA, fundando la Herb Alpert Escuela de Música, y $24,000,000 (incluidos $15M en el 2008 de abril) al Instituto de California de las Artes (CALARTS) para su programa de música.

FREDRIC MARCH


Actor

Ernest Frederick McIntyre Bickel (31 de agosto de 1897 - 14 de abril de 1975) fue un actor estadounidense ganador de dos premios Óscar. Nacido en Racine, Wisconsin, fue al Winslow Elementary School, al Racine High School y a la Universidad de Wisconsin donde fue miembro del Alpha Delta Phi. Comenzó su carrera como banquero, pero en 1920 comenzó a trabajar como extra en películas rodadas en Nueva York, usando el apócope de su madre, Marcher. En 1926, aparece en obras de Broadway y, poco después, firma un contrato con la Paramount Pictures. 

Su primer título cinematográfico de cierto relieve y donde ya adquiere un papel protagonista, le llega de manos de la directora Dorothy Arzner que le otorga un personaje de relieve en el filme La loca orgía (1929). Su buena interpretación le abre de par en par las puertas del éxito. March consiguió una candidatura a los Óscar en 1931 por The Royal Family of Broadway, en el que interpreta un papel inspirado en John Barrymore. 

La estatuilla la ganaría una año después por El hombre y el monstruo, y por segunda vez en 1946 por Los mejores años de nuestra vida. En 1954, March presentaría la 26ª edición de la ceremonia. March fue uno de los pocos actores que consiguieron resistir un contrato de larga duración con los estudios y fue capaz de actuar por libre y escoger papeles para otras películas que no fueran de la Paramount. Al mismo tiempo, estuvo trabajando en Broadway y Hollywood, hecho que explica que su carrera en la pantalla no fuese tan prolífica como podría haber sido. March, de todas maneras, ganó dos premios Tony al mejor actor: en 1947 por la obra Years Ago, escrita por Ruth Gordon; y en 1957 por la producción de Broadway de Eugene O'Neill, Long Day's Journey Into Night. Además, March tuvo el honor de ser el primer Willy Loman en la obra de su amigo Arthur Miller, La muerte de un viajante (1949). Posteriormente, March interpretó a Willy Loman en la producción cinematográfica que Columbia Pictures realizó en 1951 dirigida por Laslo Benedek. 

Cuando a March se le diagnosticó el cáncer de próstata en 1972, parecía que su carrera estaba acabada. Aun así, March regaló al público una última interpretación maestra en The Iceman Cometh (1973) junto a Robert Ryan que también se le diagnosticó un cáncer terminal. Fredric March moriría en Los Ángeles, California, a la edad de 77 años. 

El actor tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood situada en el 1616 de Vine Street.

FRED GWYNNE


Actor de comedia

Frederick Hubbard Gwynne (Nueva York, 10 de julio de 1926 - Taneytown, Maryland, 2 de julio de 1993) Cursó estudios en la Universidad de Harvard. Actor especializado en la comedia debido a su físico característíco ya que media 1,95 m (6 pies 5 pulg). Uno de sus más populares papeles fue el de Herman Munster, padre de Los Munsters, junto a Yvonne De Carlo. Es de destacar su participación en Atracción fatal, en el papel de Arthur y en Cementerio de mascotas.(Pet Sematary) dirigida por Mary Lambert en 1989

Falleció el 2 de julio de 1993 de cáncer de páncreas en Taneytown, Maryland a la edad de 66 años. Le sobreviven su esposa Deborah y 4 hijos.

FRED ASTAIRE


Actor, Cantante, Coreógrafo, bailarín de teatro y cine

Frederick Austerlitz (Omaha, Nebraska, 10 de mayo de 1899 - Los Ángeles, California, 22 de junio de 1987), más conocido como Fred Astaire, fue un actor, cantante, coreógrafo y bailarín de teatro y cine estadounidense. Su carrera teatral y su posterior carrera en el cine abarcó un total de setenta y seis años, durante los que rodó 31 películas musicales. Está particularmente asociado con Ginger Rogers, con quien hizo diez películas que revolucionaron el género. Balanchine y Nureyev le consideraron el mejor bailarín del siglo XX, y está generalmente reconocido como uno de los bailarines más influyentes en la historia de los musicales de cine y televisión. Fue nombrado la quinta "Mejor estrella masculina de todos los tiempos" por el American Film Institute.

 Su padre era Frederic "Fritz" Austerlitz, un inmigrante católico austríaco, su madre nació en los Estados Unidos de padres alemanes luteranos. Astaire se convirtió, junto a su hermana, a la religión episcopaliano en 1912. Fred y su hermana Adele tomaron el apellido Astaire para su actuación en un vodevil, en 1905. Una leyenda familiar lo atribuye a un tío apellidado "L'Astaire". 

La carrera de la pareja en el mundo del espectáculo continuó, con una mezcla de éxitos y algunas interrupciones para evitar problemas con las leyes de trabajo infantil de la época. En 1917 se presentaron en Broadway con Over The Top, algunas fuentes afirman que los hermanos Astaire aparecieron en una película de 1915 titulada Fanchon, the Cricket, protagonizada por Mary Pickford, pero esto no está corroborado. Fred Astaire conoció a George Gershwin, que estaba trabajando como "song plugger" en Jerome H. Remick's, y en 1916 empezaron una amistad que iba a afectar profundamente las carreras de ambos artistas. Durante los años 20, Fred y Adele actuaron en Broadway y en teatros de Londres en espectáculos como Lady Be Good, Funny Face y The Band Wagon, ganándose la aclamación del público de ambas partes del Atlántico. Hicieron varias grabaciones en equipo. 

Se separaron en 1932, cuando Adele se casó con Charles Cavendish, un hijo del Duque de Devonshire. Fred continuó obteniendo éxitos en Broadway y en Londres con The Gay Divorcee (La alegre divorciada), mientras consideraba ofertas de Hollywood. Fred Astaire con su hermana Adele en 1921. Según la leyenda de Hollywood, en un informe de una prueba cinematográfica de Astaire con RKO Pictures, pondría: "No sabe cantar. No sabe actuar. Con entradas. Sabe bailar un poco." El productor de películas de Astaire-Rogers Pandro S. Berman afirmó que él nunca lo había dicho en los años 1930 y que sólo salió a la luz años más tarde. Astaire, en una entrevista de 1980 en el programa 20/20 de ABC con Barbara Walters, insistió en que en el informe ponía realmente: "No sabe actuar. Ligeramente calvo. También baila". No obstante, la prueba fue claramente decepcionante y en una libreta del estudio de 1933 David O. Selznick, que había contratado a Astaire en RKO y se había encargado de la prueba, la describió como "espantosa". 

En cualquier caso, el informe de la prueba no afectó a los planes de la RKO para Astaire, primero prestándolo durante unos pocos días a MGM en 1933 para su debut en Hollywood, donde apareció como él mismo bailando con Joan Crawford en la exitosa película musical Dancing Lady. 

 En su retorno a RKO Pictures encabezó el reparto al lado de Ginger Rogers y las dos grandes estrellas de la RKO en aquel momento: la mexicana Dolores del Río y el brasileño Raul Roulien en la película de 1933 Flying Down to Rio (Volando hacia Río), en la que el papel de la pareja Astaire-Rogers era secundario. En una crítica, la revista Variety atribuyó su enorme éxito a la presencia de Astaire: "El principal punto de Flying Down to Rio es la promesa de la pantalla Fred Astaire ... Él es una apuesta segura después de esta película, porque la pantalla le quiere claramente, el micro es amable con su voz y como bailarín pertenece a una clase para sí solo. 

La última observación no será noticia para la profesión, que ha admitido desde hace tiempo que Astaire comienza a bailar donde los otros no llegan." Aunque Astaire fue inicialmente muy reacio a formar parte de otros equipos de baile, fue convencido por las súplicas obvias del público, que se olvidó completamente de del Río y Roulien, las teóricas estrellas de la película y que sólo tuvo ojos para la pareja Astaire-Rogers, por lo que RKO apostó por los nuevos valores; Astaire apareció en un total de diez películas musicales con Ginger Rogers. 

