domingo, 26 de agosto de 2012

JACKIE COOGAN


John Leslie Coogan Jr. (n. Los Ángeles, California, 26 de octubre de 1914 – Santa Mónica, California, 1 de marzo de 1984) fue un actor estadounidense que comenzó su carrera como actor infantil en el cine mudo. 

 Coogan nació en Los Ángeles (California) y comenzó su carrera como actor a corta edad en vaudeville y cine, con un rol no acreditado en la película de 1917 Skinner's Baby. Charlie Chaplin lo descubrió en un vaudeville, haciendo el "shimmy", un popular baile de la época, en el escenario. Su padre, Jack Coogan, Sr. era también un actor. Coogan asombró a Chaplin con sus mímicas y movimientos corporales. Como actor infantil, su película más exitosa fue junto a Charles Chaplin en The Kid (1921) y por su rol en Oliver Twist de Frank Lloyd el año siguiente. La escena en The Kid donde es apartado del vagabundo interpretado por Chaplin y arrojado a la parte trasera de un camión por los agentes del servicio social es una de las escenas más famosas del cine. Fue una de las primeras estrellas en tener un gran número de mercancías como crema de cacahuetes, artículos de papelería, silbatos, muñecos y figuras. Incluso viajó internacionalmente y fue recibido por grandes multitudes. Muchos de sus primeros trabajos están perdidos o son invaluables. Coogan fue famoso por su apariencia en The Kid, la cual fue bastante imitada, incluyendo al joven Scotty Beckett en las películas de Our Gang. Como actor infantil, Coogan ganó cerca de 4 millones de dólares, pero el dinero fue tomado por su madre y su padrastro. Los demandó en 1935, pero sólo recibió 126.000 dólares. Al crecer, la popularidad de Coogan como actor decayó, aunque tuvo varios enredos amorosos con actrices, incluyendo un matrimonio de dos años con Betty Grable. 

 Coogan se alistó en el ejército de los Estados Unidos en marzo de 1941. Después del ataque a Pearl Harbor, solicitó su pase al US Army Air Corps debido a su experiencia como piloto civil de planeadores. Después de graduarse en la escuela de planeadores, fue nombrado oficial de vuelo y se ofreció voluntariamente al 1st Air Commando Group. En diciembre de 1943, el grupo fue enviado a India. Voló junto a la tropa británica Chinditas, a las órdenes del general Orde Wingate el 5 de marzo de 1944, aterrizando de noche en una pequeña jungla a 100 millas de las líneas japonesas en la campaña de Birmania. Después de la guerra, Coogan regresó a la actuación, apareciendo principalmente en la televisión. Su rol más importante en la televisión fue el de Uncle Fester (Tío Lucas en Hispanoamérica o Tío Fétido en España) en la serie de televisión de The Addams Family. 
Con Betty Grable, se casaron el 20 de noviembre de 1937, se divorciaron el 11 de octubre de 1939. Con Flower Parry, se casaron el 10 de agosto de 1941, se divorciaron el 29 de junio de 1943. 1 hijo Con Ann McCormack, se casaron el 26 de diciembre de 1946, se divorciaron el 20 de septiembre de 1951. 1 hija Con Dorothy Lamphere, se casaron en abril de 1952, el matrimonio duró hasta su muerte. 2 hijos

Murió de una enfermedad cardíaca en 1984 a la edad de 69 años. Fue enterrado en el cementerio Holy Cross. Uno de sus hijos fue el escritor y productor de cine Anthony Coogan; y su nieto el actor Keith Coogan

JACKIE CHAN


Chan Kong Sang (Hong Kong, 7 de abril de 1954), mejor conocido como Jackie Chan, es un artista marcial, comediante, cantante, actor, acróbata, doble de acción, coordinador de dobles de acción, director, guionista y productor cinematográfico chino. En China existe una tradición que consiste en dar a una misma persona varios nombres, con Jackie Chan no se hizo ninguna excepción; hijo de Charles y Lee-Lee Chan nació en Hong Kong el 7 de abril de 1954, y le pusieron por nombre "gang Sheng", el cual significa "Nacido en Hong Kong", aunque en China se le conoce mucho más por su nombre cantonés: "Cheng Lon". Su familia es de Yintai, una ciudad que pertenece a la Provincia de Shangtung, que se caracteriza por haber sido cuna de grandes luchadores. Es uno de los hombres más reconocidos mundialmente en el cine de artes marciales, conocido principalmente por su carisma, sus peleas de estilo acrobático, el uso improvisado de cualquier objeto a su alcance (como una cuchara) y por sus escenas de alto riesgo. En su carrera como actor ha protagonizado más de cien filmes. 

 Chan Kwong-sang nació en Hong Kong en el seno de una familia muy pobre, tanto que tuvieron que pedir dinero a sus amigos para pagar la cuenta del hospital tras el nacimiento de su hijo.

Trabajaban en la embajada Colombiana, su padre como cocinero y su madre como ama de llaves. Desde pequeño, le fue enseñado el Kung Fu, ya que consideraban que el aprendizaje de las artes marciales ayudaría a fortalecer el carácter de Jackie Chan. Cuando Jackie Chan tenía siete años, Charles, su padre, pasó a trabajar como jefe de cocina en la embajada de Estados Unidos en Australia, estimó que sería mejor para Jackie Chan el quedarse en Hong Kong y aprender una profesión, así lo matriculó en la Ópera de Pekín donde vivió durante los siguientes 10 años de su vida. Allí se formó con una férrea disciplina que no tenía principio ni fin, se instruyó en las artes del baile, interpretación, música y Kung Fu, donde fue capaz de aguantar hasta 19 horas diarias de ejercicio en esta rigurosa disciplina y debido a ello puede lograr sus acrobacias en sus múltiples películas. Su paso de la Ópera al cine fue más bien discreto: alguien le ofreció un breve trabajo como especialista en un film, que fue seguido después por otras apariciones cada vez más importantes. Antes de cumplir los 20 años, Chan había participado ya en 25 producciones, y con el tiempo pasó a ser coordinador de especialistas. A los 19 años trabajó como doble en dos películas de Bruce Lee (Fist of Fury en 1972, y Enter the Dragon, 1973) utilizando en los créditos el nombre de Chen Yuen Long. En la película Enter the Dragon, Chan tiene una corta aparición como uno de los atacantes al servicio de Han al que Lee le rompe el cuello. Su gran oportunidad llegó con la muerte de Bruce Lee, el maestro de las artes marciales. A Jackie Chan no le costó erigirse en sustituto de Lee a los ojos del público, aunque a él no le convencía eso de vivir para siempre bajo la sombra de una leyenda. Así que decididó dejar a un lado la imagen de tipo duro y serio que le identificaba con Bruce Lee y adoptar un estilo cómico más en la línea de Buster Keaton. Fue entonces cuando empezó a triunfar de verdad. Sus primeros papeles fueron de doble de otros actores. A finales de los años 70, Chan se atrevió a ejercer también como guionista, director y productor, con lo que pasó a tener un mayor control sobre el resultado final de muchas de sus películas. "El chino", dirigida por él mismo en 1980, marcó el tono de su filmografía posterior: una mezcla eficaz de comedia, acción y artes marciales. Desde Hong Kong, Jackie Chan fue conquistando poco a poco al público asiático y europeo con títulos como "Piratas en los mares de China", "Armas invencibles" o "Los supercamorristas". Hasta que en 1996 reventó las taquillas de Estados Unidos con "Rumble in the Bronx", una aventura que le enfrentaba a una banda de matones del Bronx. El éxito se repitió dos años más tarde con el filme policial "Rush Hour", y Chan pasó a convertirse en el actor asiático que más triunfaba en Hollywood. En los últimos tiempos ha intervenido en otros títulos populares como "Impacto inminente", un film de acción con armamento nuclear incluido; el western en clave de comedia "Shanghai Kid" y su secuela "Los rebeldes de Shangai"; y "Rush Hour 2", en la que volvía a coincidir con Chris Tucker. Sin duda, éste maestro de las artes marciales ha tenido una larga carrera profesional y lleva ya 96 películas a sus espaldas. En 2001, hizo "Los rebeldes de downngai" y "El poder del talismán", dos films de aventuras que tuvieron un tremendo éxito de taquilla. En el 2004, protagonizó la adaptación de la novela "La vuelta al mundo en 80 días" y en el 2010, participó en la película "Karate Kid", otro enorme éxito de taquilla en todo el mundo. Jackie Chan es de los pocos actores, junto con Tony Jaa, que hace películas de artes marciales sin ningún doble que le sirva como ayuda: hace sus propias escenas de riesgo y ha acumulado una impresionante lista de heridas para probarlo. Su momento más cercano a la muerte fue durante la filmación de "Armour of God" en 1985, cuando cayó de un árbol fracturándose el cráneo. También ha realizado otras escenas de riesgo tan impactantes como saltar desde una montaña de 1300 metros a un globo aerostático, saltar de un autobús en marcha dentro de un almacén atravesando una pared de cristal o saltar un coche (que iba a 30km/h) que le iba a atropellar. En 1978, con el rodaje de El mono borracho en el ojo del tigre, Chan tuvo que diseñar el arte marcial llamado Kung Fu del mono borracho o Kung Fu estilo borracho.

Junto con seis maestros más de la Ópera, Jackie Chan (apodado Yuen Lou) formó parte de la película "Las Siete Pequeñas Fortunas" después de actuar en una ópera del mismo nombre. El maestro de la Ópera lo presentó ante el sexteto como hombre acrobático con posibilidades para películas chinas de artes marciales y es aquí donde Jackie Chan se ganó su reputación como acróbata. Antes de entrar a la compañía de cine "Golden Harvest", Chan comenzó participando en las películas de Bruce Lee como figurante: "Fist of the Fury" y "Enter the Dragon". Finalmente Chan fue elegido para desempeñar un rol importante en la película "The Little Tiger of Guangdong". También apareció en "John Woo's Hand of Death", pero cuando Bruce Lee murió; el director Lo Wei quería que Jackie Chan fuese el sucesor del Dragón e incluso que fuera obsequiado con el nombre "Sing Lung" que significa "Convertirse en el Dragón". Pero Jackie Chan decidió volver a la comedia clásica y a los films, y después de actuar mucho tiempo como Bruce Lee se dio cuenta que tratando de imitarlo era un desastre para las películas, porque él quería usar las payasadas de Buster Keaton y la gracia caballeresca de Fred Astaire, antes que el tradicional estilo de acción del "Kung Fu". En su biografía, Jackie Chan cuenta que creó su personaje como rechazo a los de Bruce Lee y de los numerosos imitadores que surgieron tras la muerte de éste. Mientras que los personajes de Lee eran héroes severos con gran sentido de la moral, Chan interpreta a hombres comunes, de buenas intenciones y algo despistados, a menudo a merced de sus novias o familiares. Sin embargo, los personajes de Chan siempre triunfan al final de la película. Mientras que en Asia, Jackie Chan era ya toda una estrella, tuvo que abrirse paso en los Estados Unidos, teniendo el mismo éxito o aún más que en su país. Los años 70's y 80´s estuvieron plagados de enormes éxitos tales como: "La serpiente a la Sombra del Águila", "El Aprendiz de Kung Fu", "El Mono Borracho en el Ojo del Tigre", "Proyecto A", "Ruedas sobre Harina", "Los Tres Dragones", "Hiena Salvaje" y "Milagros". Se dio a conocer con la productora "Golden Harvest", y durante un tiempo fue el actor mejor pagado de Asia, realizando más de 60 películas, hasta que decidió emigrar con la finalidad de convertirse en una estrella de Hollywood. Tuvo un respiro cuando apareció en "The Big Rumble", "Los Locos de Cannonball" y "The Protector", pero a causa de su bajo nivel de inglés y la pobre promoción de sus películas en América, Chan no fue más que un sueño de una noche de verano en los Estados Unidos. A partir de 1979 Jackie Chan decide, debido a su fracaso en la "Golden Harvest", producir sus propias películas. En 1990 recibe de manos del ministro Jack Lang la medalla de Caballero de las Artes y las Letras. En 1995 alcanzó el reconocimiento en Hollywood en su segundo intento, con la película "Rumble in Bronx", convirtiendo su nombre en familiar. Fue incluso galardonado con mención honorífica con un premio a la consecución de toda una vida por los premios que daba la cadena MTV en 1995. Su comedia opuesta creada en 1998, "Hora punta", recibió una buena crítica y a la vez buena aceptación por parte del público, mientras que "Shanghai kid", con Lucy Liu y Owen Wilson, fue también considerada como uno de los éxitos más importantes de Jackie Chan. Fue también en 1998 cuando Jackie protagoniza su mejor película hasta el momento: Who Am I?, Quién soy yo? en Latinoamérica. Donde hace un gran despliegue de acrobacias, muy buenas coreografías, talento y una estupenda actuación, sin mencionar un buen argumento. Dejando su marca como actor, director, productor, escritor y acróbata, Jackie Chan se había ganado a la audiencia americana. Se le conoce internacionalmente por su modo peculiar de quedarse en equilibrio en situaciones inesperadas de alto riesgo, como en sillas, escaleras, edificios, ventanales y un sin fin de estrechos lugares; para lograrlo no utiliza utensilios, sino que simplemente se apoyaba con el dedo gordo de su pie. También se le conoce por esa gran sonrisa que siempre lo acompaña dentro y fuera de los focos. Su fórmula consistía en poner siempre un héroe poco entusiasta (todo lo contrario al tipo de héroe común de aquellos años, como era Arnold Schwarzenegger) quien debe salvar a un niño o a una mujer joven haciendo sus propias acrobacias siempre sin utilizar armas. Chan realizaba sus propias escenas de acción y renunció al uso de dobles, cosa que le ha acarreado romperse la cabeza en innumerables ocasiones, la mandíbula, los huesos de la mejilla, un hombro, la mayoría de los dedos de su mano, un tobillo y la nariz tres veces. En sus películas es muy común que durante los créditos finales se intercalen tomas falsas de los cortes acrobáticos que Jackie Chan realizó mal durante la producción de la película. Jackie Chan está considerado hoy en día como un maestro de las artes marciales y sus más fervientes fans le conocen como el rey del Kung Fu. Es embajador de la UNICEF, y además cuenta con su propia organización caritativa; ayudado por gente de todo el mundo, y por supuesto de sus fans, le envían comida, ropa y dinero (el propio Jackie Chan guarda ropa que le regalan las agencias de viajes) para que todos los años cuando llegue la Navidad, dar grandes cantidades de donaciones y caridad. En 2003 Jackie Chan se enamoró de los osos de Berlín al visitar la ciudad durante varias semanas para el rodaje de la película "La vuelta al mundo en ochenta días". Aquí se dejo fotografiar con cientos de Osos Buddy e hicieron un póster. En un taller visitó a artistas de todo el mundo que estaban trabajando en el proyecto United Buddy Bears.