Esa pareja y la coreografía de Astaire y Hermes Pan, ayudaron a hacer del baile un elemento importante de las películas musicales de Hollywood. La serie de Astaire-Rogers está entre las mejores películas de los años 1930. Incluyen The Gay Divorcee (La Alegre Divorciada) (1934), Roberta (1935), Top Hat (Sombrero de copa) (1935), Follow the Fleet (Sigamos la flota) (1936), Swing Time (En Alas de la Danza) (1936), Shall We Dance (Ritmo Loco) (1937), y (Amanda) (1938). Su trabajo en común les elevó al estrellato; como Katharine Hepburn dijo, "Él le da clase y ella le da sexo.". A Astaire se le reconocen dos innovaciones importantes en las películas musicales, primero, su insistencia de que la cámara (casi estacionaria) filmara una rutina de baile en una única toma, si es posible, mientras mantiene a los bailarines en todo el encuadre durante todo el tiempo - una política que Astaire mantuvo desde The Gay Divorcee (1934), hasta que fue invalidado por Francis Ford Coppola - que también despidió a Hermes Pan - cuando dirigía Finian's Rainbow (El valle del arco iris) (1968). 

En segundo lugar, fue firme en que todas las canciones y rutinas de baile estuvieran integradas suavemente en el argumento de la película, ayudando así a que la historia avanzase. Habitualmente, una película de Astaire incluía una interpretación individual para Astaire, una rutina de baile de comedia en pareja y una rutina de baile romántico en pareja. Los críticos de baile Arlene Croce y John Mueller consideran que Rogers ha sido la mejor pareja de baile de Astaire, mientras reconocen que algunas de sus últimas parejas mostraron una destreza de técnica de baile superior, un punto de vista compartido por Hermes Pan and Stanley Donen. 

La crítico de cine Pauline Kael adopta una posición más neutral, mientras el crítico de cine Richard Schickel de la Revista Time escribe "La nostalgia alrededor de Rogers-Astaire tiende a descolorar a otras parejas.". Mueller resume las capacidades de Rogers como sigue: "Rogers sobresalía entre las parejas de Astaire no porque fuera superior a otras como bailarina sino porque, como una actriz intuitiva y hábil, ella era suficientemente cautelosa para darse cuenta que la interpretación no acababa cuando el baile comenzaba ... la razón por la que muchas mujeres han fantaseado con bailar con Fred Astaire es que Ginger Rogers transmitía la impresión de que bailar con él es la experiencia más emocionante imaginable." Según Astaire, "Ginger nunca había bailado con una pareja anteriormente. 

Ella lo fingió muchísimo. No sabía hacer claqué y no sabía hacer esto y aquello ... pero Ginger tenía estilo y talento y lo mejoró mientras le acompañaba. Lo entendió tanto que después de un tiempo cualquiera que bailaba conmigo me parecía mal." Sin embargo, Astaire seguía poco dispuesto a tener su carrera atada exclusivamente a cualquier pareja, ya habiendo sido vinculado con su hermana Adele en el teatro. Incluso negoció con RKO para emprender el camino en solitario con "A Damsel in Distress" en 1937, que resultó una película sin éxito. Volvió para hacer dos películas más con Rogers, Carefree y The Story of Vernon and Irene Castle y, cuando los dos perdieron dinero, Astaire dejó RKO, mientras Rogers permaneció y se convirtió en la propiedad más fuerte del estudio a principios de los años 1940. Se reunieron en 1949 para su décima y última aparición en The Barkleys of Broadway. 

 Fred Astaire y Ginger Rogers en el trailer de Flying Down to Rio (1933). Astaire fue un bailarín virtuoso, capaz de transmitir riesgos despreocupadamente o emociones profundas cuando se exigía. Su control técnico y sentido del ritmo fueron asombrosos; según una anécdota, era capaz, cuando era llamado de nuevo al estudio de rehacer un número de baile que había filmado hacía varias semanas para un número de efectos especiales, de reproducir la rutina con exactitud hasta el último gesto. La ejecución de una rutina de baile de Astaire era de primera por su elegancia, gracia, originalidad y precisión. 

Él tiró de una variedad de influencias, incluyendo claqué y otros ritmos afroamericanos, baile clásico y el estilo elevado de Vernon e Irene Castle, para crear un estilo de baile único y reconocible que influyó ampliamente el estilo "American Smooth" del baile de salón, y fijó los estándares con los que los posteriores musicales en cine serían juzgados. Coreografió todas sus propias rutinas, normalmente con la ayuda de otros coreógrafos, principalmente Hermes Pan. Su perfeccionismo fue legendario así como lo fue su modestia y consideración hacia sus artistas prójimos; sin embargo, su implacable insistencia en ensayos y nuevas tomas fue un carga para algunos. 

Aunque se veía a sí mismo principalmente como un artista, su consumado arte le supuso la adulación de algunas leyendas del baile del siglo XX como Michael Jackson , George Balanchine, los hermanos Nicholas, Mikhail Baryshnikov, Margot Fonteyn, Bob Fosse, Gregory Hines, Gene Kelly, Rudolf Nuréyev y Bill Robinson. Extremadamente modesto sobre sus capacidades de canto - frecuentemente afirmaba que no podía cantar12 - Astaire presentó algunas de las canciones más célebres del Great American Songbook, en particular, "Night and Day" de Cole Porter en Gay Divorce (1932); "Isn't it a Lovely Day" de Irving Berlin, "Cheek to Cheek" y "Top Hat, White Tie and Tails" en Top Hat (1935), "Let's Face the Music and Dance" en Follow the Fleet (1936) y "Change Partners" en Carefree (1938). Presentó "The Way You Look Tonight" de Jerome Kern en Swing Time (1936); "They Can't Take That Away From Me" de the Gershwins' en Shall We Dance (1937), "A Foggy Day" y "Nice Work if You Can Get it" en A Damsel in Distress (1937) y presentó "One for My Baby" de Johnny Mercer en The Sky's the Limit (1943) y "Something's Gotta Give" en Daddy Long Legs (1955) junto con Harry Warren y "This Heart of Mine" de Arthur Freed en Ziegfeld Follies (1946). Astaire también copresentó un número de canciones clásicas a través de duetos musicales con sus parejas. Por ejemplo, con su hermana Adele, copresentó "I'll Build a Stairway to Paradise" de the Gershwins' en Stop Flirting (1923), "Fascinating Rhythm" en Lady, Be Good (1924), "Funny Face" y "'S Wonderful" en Funny Face (1927); y, en duetos con Ginger Rogers, él presentó "I'm Putting All My Eggs In One Basket" de Irving Berlin en Follow the Fleet (1936), "Pick Yourself Up" de Jerome Kern y "A Fine Romance" en Swing Time (1936), junto con "Let's Call The Whole Thing Off" de The Gershwins' en Shall We Dance (1937). Con Judy Garland cantó "A Couple of Swells" de Irving Berlin en Easter Parade (1948); y, con Jack Buchanan, Oscar Levant y Nanette Fabray cantó "That's Entertainment" de Betty Comden y Adolph Green en The Band Wagon (1953). Aunque poseía una voz suave, era admirado por su lirismo, dicción y construcción - la gracia y la elegancia tan apreciada en su baile parecía tener su reflejo en su canto, una capacidad de síntesis que llevó a Burton Lane a describirle como "El mejor intérprete musical del mundo." Irving Berlin consideró Astaire igual que cualquier intérprete masculino de sus canciones - "tan bueno como Jolson, Crosby o Sinatra, no necesariamente por su voz, sino por su idea de proyectar una canción". Jerome Kern le consideró el intérprete masculino supremo de sus canciones y Cole Porter y Johnny Mercer también admiraron su tratamiento único de su trabajo. Y mientras George Gershwin era algo crítico con las capacidades de cante de Astaire, escribió muchas de sus canciones más memorables para él. 