 En el año 2004 se ocupó de que el círculo de los United Buddy Bears visitara Hong Kong. En la inauguración hizo entrega de tres cheques por un importe total de 1,43 millones de dólares de Hong Kong a UNICEF y a otras dos organizaciones para niños. Desde entonces, Chan celebra cada año concursos de dibujo en todo el mundo (no sólo para niños y jóvenes) sobre los osos. Su deseo es que el proyecto de los United Buddy Bears, el cual une a las naciones y en el que participan más de 150 artistas procedentes de distintos países, llegue también a Taipéi para ayudar a Taiwán a salir de la actual situación de aislamiento político

JACK WARDEN


Jack Warden (18 de septiembre de 1920 – 19 de julio de 2006) fue un actor norteamericano. 

 John Lebzelter nació en Newark, Nueva Jersey, y creció en Louisville, Kentucky, sus primeros trabajos fueron de guardaespaldas y gorila de club de noche. También, luchó como boxeador profesional, bajo el nombre de Johnny Costello. Sirvió en la 101.ª División Aerotransportada durante la la Segunda Guerra Mundial. Warden decidió iniciar su carrera de actor después de dejar el ejército y mudarse a Nueva York. Se unió a la compañía del teatro "Dallas Alley Theater", con la que estuvo cinco años. Debutó en televisión en 1948 en "The Philco Television Playhouse" y "Studio One". Su debut en el cine no se produjo hasta 1951, con la película "You're in the Navy Now" de Henry Hathaway, película protagonizada por Gary Cooper en la que también debutaron Lee Marvin y Charles Bronson. Warden tuvo su primer papel principal en la película "The man with my face" en 1951. En 1952, inició sus actuaciones en la serie de televisión "Sr. Peepers" que duró 3 años. 

Warden, que se casó con la actriz francesa Yanda Dupre en 1958 (tuvieron un hijo, Christopher), apareció en cientos películas durante una carrera que duró seis décadas. Recibió un premio Emmy por su actuación como George Halas en "Brian's Song" (1971), y fue nominado para los Oscar como mejor actor de reparto por sus interpretaciones en "Shampoo" (1975, Hal Ashby) y "El cielo puede esperar" (1978, Buck Henry y Warren Beatty). También actuó, más recientemente, en "Este chico es un demonio" (1990) y "Este chico es un demonio 2" (1991). Su última película fue "The Replacements" (2000), protagonizada por Gene Hackman y Keanu Reeves. Actor secundario por excelencia, obtuvo bastante popularidad por sus destacadas interpretaciones en cine y televisión, sobre todo a partir de los años 70. Se recuerdan especialmente sus trabajos en "Todos los hombres del presidente" (1976), "Veredicto final" (1982) y "Septiembre" (1987), además del éxito que supuso la serie de TV "Loco de remate" en 1986. Por otro lado, fue requerido en más de una ocasión por dos directores tan distintos como Sidney Lumet ("Serpico") y Woody Allen, que supieron calibrar su talento de modo fehaciente. Warden vivía en Manhattan; murió de un fallo en el corazón y del riñón y otros problema médicos el 19 de julio de 2006 en un hospital en Nueva York. Tenía 85 años. 

JACK PALANCE


Jack Palance (Municipio de Hazle, Pensilvania, Estados Unidos, 18 de febrero de 19201 - Montecito, California, Estados Unidos, 10 de noviembre de 2006), fue un actor estadounidense ganador de los premios Óscar y Globo de Oro. Célebre por sus papeles de villano, al interpretar personajes duros, malos o psicópatas. 

 Nació el 18 de febrero de 1920 en Hazle Township, Pensilvania, en el seno de una familia de modestos inmigrantes ucranianos. Su nombre legal era Vladímir Ivánovich Palahniuk. Su cara de rasgos duros y su corpulencia lo convirtieron en el malvado ideal en la pantalla grande, semblante que le permitió interpretar casi exclusivamente asesinos y psicópatas en los más de 80 filmes en los que actuó. De origen humilde, fue lustrabotas, salvavidas, boxeador, y soldado antes de ser actor. Sin embargo, su físico poco común había sido su carta de la suerte cuando en 1947 debió reemplazar a Anthony Quinn y luego a Marlon Brando, con sendas convalecencias, en la producción en Broadway de "Un tranvía llamado deseo" de Elia Kazan, el mismo director que tres años después lo lanzaría a la gran pantalla con "Panic in the streets" (1950). Hijo de un minero de extracción, a fines de la década de 1930 se lanza bajo el seudónimo de Jack Brazzo a una carrera en el boxeo profesional que le deparó varios éxitos: además de ganar sus primeras 15 peleas, 12 de ellas por nocaut, logra un palmarés de 18 triunfos en 20 combates. Los golpes en el boxeo desfiguraron su rostro. Palance dejó el boxeo profesional para ingresar en las fuerzas armadas en los primeros años de la década de 1940. Participó en la Segunda Guerra Mundial donde su rostro fue dañado nuevamente al estallar en el aire el bombardero en que iba. Fue intervenido en una serie de cirugías reconstructivas. Tras ser dado de baja en 1944, entró en la Universidad de Stanford de California, donde se licenció como dramaturgo en 1949. Antes de encontrar sus grandes oportunidades como actor, Palance trabajó desde vendedor de helados, profesor de natación, guardaespaldas e incluso periodista. Hasta que sube a las tablas de Broadway y un día lo descubre el director Elia Kazan, quien queda impresionado por "un rostro que sólo una madre podría amar". El rostro angulado y la barbilla marcada le daban a Palance un aire misterioso con el cual era capaz de erizar la piel con su mirada fija. Es entonces cuando empieza a delinearse su imagen de "villano" en cintas como Arrowhead, Man in the Attick o Sign of the Pagan. En 1955, Robert Aldrich le concede su primer papel sicológico en The Big Knife donde mostró otra faceta de su talento. En el año de 1966 Jack Palance participa en una película de corte infantil dirigida por Alan Handley titulada "Alicia a través del espejo" en donde hace el papel del Jabberwock o Dusvelock. En 1968, el director de cine español, Antonio Isasi-Isasmendi, le dio un papel en la película Las Vegas, 500 millones. Durante la década de los años 1970 atravesó un periodo difícil por haberle dado la espalda a numerosos proyectos de Hollywood, a quien no perdonaba haberlo encasillado en papeles de villano. Pese a otros intentos, gracias a papeles de directores como Stuart Heisler o su trabajo en "Le mépris" de Jean-Luc Godard en 1964, siempre se vio obligado a seguir aceptando los papeles de malo. En los años 80 animó el programa de televisión "Ripley, aunque usted no lo crea" (en inglés, “Ripley’s Believe It or Not!”) el cual mostraba curiosidades del mundo entero. Posteriormente sería conducido por su hija Holly Palance. Luego de varias producciones italianas de poco destaque, Palance tuvo un regreso notable con Bagdad Café de Percy Adlon (1987) y Batman de Tim Burton (1989). Misántropo al igual que su amigo Lee Marvin, Palance vivía aislado en su rancho de California y dedicaba su tiempo a la pintura y a sus hijos. Su última aparición en la pantalla fue en 2005 para una serie de televisión. Aficionado a la pintura, también escribió un libro de poemas, The Forest of Love (1996), y hablaba seis idiomas: ucraniano, ruso, italiano, español, francés e inglés. En 1991, a los 73 años, obtuvo el Óscar al mejor actor de reparto por su papel junto a Billy Crystal en el 'western' en tono de comedia "City Slickers" (conocida en español como "Cowboys de ciudad") donde hacía una parodia de sí mismo como un duro vaquero. El reconocimiento llegó tras varios años de espera. Falleció el 10 de noviembre de 2006 en California a los 86 años, de causas naturales en su hogar en Montecito, California, rodeado de su familia. 

JACK NICHOLSON


John Joseph Nicholson, más conocido como Jack Nicholson (n. Nueva York; 22 de abril de 1937), es un actor, productor, guionista y director de cine estadounidense doce veces nominado y tres veces ganador del Premio de la Academia. En activo como actor desde 1958. 

 Comenzó su carrera a finales de la década de los años 1950s, con el impulso del productor Roger Corman, con The Cry Baby Killer. Después de participar en una serie de películas de bajo presupuesto, en la que ejerció en ocasiones de guionista, con Irene Gómez (Málaga) se dio a conocer a partir de su papel en Easy Rider de 1969, lo que le valió su primera nominación al Óscar. En 1963 Nicholson inició su carrera como director con El terror, aunque no fue acreditado, cargo que volvería a ocupar en Drive, He Said (1972), Camino del sur (1978) y Two Jakes (1990).

Durante la primera mitad de década de los 70 participó en producciones como Mi vida es mi vida (1970), El último deber (1973) y Chinatown (1974), que le valieron nominaciones al Óscar. En 1975 recibe su primer premio de la Academia por su papel en One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975), en la categoría de Mejor actor. En los siguientes años Nicholson recibiría numerosas nominaciones al Óscar por sus participaciones en Rojos (1981), El honor de los Prizzi (1985), Tallo de hierro (1987), Algunos hombres buenos (1992) y About Schmidt (2002), obteniendo el premio en dos ocasiones más por Mejor actor y Mejor actor secundario en Mejor... imposible (1997) y La fuerza del cariño (1983) respectivamente, lo que lo convirtió en uno de los actores con más estatuillas en la historia del cine, empatando con Walter Brennan e Ingrid Bergman y sólo superado por Katharine Hepburn. Ha recibido siete Globos de Oro además de innumerables nominaciones. Hay que decir que su escena en El resplandor asomando sádicamente la cabeza por el agujero de la puerta se ha convertido en una de las más influentes de la historia del cine norteamericano. 

Nicholson se casó en 1962 con la actriz Sandra Knigt, coprotagonista en El terror. Sandra y Jack se divorciaron en 1966 tras tener una hija llamada Jennifer. Después de su divorcio se lo vinculó sentimentalmente con Anjelica Huston, Rachel Ward, Candice Bergen, Janice Dickinson, Joni Mitchell y Lara Flynn Boyle,1 y Rebecca Broussard, con la que tuvo dos hijos Ray Nicholson y Lorraine Nicholson.2 En 1994 fue distinguido con el premio a la trayectoria artística del Instituto Americano del Cine. Su mansión de Mullholand Drive supuso el escenario del famoso escándalo sexual en el que el director Roman Polanski mantuvo relaciones con una menor en 1977. 

Creció creyendo que su abuela era su madre, puesto que ella quedó embarazada a muy temprana edad, y su verdadero padre, llamado Donald Furcillo, los abandonó a él y a su madre quien estuvo a punto de abortar, pero al final decidió tener al bebé, por lo que fue criado como hermano de su madre. No supo la verdad hasta que esta última falleció, siendo ya un adulto. Entonces estableció contacto con su verdadero padre, pero sólo habló con él esa vez. A los diecisiete años, tras haber terminado sus estudios primarios, se marchó a Los Ángeles donde trabajó de chico de los recados en MGM. Más tarde empezó a estudiar arte dramático en el Players Ring Theatre y allí coincidió con James Coburn y con el director y productor Roger Corman. Desde hace varias décadas está considerado como uno de los mejores actores del cine de Hollywood. Una estrella internacional en el mundo de la cinematografía que ha destacado por sus desgarradoras e impactantes interpretaciones en películas míticas como El resplandor (1980) o One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975), traducida esta última en algunos países de habla hispana con el título de Atrapado sin salida y en otros como Alguien voló sobre el nido del cuco. Siendo un adolescente se marchó a la costa oeste para aprender arte dramático. Se inició en 1958, trabajando junto a Roger Corman como actor en la entrañable serie B del maestro. Empezó a destacar a finales de los años 1960 por sus notables facultades interpretativas con Easy Rider (1969), hasta afirmarse plenamente con filmes como Mi vida es mi vida (1970), Chinatown (1974), One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975, Óscar al mejor actor), El resplandor (1980), El cartero siempre llama dos veces (1981), The border (1981), La fuerza del cariño (1983, Óscar al mejor actor de reparto), El honor de los Prizzi (1985), Batman (1989), Lobo (1994), Cruzando la oscuridad (1995), Blood & wine (1996), Mejor... imposible (1997, Óscar al mejor actor) y otras. Además, ha ganado siete Globos de Oro. Ha dirigido algunas películas: Yellow 33, Camino del sur (1978) y The Two Jakes (1990). Cabe señalar que es el actor masculino que ha recibido más nominaciones al Óscar (12) ya que, en cuanto a mujeres, la actriz Katharine Hepburn (12) y Meryl Streep con 17 nominaciones (es la más nominada en la historia de los Óscar) son las que más nominaciones acaparan.