 Fred Astaire y Paulette Goddard en Second Chorus. En 1939, Astaire dejó RKO para hacerse autónomo y buscar nuevas oportunidades cinematográficas. Se unió con otras estrellas, notablemente con Bing Crosby en Holiday Inn (1942) y más tarde Blue Skies (1946). Fue casi superado en Broadway Melody of 1940 (1940) por una de sus primeras parejas de baile post-Rogers, Eleanor Powell. Otras parejas durante este período incluyen Paulette Goddard en Second Chorus (1940), Rita Hayworth en You'll Never Get Rich (1941) y You Were Never Lovelier (1942), Joan Leslie en The Sky's the Limit (1943), y Lucille Bremer en Yolanda and the Thief (1945) y Ziegfeld Follies (1946). Ziegfeld Follies también contiene una pareja memorable de Astaire con Gene Kelly. Después de anunciar su retirada con Blue Skies en 1946, Astaire pronto volvió a la gran pantalla para reemplazar al herido Gene Kelly en Easter Parade (1948) junto con Judy Garland y Ann Miller, y para una reunión final con Rogers, The Barkleys of Broadway (1949). Él entonces siguió haciendo más musicales durante los años 1950: Let's Dance (1950) con Betty Hutton, Royal Wedding (1951) con Jane Powell, Three Little Words (1950) y The Belle of New York (1952) con Vera Ellen, The Band Wagon (1953) y Silk Stockings (1957) con Cyd Charisse, Daddy Long Legs (1955) con Leslie Caron, y Funny Face (1957) con Audrey Hepburn. 

Su legado en este punto eran treinta películas de musicales en un período de veinticinco años. Más tarde, Astaire anunció que se retiraba de bailar en el cine para concentrarse en el teatro dramático, obteniendo críticas muy favorables por el drama sobre la guerra nuclear On the Beach (1959). Murió el 22 de junio de 1987 debido a una neumonía. Fue enterrado en el Cementerio Oakwood Memorial Park in Chatsworth (California).

FRANK LANGELLA


Actor 

Frank Langella (Bayona, Nueva Jersey, Estados Unidos, 1 de enero de 1938) es un actor estadounidense de larga carrera, pues debutó en cine en 1970. Se le recuerda por su papel de Drácula en teatro y cine (1977-78) y porque encarnó al presidente Richard Nixon igualmente dos veces, en teatro y en una exitosa película (2008), por la que fue candidato a un Oscar. Ha ganado dos Premios Tony, de las cuatro nominaciones en las que ha estado. 

Después de estudiar arte dramático en la Universidad de Siracusa, se unió a la Compañía de Repertorio del Lincoln Center. Su debut con este grupo fue en 1968, en una obra junto a Anne Bancroft donde encarnaba a un joven Shakespeare. Posteriormente rodaría una película con el esposo de Bancroft, Mel Brooks. Invirtió mucho de la siguiente década en los escenarios, con piezas como The Old Glory, Good Day y The White Devil. Su debut en los escenarios de Broadway fue con Seascape, de Edward Albee, autor ganador del Pulitzer, y no pudo ser mejor: Langella logró un Premio Tony, y en 1978 sería nominado a otro Tony por su papel en un montaje teatral de Drácula. Repitió este personaje en cine al año siguiente, en una versión dirigida por John Badham que le hizo famoso. Ganaría su segundo Premio Tony en 2002, por la obra teatral Fortune's Fool. 

El éxito de la película Drácula (1979), con Laurence Olivier como coprotagonista, abrió a Langella las puertas del cine de Hollywood, si bien recibió mayormente papeles de personaje «malo» o problemático en películas comerciales, como el de Skeletor en una adaptación de los Amos del Universo (1988). Alternó el cine con el teatro y la televisión, y así participó en tres episodios de Star Trek y encarnó a Sherlock Holmes, primero en una película para el canal HBO y luego en un montaje teatral. 

Tras algunos trabajos menores como su papel en Y Dios creó a la mujer (1988) de Roger Vadim, con Rebecca De Mornay (nueva versión del éxito de Brigitte Bardot), participó en 1492: La conquista del paraíso, superproducción histórica sobre el descubrimiento de América dirigida por Ridley Scott. Rodó la comedia Eddie (1996) con Whoopi Goldberg, con quien inició un noviazgo, y tuvo un papel en el fallido «thriller» erótico Body of Evidence que protagonizó Madonna. Mejores críticas tuvieron trabajos posteriores suyos como Lolita (nueva adaptación, en 1997, de la novela de Nabokov dirigida por Adrian Lyne) y La novena puerta de Roman Polanski. Convertido en un «secundario de lujo», participó en Superman Returns de Bryan Singer (encarnaba al editor del Daily Planet) y en Buenas noches, y buena suerte de George Clooney. Su consagración como actor de prestigio se produjo cuando encarnó al presidente Richard Nixon en Frost/Nixon, primero en su versión teatral en Londres y Nueva York, y posteriormente en su adaptación al cine (2008), y por su trabajo en ésta última fue nominado al Oscar por este trabajo. Entre sus últimas películas se cuenta The Box, protagonizada por Cameron Diaz, y Unknown (o Sin identidad), dirigida por el español Jaume Collet-Serra. 

 Langella contrajo matrimonio con Ruth Weil en 1977; la pareja tuvo dos hijos y se divorció en 1996. Posteriormente el actor mantuvo una relación de varios años (1996-2001) con la popular estrella Whoopi Goldberg, a la que había conocido en el rodaje de la película Eddie.

FRANK LOVEJOY


Actor de cine y teatro, Narrador radiofònico

Frank Lovejoy (28 de marzo de 1914 - 2 de octubre de 1962) fue un actor cinematográfico estadounidense de los años cuarenta y cincuenta, que interpretó habitualmente papeles secundarios. Antes de hacerse actor de cine, Lovejoy fue un exitoso narrador radiofónico y actor teatral. Lovejoy fue actor de voz en la serie radiofónica de los años treinta llamada Gangbusters, interpretó al personaje principal del programa de radio de los años cuarenta Blue Beetle, y participó en la serie radiofónica de los cincuenta Nightbeat. 

En el cine Lovejoy fue efectivo interpretando a personajes ordinarios en situaciones extraordinarias. Lovejoy también actuó en muchas películas sobre la Segunda Guerra Mundial. Es de destacar el film de 1952 Retreat Hell, en el que se describía la retirada del ejército estadounidense en la Batalla de la Reserva de Chosin durante la Guerra de Corea. Fue dirigida por Joseph H. Lewis. 

Lovejoy estuvo casado con la actriz Joan Banks, con la cual tuvo un hijo y una hija. Anteriormente había estado casado con Frances Williams. Falleció por un ataque cardiaco en Nueva York, en 1962.

FRANCHOT TONE


Actor teatral, cinematográfico y televisivo

Franchot Tone (27 de febrero de 1905 – 18 de septiembre de 1968) fue un actor teatral, cinematográfico y televisivo estadounidense. 

 Su verdadero nombre era Stanislaus Pascal Franchot Tone, y nació en Niagara Falls (Nueva York). Era el hijo menor del Dr. Frank Jerome Tone, presidente de la Carborundum Company, y su esposa, Gertrude Van Vrancken Franchot. Tenía antepasados francocanadienses, irlandeses, ingleses y vascos, entre ellos el patriota irlandés Theobald Wolfe Tone.