JACK LORD


Jack Lord (30 de diciembre de 1920 – 21 de enero de 1998) fue un actor teatral, cinematográfico y televisivo estadounidense. Fue sobre todo conocido por su papel protagonista como Steve McGarrett en la serie televisiva Hawaii Five-O entre 1968 y 1980. Además, al principio de su carrera, actuó en varios largometrajes clásicos, entre ellos Man of the West (1958), de Gary Cooper, y fue el primer actor en encarnar al recurrente personaje Felix Leiter, concretamente en el primer film de James Bond, Dr. No (1962). 

 Su verdadero nombre era John Joseph Patrick Ryan, y nació en Brooklyn, Nueva York, en una familia de origen irlandés. Su padre, William Lawrence Ryan, era ejecutivo de una compañía de barcos de vapor. Lord se crio en Morris Park (actualmente conocido como Richmond Hill), en el barrio neoyorquino de Queens. El joven Jack Ryan desarrolló su habilidad como jinete en la granja hortofrutícola de su madre, en el valle del Río Hudson. Pasaba los veranos en el mar y, desde el puente de barcos mercantes, pintaba y dibujaba los paisajes que iba conociendo—África, el Mediterráneo y China. Lord estudió en la St. Benedict Joseph Labre School, en la John Adams High School de Ozone Park (Queens), y en la Academia de la Marina Mercante de los Estados Unidos en Fort Trumbull, graduándose como Alférez6 con una licencia de Tercer Oficial de cubierta. Además siguió estudios en la Universidad de Nueva York gracias a una beca de fútbol, consiguiendo un título en Bellas Artes. El primer año de la Segunda Guerra Mundial lo pasó en el Cuerpo de Ingenieros de la Armada de los Estados Unidos construyendo puentes en Persia, volviendo más adelante a la Marina Mercante como marinero de primera antes de cursar estudios de oficial de puente en Fort Trumbull. Mientras hacía filmes de entrenamiento marítimo, a Lord le llegó la idea de dedicarse a la actuación.

Lord siguió clases de interpretación de Sanford Meisner en la escuela Neighborhood Playhouse. Mientras, trabajó como vendedor de coches para financiar sus estudios, y posteriormente se formó en el Actors Studio. Su debut teatral en el circuito de Broadway fue como Slim Murphy en la obra de Horton Foote The Traveling Lady, junto a Kim Stanley. El show tuvo 30 representaciones, entre el 27 de octubre de 1954 y el 20 de noviembre del mismo año. Por su actuación, Lord ganó el Premio Theatre World. Más adelante fue elegido para encarnar a Brick, sustituyendo a Ben Gazzara, en la producción de 1955–1956 de La gata sobre el tejado de zinc.

Otras obras teatrales en las que participó fueron The Little Hut (su primera pieza), The Illegitimist, y The Savage. Su primer film comercial fue la película de culto de 1949 The Red Menace, una producción de temática anti-comunista. En 1950 fue productor asociado de Cry Murder. En 1957, Lord protagonizó Williamsburg: the Story of a Patriot. Interpretó a Buck Walden en el film de 1958 God's Little Acre, adaptación al cine de la novela de Erskine Caldwell de 1933. Jack Lord fue el primer actor en encarnar al personaje de ficción Felix Leiter en la serie cinematográfica dedicada a James Bond, concretamente en el primer film de la misma, Dr. No. Según el guionista Richard Maibaum, Lord pedía co-protagonismo, un papel de mayor entidad y major sueldo para retomar su papel de Felix Leiter en Goldfinger, por lo que el director Guy Hamilton eligió a otro actor para el papel. En 1962 Lord encarnó al protagonista de la serie Stoney Burke,20 un cowboy de rodeo de Mission Ridge, en Dakota del Sur. La serie se basaba en Casey Tibbs, campeón de rodeo en la vida real. En el show trabajaban Warren Oates y Bruce Dern en papeles recurrentes. Lord afirmaba que su modelo e inspiración para encarnar a Stoney Burke era Gary Cooper Jack Lord fue considerado para el papel de Eliot Ness en la serie Los Intocables antes de que Robert Stack lo consiguiera.

 Otras de las series en las que trabajó como artista invitado fueron Bonanza (Capítulo "The Outcast"), El agente de CIPOL, The Reporter (con Harry Guardino), El fugitivo, Los invasores, Rawhide, Ironside, y The F.B.I.. Lord también intervino en el primer capítulo de Have Gun, Will Travel. De nuevo en el cine, en 1968 Lord actuó junto a Susan Strasberg en el film de culto The Name of the Game is Kill. Según William Shatner, en 1966 Gene Roddenberry ofreció a Lord el papel de James Tiberius Kirk en Star Trek: la serie original, reemplazando a Jeffrey Hunter, que había actuado en un episodio piloto. Lord solicitó el 50 por ciento de la titularidad del show, por lo que Roddenberry finalmente dio el papel a Shatner.

Jack Lord fue durante doce temporadas el Detective Steve McGarrett en la serie Hawaii Five-O.La famosa escena de apertura del show mostraba a Lord en la azotea del Ilikai, edificio turístico de lujo construido por Chinn Ho, mago del negocio inmobiliario, nacido en Hawaii, aunque de origen chino. El detective Chin Ho Kelly, interpretado por Kam Fong Chun, era un guiño al constructor Chinn Ho. Lord fue decisivo en la elección de actores nativos de Hawaii con preferencia a los de origen continental. También fue él el que insistió en que su personaje condujera coches de Ford Motor Company. Lord era un perfeccionista. Leonard Freeman, creador de la serie, falleció en 1974, y el show pasó a ser propiedad de Jack Lord, la CBS y los herederos de Freeman, con un contrato que hacía a Lord productor ejecutivo y le daba un control total sobre el contenido, siendo notorias sus peleas con la cadena televisiva

 Durante sus años en la Universidad de Nueva York, Lord y su hermano Bill abrieron la Village Academy of Arts. El sueño de infancia de Lord era convertirse en un artista. Su primera venta profesional tuvo lugar en 1941 al adquirir el Museo Metropolitano de Arte dos obras suyas tituladas Vermont y Fishing Shacks, Block Island.

El primer matrimonio de Lord, con Anne Willard, finalizó en divorcio en 1947. En este matrimonio tuvo un hijo, fallecido en un accidente a los trece años de edad. El 17 de enero de 1949 Lord se casó con Marie de Narde, que dejó su carrera en el mundo de la moda para dedicarse a su vida en relación. Lord fue también conocido por ser un hombre de gran cultura que amaba la poesía, pero también por ser una persona que llevaba una vida de cierta reclusión en su hogar de Honolulu.