Tone estudió en la Universidad de Cornell, donde fue presidente del club dramático. Dejó los negocios familiares y se dedicó a la interpretación en el teatro. Tras la graduación, se trasladó a Greenwich Village, en la ciudad de Nueva York, y consiguió su primer papel en el teatro de Broadway en la producción de 1929 basada en la obra de Katharine Cornell, The Age of Innocence. El año siguiente se unió a Theatre Guild, una sociedad teatral, e interpretó a Curly en la obra Green Grow the Lilacs (que más tarde fue el musical Oklahoma!). Posteriormente fue miembro fundador del colectivo teatral Group Theatre, junto a Harold Clurman, Cheryl Crawford, Lee Strasberg, Stella Adler, Clifford Odets, y otros, muchos de los cuales habían trabajado con el Theatre Guild. Strasberg había actuado junto a Tone en Green Grow the Lilacs. Estos fueron años intensos y productivos para él: entre las producciones del Grupo él actuó en 1931 (1931) y Success Story (1932). 

Franchot Tone fue reconocido por la crítica como uno de los actores más prometedores de su generación. Gary Cooper dijo que Tone era el mejor actor con el que nunca había trabajado. Escena de Mutiny on the Bounty (Rebelión a bordo) (1935). El mismo año, sin embargo, Tone fue el primero del Grupo en dejar el teatro y viajar a Hollywood, cuando MGM le ofreció un contrato. No obstante, él siempre consideró al cine muy inferior al teatro y recordaba sus años teatrales con nostalgia. 

A menudo daba apoyo financiero al Group Theatre, necesitado con frecuencia del mismo. Finalmente volvió a la escena ocasionalmente a partir del fin de la década de 1940. Su debut en la gran pantalla fue con la película de 1932 The Wiser Sex. Consiguió la fama en 1933, rodando siete películas ese año, incluyendo Today We Live, escrita por William Faulkner, y donde conoció a su futura esposa Joan Crawford, Bombshell, con Jean Harlow (con la que trabajó en otras tres películas), y el exitazo Dancing Lady, otra vez con Crawford, además de con Clark Gable. En 1935, probablemente su mejor año, trabajó en Mutiny on the Bounty (Rebelión a bordo) (para la cual fue nominado al Oscar al mejor actor), The Lives of a Bengal Lancer (Tres lanceros bengalíes) y Dangerous, con Bette Davis, con la que se rumoreaba que tenía una aventura. Trabajó constantemente durante los años cuarenta, aunque pocos de los títulos de este período son notables. 

Una excepción fue Five Graves to Cairo (1943), tercer film del joven Billy Wilder, una historia de espionaje durante la Segunda Guerra Mundial, protagonizada por Tone, Anne Baxter, Akim Tamiroff y Erich von Stroheim en el papel del Mariscal de Campo alemán Erwin Rommel. En los años cincuenta, se trasladó a la televisión y volvió a Broadway. En 1957, actuó en Broadway en A Moon for the Misbegotten con Wendy Hiller. Coprotagonizó la serie televisiva médica Ben Casey entre 1965 y 1966, en el papel de supervisor de Casey. También protagonizó, dirigió y produjo una película, una adaptación de Tío Vania, de Antón Chéjov (1957), con la que entonces era su esposa, Dolores Dorn. En 1935 se casó en Nueva Jersey con la actriz Joan Crawford, de la que se divorció en 1939. Rodaron siete películas juntos: Today We Live (1933), Dancing Lady (1933), Sadie McKee (1934), No More Ladies (No más mujeres) (1935), The Gorgeous Hussy (1936), Love On The Run (1936) y The Bride Wore Red (1937). Se casó y se divorció otras tres veces: con la modelo y después actriz Jean Wallace (1941–48, con la que tuvo dos hijos), con la actriz Barbara Payton (1951–52) y, finalmente, con la mucho más joven actriz Dolores Dorn (1956–59). 

Gran fumador, Tone falleció a causa de un cáncer de pulmón en Nueva York a los 63 años de edad. Sus restos fueron incinerados, y sus cenizas dispersas. Franchot Tone tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6558 de Hollywood Boulevard.

FRANCO NERO


Actor

Franco Nero, nacido Franco Sparanero (San Próspero, Parma, Italia 23 de noviembre de 1941) es un actor de cine italiano. En 1968 ganó el Premio David de Donatello. 

 Su niñez y adolescencia transcurrieron en las ciudades de Bedonia y Milán. Estudió y se tituló en Contabilidad. Quiso continuar su carrera estudiando Economía y Comercio en Milán, pero pronto la abandonó para continuar estudiando en el Piccolo Teatro di Milano. Participó como modelo en algunas revistas del género llamado fotonovela. Interpretó varios papeles cinematográficos desde 1962, pero fue su aparición en 1966, en el film del género spaghetti western, Django, del director Sergio Corbucci, el que lo lanzó a la fama. 

Actor muy versátil, ha participado en más de 150 filmes internacionales de directores como John Huston, Luis Buñuel, Rainer Werner Fassbinder, Guy Hamilton y Renny Harlin, entre otros. En 1968 ganó el Premio David de Donatello por su papel en la película El día de la lechuza (Il giorno della civetta) del director Damiano Damiani. Su hijo, el director y guionista Carlo Nero es el fruto de su relación con Vanessa Redgrave en 1969, con quien se casó en el 2006. En 1987, tuvo un romance con Mauricia Mena con quien tuvo a su hijo Franquito.

FRANCISCO RABAL


Actor, Guionista, Director

Francisco Rabal (8 de marzo de 1926, Águilas - 29 de agosto de 2001, Burdeos) fue un actor, guionista y director español. Trabajó a las órdenes de Luis Buñuel, Carlos Saura, Pedro Almodóvar, Michelangelo Antonioni, Claude Chabrol, Luchino Visconti o Gillo Pontecorvo. 

 Nacido en el pequeño enclave murciano de Cuesta de Gos, cerca de Águilas (aunque su lugar de residencia en sus últimos años fue en Calabardina, en una casa a orillas del paseo llamada "Milana Bonita") sus padres fueron Benito Rabal y Teresa Valera. Al iniciarse la Guerra Civil Española en 1936, su familia se trasladó a Madrid, donde realizó oficios modestos para ayudar a la manutención del hogar, mientras realizaba estudios nocturnos en el Colegio Nuestra Señora del Recuerdo. Conoció a Dámaso Alonso, quien le facilitó libros de poesía y alentó su deseo de iniciar una carrera artística. Su hermano Damián se convertiría a su lado en representante de actores. 

Su trabajo como ayudante de electricista en los Estudios Chamartín le puso en contacto con el cine y fue apareciendo como extra en algunas películas; desde La rueda de la vida (1942), El crimen de Pepe Conde (1946) o La Lola se va a los puertos (1947) hasta pronunciar sus primeras frases a las órdenes de Rafael Gil en Reina santa o La fe (1947) y adquirir ya protagonismo en Sor intrépida, La guerra de Dios, El beso de Judas o Murió hace quince años, todas de Gil. 

Se había incorporado a la compañía teatral de Isabel Garcés, participando en el montaje de Diario íntimo de la tía Angélica (1946), de José María Pemán. Gradualmente va obteniendo mayores papeles, logrando un gran éxito en 1952 con la obra La muerte de un viajante, de Arthur Miller. Su carrera teatral se fue viendo eclipsada por la cinematográfica. Debe señalarse, en cualquier caso, que intervino en varias ocasiones en el Festival de Teatro Romano de Mérida: en 1954 con Edipo rey, en 1955 con Julio César, en 1956 con Tiestes y en 1960, de nuevo con Edipo, todas ellas bajo dirección de José Tamayo. Además, cosechó importantes éxitos como en su interpretación de Enrique III de Inglaterra en Becket (1962), de Jean Anouilh. En 1947 conoció en el teatro a la que más tarde fue su esposa, la actriz Asunción Balaguer, con quien tuvo dos hijos, Benito y Teresa Rabal, que también se han dedicado al cine y el espectáculo. 

Recibió sus primeros premios en 1953 por La guerra de Dios (León de Bronce en el Festival de Venecia y premio de interpretación del Círculo de Escritores Cinematográficos) y Hay un camino a la derecha (Premio de interpretación en el Festival de San Sebastián). 

En 1958 rodó en México Nazarín, de Luis Buñuel. Con Buñuel vivió una auténtica amistad, lo que le llevó a decir: «Leo todos los días sus memorias1 como si fueran una Biblia, fue un gran creador, por su físico parecía un hombre duro; pero era la persona más tierna que he conocido, era fiel a la amistad, a sus amigos, era muy puntual y con un gran sentido del humor, infantil y muy severo con sus hijos, parecía chapado a la antigua; desde el primer día que nos conocimos fuimos muy buenos amigos y nos llamamos tío y sobrino hasta su muerte»

 Actuó también en sus filmes Viridiana (1961) y Belle de jour (1966) y alcanzó fama internacional. Tuvo una trayectoria prolífica en el cine europeo, especialmente en Francia e Italia. Trabajó con directores como Michelangelo Antonioni (El eclipse), Claude Chabrol (María Chantal contra Dr. Kha) o Luchino Visconti (Las brujas). 

En 1968 encarnó al revolucionario Che Guevara en el filme homónimo de Paolo Heusch. En España interpretó Camino del Rocío, Tormento y Las largas vacaciones del 36, entre otras muchas. 

En 1974 abandonó Madrid precipitadamente para organizar la oposición frente a la instalación de una central nuclear en la Marina de Cope (Murcia), junto con Mario Gaviria, logrando finalmente que fuese retirado el proyecto. En 1977 recibe un homenaje en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián con una exposición comisariada por Javier Espada, director del Centro Buñuel de Calanda. 

Sus antiguos papeles de galán duro y enérgico dieron paso a personajes carismáticos, que quedaron en la memoria colectiva y le reportaron notable éxito y popularidad. En su madurez trabajó en La colmena, de Mario Camus; con Miguel Hermoso en Truhanes y encarnó a Azarías en Los santos inocentes, adaptación de Camus de la obra literaria de Miguel Delibes que le valió el premio de interpretación del Festival de Cannes en 1984, compartido con Alfredo Landa. 

Con José Luis García Sánchez rodó Divinas palabras en 1987 y con Pedro Almodóvar ¡Átame! en 1989. Para televisión encarnó a Mateo Alemán en Cervantes (1981), a Francisco de Goya en Los desastres de la guerra (1983), a San Pedro de Alcántara en la miniserie Teresa de Jesús (1985) y al torero retirado Juncal en la exitosa serie dirigida por Jaime de Armiñán en 1988.4 El 12 de noviembre de 1993 recibió la medalla de oro de la Academia de Cine española y en 1999 obtuvo el Premio Goya al mejor actor por su papel en Goya en Burdeos, de Carlos Saura. 

En 1995 fue investido Doctor Honoris Causa por la Universidad de Murcia. En 1996 puso voz al dragón Draco en la película Dragonheart. Ese mismo año fue nombrado como catador de vino oficial de Bullas (Murcia), en recuerdo un paseo del mismo pueblo lleva el nombre del "Paseo Paco Rabal"; acción que gustó a Paco Rabal, ya que desde entonces, en la serie Truhanes siempre decía ¡¡viva Bullas!! y lo bueno que estaba el vino de Bullas, sin olvidar que siempre daba saludos a ¡Zorch! Tuvo un marcado compromiso político a lo largo de toda su vida, siendo militante del Partido Comunista de España. En 1994 la editorial Aguilar publicó un libro de memorias titulado Si yo te contara. 

El volumen Aquella España dulce y amarga (1999) contrastaba los recuerdos de Paco Rabal y Carmen Sevilla en una edición al cuidado de María Antonia Iglesias. En 2004 se editó el libro Paco Rabal: Aquí, un amigo, escrito por Juan Ignacio García Garzón, con prólogo de Jaime de Armiñán y epílogo de su hijo Benito Rabal. 

Murió inesperadamente el 29 de agosto de 2001, cuando regresaba a España en avión desde Montréal, a causa de una insuficiencia respiratoria que le produjo el enfisema pulmonar que padecía. Unas semanas más tarde iba a recibir el honorífico Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián. Fue su nieto, el también actor Liberto Rabal, quien lo recogió en su nombre, rindiéndole tributo en un emotivo homenaje que reunió en el escenario del Kursaal a su amigo Carlos Saura y a sus compañeras de algún reparto Carmen Sevilla, Julia Martínez, Terele Pávez, Ana Belén, Emma Suárez y María Barranco. Fue incinerado y enterrado bajo un almendro en su pueblo natal. Posteriormente, su esposa decidió junto con sus hijos, trasladar la urna fúnebre al cementerio de Águilas.

FOREST WHITAKER


Actor, Productor, Director de cine

Forest Steven Whitaker (15 de julio de 1961) es un actor, productor y director de cine estadounidense. Su actuación como el dictador ugandés Idi Amin en el filme El último rey de Escocia le valió múltiples reconocimientos, entre ellos un Óscar, un Globo de Oro y un Premio BAFTA. Es el cuarto afroamericano que obtiene el Óscar al mejor actor, luego de que lo obtuvieran Sidney Poitier, Denzel Washington y Jamie Foxx. 

Whitaker nació en Longview, Texas, sus padres fueron Forest Whitaker Jr., asegurador e hijo del novelista Forest Whitaker Sr., y Laura Francis Smith, maestra. Forest nació cuando su madre cursaba la universidad y obtuvo dos maestrías mientras criaba a sus hijos (Forest tiene hermanos menores y una hermana mayor). La familia se mudó al área de Los Ángeles cuando Whitaker era sólo un niño. Whitaker estudió en la secundaria de Palisades, en donde fue derribador defensivo en el equipo de fútbol americano. El quarterback de este equipo fue Jay Schroeder, futuro jugador de la NFL. Whitaker asistió a la Universidad Politécnica Estatal de California, Pomona, con una beca de fútbol americano, pero tuvo que abandonarla debido a una lesión. Sin embargo, fue aceptado en la Universidad del Sur de California para estudiar ópera como tenor en el Conservatorio de Drama. También obtuvo una beca para la sede del Drama Studio London en Berkeley (California).

 Whitaker debutó en pantalla en la película de 1982 Aquel excitante curso, junto con Judge Reinhold, Nicolas Cage, Sean Penn y Phoebe Cates. En 1986 apareció en El color del dinero, dirigida por Martin Scorsese, y en Pelotón, de Oliver Stone. 

Al año siguiente, actuó junto a Robin Williams en la comedia Good Morning, Vietnam. En 1988 obtuvo el papel principal en Bird, dirigida por Clint Eastwood, en donde interpretó al músico Charlie Parker. Como parte de su preparación, se encerró en un desván con tan sólo una cama, un canapé y un saxofón, además de realizar una investigación muy extensa y tomar lecciones de saxofón. Su actuación le valió el premio al mejor actor en el Festival Internacional de Cine de Cannes y una nominación al Globo de Oro. Whitaker continuó trabajando con varios directores de renombre. Neil Jordan lo dirigió en el papel de "Jody" en su filme de 1992, Juego de lágrimas. 

En 1994 fue parte del reparto de la película de Robert Altman, Prêt-à-porter, que ganó el primer National Board of Review Award por Mejor Reparto. También actuó en la adaptación que realizó el director Wayne Wang del libro Smoke, de Paul Auster. 

 En 1996, Forest contrajo matrimonio con la actriz Keisha Nash, con la que ha tenido dos hijas, llamadas Sonnet y True. Tiene un hijo de una relación anterior, llamado Ocean, y una hijastra, llamada Autumn, de una relación anterior de Keisha. 

 Fue llamado para escribir y dirigir una película de acción que adaptase la serie de dibujos animados de Bill Cosby El gordo Alberto, pero diferencias entre ellos hicieron que Forest abandonara la producción. 

Fue la inspiración del rapero Brother Ali para la canción Forest Whitaker, de su álbum debut, Shadows on the Sun. Al parecer, la canción se llama así por el gran parecido entre el actor y el rapero, aun cuando Ali es albino. Padece ptosis palpebral (blefaroptosis) en el ojo izquierdo. Whitaker ha declarado que es hereditario y que ha considerado operarse para corregir el problema, no por razones estéticas sino porque afecta su visión.