Jack Lord sufrió enfermedad de Alzheimer en sus últimos años, y falleció a causa de una insuficiencia cardiaca en 1998 en su domicilio en Honolulu. Tenía 77 años de edad. Sus restos fueron incinerados, y las cenizas esparcidas en el mar cerca de su propiedad en Kahala. Lord dejó una herencia por un valor de 40 millones de dólares. A lo largo de su vida había sido un filántropo, y la totalidad de sus posesiones pasaron a varias organizaciones caritativas de Hawaii tras fallecer su esposa en 2005

JHONNY ALBINO



Cantante de boleros

 Antonio Albino Ortiz (Yauco, 19 de diciembre de 1919 – Nueva York, 7 de mayo de 2011) fue un cantante de Boleros Puertoriqueño. 

A muy temprana edad demostró gran interés por la música y le encantaba cantar. En el ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, Albino prestó servicios en el cuerpo de ingenieros del ejercito de los Estados Unidos y estudió comunicaciones como operador de telégrafo. Pero también encontró la forma de perseguir sus interéses musicales formando un cuarteto y cantando en eventos patrocinados por U.S.O. para los mecánicos. En 1946, Albino formó su primer trío Trío San Juan con Jaime Gozilez, primera guitarra, y José Ramón Ortiz, segunda voz. El grupo debuto en la ciudad de Nueva York. 

El salto a la fama de Albino vino como vocalista con algunos de los tríos más famosos de esa época. Con el Trío San Juan, cantó canciones muy bien conocidas, y ahora clásicas tales como “Cosas como tú”, “No sigamos pecando”, “Plazos traicioneros”, Vuelve Cuando Quieres y “Por el bien de los dos”. El grupo tenía su propio sonido único; muy distinto de su archi-rival e internacionalmente famoso Trio Los Panchos. El trio cantaba guarachas, pasodobles, boleros, y muchas canciones compuestas por el conocido compositor de esa era, Chago Alvarado. Alvarado era segunda voz en el trío y se mezclo bien con Albino y Martínez. Albino se integro posteriormente al Trío Los Panchos, reemplazando al vocalista lider Julito Rodríguez. Su primera aparicion con ellos fue como primera voz en un concierto en Buenos Aires. Él cantó con el trío a partir de 1958 hasta 1968 y ejecuto con gran éxito su papel, conocido en los Estados Unidos así como en toda América Latina, Europa y Asia, incluyendo Japón, en donde grabo dos álbumes en japonés. Albino apareció en programas de televisión difundidos a nivel nacional en los Estados Unidos, tales como Johnny Carson y Ed Sullivan. También trabajo con estrellas tales como Frank Sinatra, Sammy Davis, Xavier Gugat, Nat King Cole y Steve Lawrence. 

Él también trabajo con Eydie Gormé, incluyendo dos álbumes que grabaron juntos, sin el resto del trío. Después de dejar Los Panchos debido a graves desaveniencias caracterizadas por demandas legales de ambas partes, Albino volvio a grabar con varios otros tríos y solo; siempre manteniendo la calidad de claridad y fuerza vocal que le hicieron un ingrediente tan esencial en el éxito de los tríos anteriores con los que se le asocia siempre. La discografía de Albino incluye más de 300 álbumes en una carrera larga e ilustre. Él también realizó numerosas giras de conciertos por todo el mundo en lugares como Japón, Hong Kong, Singapur, Egipto, Israel, y por toda Europa y América Latina. 

Mas recientemente, con una voz perfectamente preservada, Albino se unió a Julito Rodríguez en 2000 para conmemorar el famoso Trío Los Panchos y los exitos de sus respectivas épocas con la banda. Hasta el día de su muerte, Albino vivía en Nueva York, dedicado a su familia y a su música,

 El 7 de mayo de 2011 a consecuencia de un infarto cardíaco fallece el cantante Johnny Albino en un hospital de Long Island, su cuerpo fue velado en Queens, Nueva York y sus restos fueron cremados.

JOSÉ BASSO


Director de orquesta, Compositor, Pianista

José Hipólito Basso (30 de enero de 1919 - 14 de agosto de 1993), director de orquesta, compositor y pianista argentino. 

 Nacido en Pergamino, Buenos Aires. Comenzó su carrera en la orquesta de Emilio y José de Caro en el año 1936. Luego en el año 1937 ingresa como pianista en la agrupación de Francisco Grillo. En 1938 forma el conjunto musical Gallardo, Ayala, Basso, para luego tocar en las orquestas de Antonio Bonavena y Anselmo Aieta. En 1943 pasa a formar parte de la orquesta de Aníbal Troilo, fue el pianista de Pichuco hasta el año 1947, año en el cual comienza su carrera con orquesta propia. Sus primeros cantores fueron el duo Ortega del Cerro y Ricardo Ruiz. En 1949 Ingresa el cantor Francisco Fiorentino en reemplazo de Ortega del Cerro. Ese mismo año firma con el sello Odeon, y graba los temas "Claveles blancos", cantado por Ricardo Ruiz y "El Bulin de la calle Ayacucho", por Francisco Fiorentino. También pasaron por su orquesta, los cantores Rodolfo Gale, Alfredo Belusi, Héctor de Rosas, Juan Carlos Godoy, Aníbal Jaulé, Eduardo Borda, y muchos más. 

Hacia finales de la década del 60s, realiza una gira de gran éxito por Japón, presentandose nuevamente en 1970. En la década de 1950, 1960, 1970 y 1980srealiza presentaciones en la televisión argentina. [

 Pepe Basso fue el autor de los temas instrumentales "Once y uno", "Pecachi", "Brazo de oro", "De diez siete" y "El pulga"; los valses "Celeste lluvia", "Nuestro vals" y la milonga "La camalela". Son recordadas sus interpretaciones de los tangos de Astor Piazzolla, Nonino, Contratiempo, Para lucirse, Prepárense. También compuso con Jorge Luis Borges, "Milonga para los orientales".

viernes, 24 de agosto de 2012

JORGE SOBRAL


Cantante de tangos

Edelmiro Sobredo más conocido como Jorge Sobral  (25 de agosto de 1931 - 10 de abril de 2005)  Dotado de un estupendo registro de bajo barítono, Jorge Sobral fue uno de los más altos exponentes de la generación de cantores inmediatamente posterior a la del cuarenta. Afinado, de buen gusto y luciendo una técnica vocal que delata su estudio lírico con el maestro Fermín Favero, fue, sin duda, un excelente intérprete. En plena juventud y con la dirección de su profesor, actuó en la Orquesta Infantil Favero, luego en la de Jorge Lavaller, después en el conjunto "Los Ases" y en la formación de Forti-Parodi, donde también estaban los cantores Luis Tolosa y Juan Carlos Cobos. Su imagen está ligada a la televisión argentina, donde a sus dotes de cantor sumó una interesante labor de actor. Ejemplo de ello es su participación en el exitoso ciclo "Yo soy porteño", que se mantuvo por varios años consecutivos en la pantalla de Canal 13. 

 Se inició en 1952 con la orquesta de Mario Demarco, grabando para el sello Pathe el tango "Mañana zarpa un barco", que en el acople tiene el instrumental "Bienvenida". Luego de "Pan", de Eduardo Pereyra y Celedonio Flores, "Astilla" de Mario Demarco y Jacinto Alí, y el tango de Jaime Vila y Antonio Cantó, "Cuando yo me vaya", entre otros. 