F. MURRAY ABRAHAM


Actor

Fahrid Murray Abraham (Pittsburgh, Pensilvania; 24 de octubre de 1939), conocido como F. Murray Abraham, es un actor estadounidense de ascendencia siria e italiana, ganador de los premios Óscar y Globo de Oro. 

Nació en Pittsburgh, Pensilvania. Hijo de Josephine, una ama de casa, y Fahrid Abraham, un mecánico de coches. Su padre era un cristiano asirio, que emigró de Siria durante la hambruna de 1920. Su abuelo paterno fue un cantor en la Iglesia Ortodoxa Siria. 

La madre de Abraham fue la hija de un inmigrante italiano que trabajaba en las minas de carbón de Pensilvania. Abraham se crió en El Paso (Texas), cerca de la frontera con México, donde fue miembro de una pandilla durante su adolescencia. Desde 1962 está casado con Kate Hannan, con quien tiene dos hijos. 

Estudió dos años en el Texas Western College (conocida en la actualidad como la Universidad de Texas en El Paso), donde recibió una mención especial de la sociedad de honor del Alpha Psi Omega (ΑΨΩ), por su interpretación en Comanche Eagle, durante la temporada 1959-60. Participó en varias obras universitarias y acabó viajando a Nueva York para especializarse en interpretación, teniendo como profesora a la prestigiosa actriz Uta Hagen. 

Debutó en el teatro profesional con la obra de Ray Bradbury, Remedio para melancólicos, y poco a poco fue apareciendo en series de televisión como Kojak y en cine, donde lo situaron dentro de la corriente de títulos fundamentados en el concepto de liberalismo americano, que aún estaba vigente en la primera mitad de la década de 1970. Sus apariciones en aquel periodo (Serpico (1973), La pareja chiflada (1975) o Todos los hombres del presidente (1976)), partían de este modelo ideológico. Estos trabajos no convirtieron a Abraham en un intérprete reconocido por el gran público. 

Pero su trabajo en la publicidad, en donde disfrazado de racimo de uvas participó en una serie de spots de la marca de ropa interior masculina Fruit of the Loom, sí que logró que los espectadores se quedasen con su cara. Su gran oportunidad le llegaría de la mano de Milos Forman con Amadeus, película por la que fue galardonado con el Óscar al mejor actor en 1984. Aunque la película a priori remite a la figura del compositor Wolfgang Amadeus Mozart (interpretado por Tom Hulce), el protagonismo está compartido con Antonio Salieri, músico italiano que pasó la mayor parte de su vida en la Corte Imperial de Viena, para la que fue compositor y Maestro de capilla, y que podría haber plagiado parte de la obra del autor. La imagen del músico italiano que ofrece Abraham no difiere en demasía de otra personalidad del siglo XIV, el inquisidor Bernardo Gui, al que da vida en El nombre de la rosa (1986). 

En el rodaje de este film comenzó a labrarse fama de actor difícil, el realizador Jean-Jacques Annaud le definió como un actor egocéntrico que se consideraba más importante que nadie porque él tenía un Óscar en su estantería. En ese momento, Sean Connery aún no había ganado el suyo por Los intocables de Elliot Ness. El nombre de la rosa fue un éxito pero acabó encasillando a Abraham en los personajes siniestros. Un encasillamiento motivado por un físico muy concreto (raíces sirioitalianas), del que, sin embargo, ha sabido desprenderse en su vertiente televisiva, como lo prueban sus recreaciones de Abraham Lincoln, Tommaso Buscetta, Cyrano de Bergerac o Al Capone. Al margen de sus trabajos en el cine, Abraham ha logrado éxitos en teatro, actuando en producciones de la Royal Shakespeare Company y del Off-Broadway como A Life in the Theatre, Angels in America: A Gay Fantasia on National Themes, Tío Vania o El mercader de Venecia. Sus últimos trabajos han sido en series como Salvando a Grace (2009), Law & Order: Criminal Intent (2010), The Good Wife (2011, 2012) o Blue Bloods (2012). Esporádicamente ha trabajado en el cine, le hemos visto en coproducciones españolas como El puente de San Luis Rey y En busca de la tumba de Cristo, y también en italianas como Perestroika, Barbarossa o en la cinta de Giancarlo Giannini, I Looked in Obituaries. Además de su carrera como actor, F. Murray Abraham también es profesor de arte dramático en el Brooklyn College y en la Universidad de Nueva York. 

 Después del Óscar, Abraham dio un "bajón" en su carrera, denominado como La maldición de los Óscar (Oscar Jinx), fenómeno vinculado con el hecho de ganar un Óscar y no mantener una trayectoria de alto nivel. 

Según el crítico de cine Leonard Maltin, es mencionado en los círculos de Hollywood como El síndrome de F. Murray Abraham. Abraham rechazó esta idea en una entrevista: El Óscar ha sido el evento más importante de mi carrera. 

He cenado con reyes, he compartido gastos con mis ídolos, he dado clases en Harvard y Columbia. Si se trata de un mal de ojo, que me den dos. 

En la misma entrevista, Abraham añadió: 

Aunque he ganado el Óscar, aún puedo coger el metro en Nueva York. Y nadie me reconoce. Algunos actores encuentran esto desconcertante. Yo lo encuentro refrescante.

FERNANDO FERNÁN GÓMEZ


Actor, Escritor, Guionista, Director de cine y teatro

Fernando Fernández Gómez, conocido artísticamente como Fernando Fernán Gómez (Lima, Perú, 28 de agosto de 1921 – Madrid, 21 de noviembre de 2007), fue un escritor, actor, guionista, director de cine y de teatro español. Fue miembro de la Real Academia Española durante siete años, en la que ocupó el sillón B desde su ingreso (30 de enero de 2000) hasta su fallecimiento. 

 Lo más probable, como él mismo escribe en sus memorias, es que naciese en Lima el 28 de agosto de 1921, por más que su partida de nacimiento indique que lo hizo en la capital argentina, Buenos Aires. La razón de esto responde a que su madre, la actriz de teatro Carola Fernán Gómez, estaba de gira por Sudamérica cuando nació en Lima, por lo que su partida de nacimiento fue expedida días más tarde en Argentina, nacionalidad que mantuvo, además de la española, que le fue otorgada en 1984. Hijo extramarital, su padre fue el también actor Luis Fernando Díaz de Mendoza y Guerrero, hijo de María Guerrero, quien impidió el matrimonio entre los padres de Fernando Fernán Gómez.

 Tras algún trabajo escolar como actor, estudió Filosofía y Letras en Madrid, pero su verdadera vocación lo condujo al teatro. Durante la Guerra Civil, recibió clases en la Escuela de Actores de la CNT, debutando como profesional en 1938 en la compañía de Laura Pinillos; allí le descubrió Enrique Jardiel Poncela, quien le dio su primera oportunidad al ofrecerle, en 1940, un papel como actor de reparto en su obra Los ladrones somos gente honrada. Tres años más tarde le contrató la productora cinematográfica Cifesa y así irrumpió en el cine con la película Cristina Guzmán, dirigido por Gonzalo Delgrás, y ya al año siguiente le ofrecieron su primer papel protagonista en Empezó en boda, de Raffaello Matarazzo. 