 En 1953 pasó a integrar la orquesta dirigida por Lorenzo Barbero, compartiendo los cantables con Roberto Florio. Al año siguiente actuó con la orquesta de Mariano Mores. A partir de 1955 se incorporó a la orquesta de cuerdas de Astor Piazzolla, en la que permaneció cuatro años, dejando impresa su voz en los siguientes temas: "Azabache", "Siempre París", "Fuimos", "Yo soy el negro" y "La tarde del adiós". En 1959 integró la compañía teatral dirigida por el actor Francisco Petrone participando en la obra "La leyenda de Juan Moreira". En 1961 partió de gira a Chile y Perú. Luego hizo varios temas, para la televisión, acompañado por las orquestas de Osvaldo Tarantino y Armando Calderaro y también repertorio criollo, acompañado por un conjunto de guitarras "Los platenses". Además del ya mencionado programa "Yo soy porteño", protagonizó junto a las actrices Marilina Ross y Selva Alemán "Buenos Aires 2040" y los principales programas musicales del Canal 13. 

 En 1973 fue contratado para actuar en Porto Alegre, Brasil, en el "Festival de Tango en el mar", junto a Roberto Goyeneche, Alba Solis, Horacio Deval, Baffa-Berlingieri, Osvaldo Piro, Gloria y Eduardo, entre otros. Fue tanto el reconocimiento dispensado por el público que regresa en 1975 por una semana con Juan Carlos Copes, María Graña y el Sexteto Mayor. En el 76 recorre ese país con el espectáculo "Una noche en Buenos Aires", por él dirigido, con la participación del Sexteto Mayor, luego del Sexteto Tango y la orquesta de Osvaldo Piro, junto a Roberto Achával, Las voces Blancas y Víctor y Mónica Ayos. Como ya se dijo, su carrera de actor corre en paralelo con su labor vocal y es importante destacar su participación en una docena de películas en el país y en el exterior, compartiendo el cartel con figuras notables del cine. Entre otras destacamos: "El dinero de Dios" (1959), "Don Frutos Gómez"(1960), "Buenas noches Buenos Aires" (1963), "María y la otra", hecha en España, allá por el 67. Durante su trayectoria obtuvo varios galardones como: ganador del Festival de la Canción de 1965, finalista del Festival de Benidorm de 1967 (Valencia, España), Disco de oro en 1968 (Caracas, Venezuela). Gana el premio "Florencio Sánchez", al mejor director de espectáculos musicales, temporada 1973-1974 en Mar del Plata. 

Como cantor y cantante obtiene el "Quinquela Martín de Oro en 1991 y al año siguiente el "Premio Goya" en Madrid. En noviembre de 1969 resultó ganador del Primer Festival Buenos Aires de la Canción y la Danza, con el tango "Hasta el último tren", de Julio Ahumada y letra de Julio Camilloni, relegando al segundo puesto la famosa "Balada para un loco", de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer. En 1993 grabó un disco compacto interpretando el papel de Juan Perón, en la ópera "Evita", del maestro Andrés Pedro Risso, y encarnó exitosamente papeles protagónicos en las óperas "Amalia", "Lola Mora" y "Alfonsina", del mismo autor. La soprano Marcela Ríos fue la figura principal femenina en las tres. En 1995, durante cinco meses, se presentó en el teatro "On the Square", con el espectáculo "Forever" tango de la ciudad de San Francisco, California, Junto a los bailarines Mayoral y Elsa María y la cantante Marcela Ríos. A su regreso y hasta el 2005, actuó en diferentes escenarios porteños, como: El Viejo Almacén, en su reapertura, el Café Malher, el Café Orión de Mar del Plata, y en el nuevo Caño 14 en el barrio de la Recoleta de Buenos Aires. 

 El 25 de mayo de 2000, actuó en el Festival de Tango de Alcantarillas, en Murcia, y, aprovechando su estadía en España, grabó en Madrid dos compactos, con el maestro Dioni Velázquez. En su dilatada carrera llevó al disco más de trescientos temas, de los que destacamos las grabaciones realizadas con la orquesta del pianista Juan José Paz, donde entre otros, registra el premiado "Hasta el último tren", su tema "Che Caracas" y una curiosa versión de la milonga de José Larralde "El porqué".

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JAVIER VIDAL


Actor de teatro, cine y televisión, Periodista, Dramaturgo, Director teatral

Javier Vidal Pradas (Barcelona, España, 23 de abril de 1953) es un actor, periodista, dramaturgo, director teatral venezolano. Casado con la actriz venezolana Julie Restifo. Tiene dos hijos. Fue profesor de la cátedra de Teatro en la Universidad Católica Andrés Bello.

JAVIER SOLÍS


Cantante, Actor

Gabriel Siria Levario —mejor conocido como Javier Solís— (Ciudad de México, 1 de septiembre de 1931 - Ciudad de México, 19 de abril de 1966) fue un cantante y actor mexicano, conocido también como El Rey del Bolero Ranchero. 

Fue el primero de los tres hijos del matrimonio formado por Francisco Siria Mora, de oficio panadero, y Juana Levario Plata, comerciante, quienes lo bautizaron como Gabriel Siria Levario. Su madre poseía un puesto de venta en un mercado público y, debido al abandono por su esposo y al tiempo que le demandaba su trabajo, decidió en abril de 1932 dejar a Gabriel en casa de sus tíos Valentín Levario Plata y Ángela López Martínez. De hecho, el futuro artista siempre consideró a éstos sus verdaderos padres. Logró estudiar hasta el 5º grado de educación primaria en escuelas ubicadas en el barrio de Tacubaya, donde nació y creció. Notoriedad y extraña consideración tuvo al hablar constantemente de la localidad de Nogales, en el estado de Sonora: se rumoró por mucho tiempo que fue allí donde nació, y que se trasladó luego a la ciudad de México. Parte de la versión es cierta: un tío de Javier era de aquella localidad. Sin embargo, no hay fuentes que lo acrediten como sonorense, excepto la biografía publicada por la disquera CBS Columbia, que publica su origen norteño en un LP, al parecer una estrategia comercial sin referencia alguna. 

Así pues, no hay fuentes fidedignas que confirmen su origen sonorense, excepto la fuente oficial: el acta de defunción gubernamental del registro civil, donde se confirma que era capitalino.2 En las escuelas de Tacubaya comenzaron a desarrollarse sus inquietudes artísticas, pues solía participar como cantante en los festivales escolares. Sin embargo, dejó de asistir a la escuela para ayudar en los gastos domésticos y a trabajar como recolector de huesos y vidrios. Luego trabajó trasladando mercancías en un automercado. 