En efecto, trabajó como actor hasta principios de los cuarenta para dedicarse después al cine, primero como actor (en éxitos como Balarrasa o Botón de ancla) y como director más tarde, sin descuidar su vocación de autor de teatro y director de escena, y escritor y guionista asiduo de la tertulia del Café Gijón. A partir de 1984 vuelca su cada vez más intensa vocación literaria en la escritura de muy personales artículos en Diario 16 y el suplemento dominical de El País, produciendo además varios volúmenes de ensayos y once novelas, fuertemente autobiográficas unas e históricas otras: El vendedor de naranjas, El viaje a ninguna parte, El mal amor, El mar y el tiempo, El ascensor de los borrachos, La Puerta del Sol, La cruz y el lirio dorado, etcétera. Fue un gran éxito su autobiografía en dos volúmenes, El tiempo amarillo, de la que corren dos ediciones, la segunda algo más ampliada; pero acaso su éxito más clamoroso lo haya obtenido con una pieza teatral prontamente llevada al cine, Las bicicletas son para el verano, sobre sus recuerdos infantiles de la Guerra Civil. Se casó y divorció de la cantante María Dolores Pradera (1947–1959), con la que tuvo una hija, la actriz Helena Fernán Gómez, y un hijo, Fernando, relacionado también con el mundo de la cultura. Se volvió a casar en 2000 con la actriz Emma Cohen, con la que mantuvo una relación desde los años 70, tras participar en un episodio de una serie de TVE donde Emma era protagonista (Tres eran tres, 1973) junto a Lola Gaos. De su mano entró el cine en la Real Academia Española, de la que fue elegido miembro en 19983 y tomó posesión del sillón B el 30 de enero de 2000. Fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en el año 1995. 

Polifacético, querido y respetado por los profesionales de la industria y por varias generaciones de espectadores, encontró la popularidad como actor casi al principio de su carrera cinematográfica con el clásico de la comedia negra Domingo de carnaval (del célebre realizador Edgar Neville), que protagonizó junto a Conchita Montes en 1945. Dos años antes había aparecido como secundario en otro notable título del cine español de los cuarenta como Cristina Guzmán. Ese mismo año acompañó a una ya consagrada Imperio Argentina y al recordado galán Alfredo Mayo en la exótica comedia Bambú, y también participó en un pequeño clásico de la comedia fantástica como El destino se disculpa, de José Luis Sáenz de Heredia, siguiendo el estilo del subgénero norteamericano en boga durante esos años (La pareja invisible, de Norman Z. MacLeod, Me casé con una bruja, de René Clair, Dos en el cielo, de Victor Fleming, etc.). 

A partir de entonces encadenó títulos de éxito que hoy críticos y cinéfilos califican de indispensables, trabajando con Gonzalo Delgrás (Los habitantes de la casa deshabitada); Carlos Serrano de Osma (Embrujo, junto a Lola Flores y Manolo Caracol); Sáenz de Heredia (La mies es mucha, Los ojos dejan huellas); Ramón Torrado (Botón de ancla), José Antonio Nieves Conde (Balarrasa, El inquilino); Luis Marquina (El capitán Veneno). En aquella época también trabajó en Barcelona como actor de doblaje. En la década de 1950, se consolidó como actor principal en toda serie de comedias (El fenómeno), dramas (La gran mentira) y cine religioso (Balarrasa), o folclórico (Morena clara) propagandísticos o directamente escapistas (lo que en muchos sentidos también se considera propaganda para los historiadores), al tiempo que interviene en una de las primeras avanzadillas de lo que luego será el «Nuevo cine español»: Esa pareja feliz de Bardem y Berlanga. También ahora participa en algunas co-producciones de interés como La conciencia acusa (del genial Georg Wilhelm Pabst) o El soltero (de Antonio Pietrangeli) junto a Alberto Sordi, y por último, inicia una incipiente carrera como director, con obras de encargo de desigual fortuna: en este sentido, sobresale su versión de la novela de Wenceslao Fernández Flórez El malvado Carabel y dos excelentes comedias en las que compartió química y cartel con la deliciosa Analía Gadé, una de sus parejas más recurrentes, como son La vida por delante y La vida alrededor. 

Al hilo del cine español de los sesenta, su filmografía como actor y director se llenó de comedias de todo tipo como: La venganza de Don Mendo, Adiós, Mimí Pompón, Ninette y un señor de Murcia, Crimen imperfecto o Un vampiro para dos, parodia de los filmes de Drácula con José Luis López Vázquez y Gracita Morales. Incluso en esta época de trabajos eminentemente comerciales, hay excepciones como sus trabajos de dirección en El mundo sigue (1963), un durísimo drama naturalista, inspirado en la novela homónima de Juan Antonio Zunzunegui, donde se enfrentan dos hermanas de concepciones vitales opuestas en plena sociedad de posguerra española, su primer éxito como director, y en El extraño viaje (1964), en el que retrata, con casi mayor penetración que el propio Berlanga, el clima cicatero y opresivo de la sociedad española del Franquismo y que permanece como una de las cumbres del cine español de todos los tiempos; ambas producciones tuvieron tremendos encontronazos con la censura. Por otra parte, es ahora cuando inicia relación profesional con otra de sus parejas más emblemáticas, Concha Velasco, con la comedia negra Crimen para recién casados. 

En los setenta, Fernán Gómez se convirtió en uno de los actores más solicitados de la llamada Transición española, con títulos dorados de esos años como El espíritu de la colmena, El amor del capitán Brando, Pim, pam, pum, fuego, Mi hija Hildegart, Los restos del naufragio, Mamá cumple cien años o ¡Arriba Azaña!. Con ello inició una exitosa colaboración al lado del notable director Jaime de Armiñán y una también estrecha relación profesional con Carlos Saura, ganándose con ello un justo prestigio como actor y director además de reconocimiento por su ya larga trayectoria. En 1976 intervino en un título de indudable valor, si bien no para el gran público, como El anacoreta, premiada en el Festival de cine de Berlín. 

También dirigió e interpretó dos exitosas producciones para TVE (el telefilme Juan soldado y sobre todo la serie El pícaro) que se cuelan en la memoria del gran público. Tras la muerte de Franco y la legalización de la CNT-AIT, tuvo una militancia activa en el Sindicato de Espectáculos de Barcelona participando en el anarcosindicalista Mitin de Montjuïc de 1977 junto a su compañera Emma Cohen. 

En 1981 protagonizó un film memorable, Maravillas de Gutiérrez Aragón, y comenzó a encadenar éxitos de crítica y público (La colmena, Stico, Los zancos, Réquiem por un campesino español, La corte del faraón, La mitad del cielo y El viaje a ninguna parte). Termina la década con excelentes trabajos en filmes no muy bien acogidos pero de calidad: Esquilache y El río que nos lleva. En 1986 rodó en Argentina un título muy a tener en cuenta, Pobre mariposa, de Raúl de la Torre, junto a un reparto internacional (Bibi Andersson, Vittorio Gassman, Fernando Rey, Graciela Borges); y también es ésta la década en que se encuentra más activo en sus trabajos para TVE (Ramón y Cajal, Fortunata y Jacinta, Las pícaras, Juncal o Cuentos imposibles). La década de 1990 presencia el inicio de un período de menor actividad profesional derivada de algunos problemas de salud y de, seguramente, falta de papeles de envergadura para un actor como él. Salvo Belle Époque y el Oscar que consigue la cinta como mejor película extranjera, debemos esperar hasta 1998 para volver a verle en dos cintas tan distintas como importantes (cada una a su manera) como son El abuelo (nominada al Oscar y gran éxito de taquilla) y Pepe Guindo (homenaje-ficción al gran actor por parte de un director infravalorado pero nada mediocre como Manuel Iborra). 

Entre medias, estuvo varias temporadas en la serie de TV Los ladrones van a la oficina, que le devolvería la popularidad a él y otros grandes nombres de la interpretación como Agustín González, Manuel Alexandre o José Luis López Vázquez. Después recupera fuelle con tres grandes películas (Todo sobre mi madre, Plenilunio y el éxito popular La lengua de las mariposas). 

Más recientemente rodó Visionarios, de Gutiérrez Aragón; El embrujo de Shangai, con Fernando Trueba; Para que no me olvides, y la que probablemente quede como su última gran interpretación en la espléndida En la ciudad sin límites, de Antonio Hernández. Marisa Paredes, presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, en la entrega de la décima Medalla de Oro, lo describió a la perfección: «Por anarquista, por poeta, por cómico, por articulista, por académico, por novelista, por dramaturgo, por único y por consecuente». Colaboró durante treinta y cinco años con el diario ABC. El 19 de noviembre de 2007 fue ingresado en el área de Oncología del madrileño Hospital Universitario La Paz para ser tratado de una neumonía. Falleció en Madrid, el 21 de noviembre de 2007, a los 86 años de edad. 

Tras anunciarlo el presidente del Gobierno, José Luis Rodríguez Zapatero en la capilla ardiente del actor, el Gobierno de España le concedió el día 23 de noviembre, a título póstumo, la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio. También, el alcalde de Madrid Alberto Ruiz-Gallardón anunció que el Centro Cultural de la Villa de Madrid pasará a llamarse Teatro Fernando Fernán Gómez. En la capilla ardiente su féretro fue recubierto con una bandera rojinegra anarquista, siendo posteriormente incinerado.

FACUNDO CABRAL


Cantautor, Escritor, Filósofo

Rodolfo Enrique Cabral, de nombres artísticos Indio Gasparino -en sus comienzos- y Facundo Cabral (La Plata, 22 de mayo de 19371 - Guatemala, 9 de julio de 2011) fue un cantautor, escritor y filósofo argentino. Se caracterizó por sus composiciones de trova y sus monólogos con anécdotas personales, parábolas, crítica social para promover la autorealización, el despertar de la conciencia y la reflexión espiritual. 

Un día antes de su nacimiento, su padre se fue del hogar. Él, su esposa y sus otros siete hijos vivían en casa del abuelo paterno de Facundo Cabral, quien expulsó al resto de la familia. De modo, que Cabral, afirmó varios años más tarde que su nacimiento se produciría en una calle de la ciudad de La Plata. Sus primeros años los pasó en Berisso, localidad adyacente a La Plata. Posteriormente, la madre de Cabral y sus hijos emigraron hacia Tierra del Fuego, en el sur de Argentina. 

A la edad de 9 años, escapó de su hogar y estuvo desaparecido cuatro meses. Su propósito inicial era llegar hasta Buenos Aires para conocer al entonces presidente argentino Juan Domingo Perón, ya que tenía la referencia de que el mandatario "le daba trabajo a los pobres". Después de una larga travesía, transportado por diferentes personas, al llegar a la ciudad capital, un vendedor de la "Feria Franca" le dio la dirección de la Casa Rosada; mas aquel señor le dijo enseguida: "Es muy difícil que te atienda, porque los presidentes suelen ser gente ocupada; pero yo leí en el diario que mañana 19 de noviembre va a ir a La Plata porque es el aniversario de la ciudad. Andate ahí". Así que se fue a La Plata, durmió al costado de la catedral, y al día siguiente Facundo Cabral, siendo apenas un niño, logró burlar el cerco policial alrededor del mandatario y su esposa, Eva Duarte. Cuando un policía lo agarró para retirarlo, el presidente, que estaba saludando hacia ese lado le dijo al policía: -"Déjelo venir"-, e hizo parar su auto descapotable que tenía un estribo al que Facundo se subió de inmediato y conversó con ambos. -¿Quería decirme algo?-, le habría preguntado el presidente. -Sí, ¿Hay trabajo?-, respondió Facundo. En un reportaje en los años 90, confesó que Eva Perón, en ese momento diría la primer "frase ética", que el escucharía en su vida, y que lo acompañaría por siempre: "Por fin, alguien que pide trabajo y no limosna". Gracias a esta conversación, logró que su madre obtuviera empleo y el resto de la familia se trasladara a la ciudad de Tandil.

Facundo Cabral tuvo una infancia dura y desprotegida; se convirtió en un marginal al punto de ser encerrado en un reformatorio pues se había convertido en alcohólico desde los nueve años de edad. Escapa y luego cae preso a los 14 años por su carácter violento. En la cárcel, un sacerdote jesuita de nombre Simón fue quien le enseñó a leer y escribir, lo puso en contacto con la literatura universal y lo impulsó a realizar sus estudios de educación primaria y secundaria, los cuales, llevó a cabo en tres años, en lugar de los doce que era el período normal en Argentina. Un año antes de salir de la cárcel, Cabral escapó de la prisión, aunque recibió aún ayuda del sacerdote. Gracias a un vagabundo, Cabral conoce la religión, aunque declarándose librepensador, sin pertenecer a iglesia alguna. Poco después, se iniciaría como músico y cantante en el medio artístico. 

Cabral citaría así sus inicios en el medio musical: "Empecé a cantar con los paisanos, con la familia Techeiro, en Tandil. El 24 de febrero de 1954, un vagabundo me recitó el sermón de la montaña y descubrí que estaba naciendo. Corrí a escribir una canción de cuna, Vuele bajo, y empezó todo." En 1959, ya tocaba la guitarra y cantaba música folklórica, admiraba a Atahualpa Yupanqui y a José Larralde, se trasladó a Mar del Plata, ciudad balnearia argentina, y solicitó trabajo en un hotel; el dueño lo vio con su guitarra y le dio la oportunidad de cantar. Así comenzó su carrera dedicada a la música; su primer nombre artístico fue El Indio Gasparino. Sus primeras grabaciones no tuvieron mayor repercusión. 

Luego se presentó con su apellido verdadero. En 1970, grabó No soy de aquí ni soy de allá que consagró su éxito. Empezó a ser conocido en el mundo, grabó en nueve idiomas con cantantes de la talla de Alberto Cortez, Julio Iglesias, Pedro Vargas o Neil Diamond entre otros. 

Durante la última Dictadura Argentina (1976-1983), era ya considerado un cantautor de protesta, lo que lo obliga a abandonar Argentina en 1976. Se radicó en México, donde continuó componiendo y haciendo presentaciones. Se estima que recorrió 165 países. En 1984, regresó a Argentina con su nombre consagrado. Ofreció un recital en el Estadio Luna Park. Siguió por Mar del Plata. En 1987, hizo una presentación en el estadio de fútbol de Ferrocarril Oeste, en Buenos Aires, con capacidad para treinta y cinco mil personas. El 5 de mayo de 1994, comenzó una gira internacional. Se presentó en conciertos junto a Alberto Cortez en “Lo Cortez no quita lo Cabral” uniendo humor y poesía con las canciones que hicieron famosos a ambos intérpretes. En enero de 1996, ambos actuaban en la ciudad de Mar del Plata, cuando Alberto Cortez debió ser operado debido a una obstrucción en la carótida, así que Cabral continuó con la gira de la cual se hizo una grabación. 

Ya casi invidente, él mismo resumió en una nota: "Fue mudo hasta los 9 años, analfabeto hasta los 14, enviudó trágicamente a los 40 y conoció a su padre a los 46. El más pagano de los predicadores cumple 70 años y repasa su vida desde la habitación de hotel que eligió como última morada".

Asesinato de Facundo Cabral. Sus últimos conciertos los realizó en una gira en Centroamérica. Se presentó en la Ciudad de Guatemala el martes 5 de julio de 2011 en el Expocenter del Grand Tikal Futura Hotel, a las veinte horas donde para despedirse expresó lo siguiente: “ya le di las gracias a ustedes; las daré en Quetzaltenango, y después que sea lo que Dios quiera, porque Él sabe lo que hace”. El jueves 7 se presentó en el que sería su último concierto, en el Teatro Roma de la ciudad de Quetzaltenango, el cual cerró interpretando la canción No soy de aquí, ni soy de allá. Fue asesinado el 9 de julio de 2011 alrededor de las 5:20 am, en Ciudad de Guatemala, víctima de un atentado aparentemente dirigido al empresario Henry Fariña el cual conducía al cantautor y a su representante al Aeropuerto Internacional La Aurora desde el hotel donde se hospedaba, para continuar en Nicaragua con su gira de presentaciones. El atentado fue perpetrado por varios sicarios que se dirigían en tres vehículos y armados con fusiles de asalto en el Boulevard Liberación de dicha ciudad quedando únicamente herido el empresario y fallecido el cantautor