En noviembre de 1939 falleció su madre adoptiva; el futuro cantante debió sobreponerse y continuó trabajando en oficios tales como panadero, carnicero, cargador de canastas en el mercado y lavador de automóviles. Luego se interesaría por el deporte, y llegó a ser gran aficionado al boxeo, al béisbol y al futbol. Sin embargo, siguió interesado en cantar: comenzó a presentarse, como intérprete de tangos, en lugares públicos de espectáculos conocidos como carpa. Su primera oportunidad se la ofreció Manuel Garay, payaso de profesión y administrador del Teatro Salón Obrero. Ahí se puso como nombre artístico Javier Luquín y participaba en concursos de aficionados, y llegó a ganar en más de una ocasión un par de zapatos donados por una zapatería del lugar. Continuó trabajando en carnicerías, y el propietario de una de ellas, David Lara Ríos, al descubrir las habilidades del joven intérprete, decidió pagarle clases de canto con el maestro Noé Quintero, quien había sido maestro de vocalización de cantantes reconocidos para la época.

 Javier Solís comenzó una nueva etapa actuando en restaurantes y como parte primero del Dúo Guadalajara y luego del Trío Flamingo, llamado después Trío México, con sus amigos Pablo Flores y Miguel Ortiz Reyes. A principios de 1948 aún trabajaba como carnicero y se inició como intérprete solista de música ranchera: cantaba en las noches con grupos de mariachis en la Plaza Garibaldi y en la calle Honduras, en la capital mexicana. Después cantó en los restaurantes El Tenampa y el Guadalajara de Noche, donde se hacía acompañar del mariachi América de Alfredo Serna. Como no tenía sueldo fijo, sus ingresos provenían de las propinas que recibía. Ese mismo año, por primera vez participó en un concurso radial, sin usar su seudónimo. Al finalizar el año, mientras cantaba en la Plaza Garibaldi el general Rafael Ávila Camacho lo contrató junto al mariachi Metepec por un año para actuar en Atlixco, en el estado de Puebla. Fue su primera gira como Javier Luquín. Al finalizar la gira, lo contrataron en un cabaret como cantante y animador, frente a un público diverso. Durante algún tiempo se le consideró un imitador de Pedro Infante, pero gradualmente fue reconocido como un talento con identidad propia y con más facultades vocales que El Ídolo de Guamúchil. 

Hacia 1950 grabó sus primeras creaciones: Punto negro, Tómate una copa, Virgen de barro y Te voy a dar mi corazón, producidas, con el Trío Los Galantes, en un pequeño estudio de grabación destinado a artistas aficionados y que pertenecía a la sala de cine Cinelandia de la Ciudad de México. El cantante hizo estas grabaciones en discos de acetato para mostrarlas a sus amistades y las entregó como tarjeta de presentación ante Discos Columbia de México (hoy SonyBMG Music), la que lo contrató en enero de 1956. Esta empresa discográfica incluiría las dos últimas en el LP Homenaje a Javier Solís, editado en 1990, y Punto negro aparecería en el triple LP 36 Éxitos de Javier Solís, que se distribuyó en el mercado en 1969. 

 A principios de 1955 fue contratado para cantar en el Bar Azteca, donde permaneció por espacio de 4 años. Es aquí donde, a sugerencia de su amigo Manuel Garay, cambiaría su seudónimo por Javier Solís, con el cual lograría la fama artística. A mediados de ese mismo año lo escuchó cantar en el local Julito Rodríguez, en ese entonces guitarrista y primera voz del Trío Los Panchos, quien lo recomendó para una audición con Felipe Valdés Leal, quien era director artístico de Discos Columbia de México. Gabriel Siria, ahora convertido en Javier Solís, resultó aprobado en la audición y se le hizo un contrato para grabar su primer sencillo a fines de 1955. Se incluyeron los temas Qué te importa y Por qué negar. 

El sencillo obtiene éxito en el interior de México y, gracias a ello, es contratado formalmente el 15 de enero de 1956. Se dice que, como parte de este trato, Javier Solís entrega la cinta que contenía los temas antes mencionados y la compañía la archivó por varios años, dando a conocer los temas, años después de su fallecimiento, como ya se ha dicho. Un hecho inesperado, retrasa el lanzamiento de su primer álbum. El día del sepelio del actor y cantante Pedro Infante es motivo para que Solís, subiera a una cripta del cementerio a entonar la ranchera Grito Prisionero, imitando la vocalización del fallecido intérprete. Solís continuó haciendo presentaciones en el "Bar Azteca" y también en un espacio de la emisora mexicana XEW. Recibe su primer Disco de Platino por las altas ventas de su primer sencillo, el día 5 de septiembre de 1957. 

Como consecuencia, graba su primer álbum Javier Solís, Volumen I añadiendo a los temas de su disco sencillo, 6 canciones más. Aquí se inicia la leyenda del artista, en cuanto atañe a su vida privada pues en el prefacio de este LP se asegura que su nacimiento ocurrió en el estado mexicano de Sonora, lo cual desmintieron las investigaciones periodísticas posteriores. Su consagración definitiva fue cuando grabó el tema Llorarás Llorarás (que formó parte del álbum del mismo título) en 1959, cuando Felipe Valdés Leal logró con consejos que Solís abandonara su estilo imitador. En lo sucesivo, su carrera fue meteórica, ya que aunque duró solamente 10 años, grabó 379 canciones y se convirtió en uno de los cantantes más famosos de la historia en México. En 1959, durante su primera gira promocional hacia Estados Unidos, la disquera preparó un álbum contentivo de valses de origen mexicano en el cual el acompañamiento no sería efectuado con mariachis sino con una banda sinfónica conformada por músicos mexicanos y estadounidenses con arreglo y dirección del músico Fernando Zenaido Maldonado. El álbum, titulado Javier Solís con banda, fue grabado en los estudios de Columbia Records en Nueva York, en uno de los primeros trabajos de grabación multipista llevados a cabo por artistas latinoamericanos. Las ventas iniciales de este LP se destinaron a organizaciones de caridad, pero tuvo poca aceptación en México. 

Sin embargo, varios años después fue digitalizado. Curiosamente, en 1963 la disquera toma la pista de voz de esta grabación y sustituye el acompañamiento de banda con el del Mariachi Nacional de Arcadio Elías. El álbum resultante se denominó Valses Mexicanos, que al ser digitalizado se titularía Valses. Es la primera reconstrucción técnica llevada a cabo con la voz de Solís, aún en vida, aunque esto no lo sabrían algunos fanáticos del cantante sino varios años después, gracias a los avances en las técnicas de computación y multimedios que permitieron hacer la comparación posterior. Al año siguiente (1960), en una nueva gira en Estados Unidos, emprende un proyecto muy diferente pues graba boleros con acompañamiento de orquesta de estudio dirigida por quien después sería su amigo, el músico estadounidense Chuck Anderson. Este álbum fue denominado Javier Solís en Nueva York y tenía como fin, según palabras del cantante, ponerlo al nivel de otros artistas de géneros románticos demostrando su versatilidad. Este disco tardaría un tiempo en salir al mercado, debido a la aceptación del cantante como artista del género ranchero. En 1962 y 1963 graba dos de sus discos más célebres: "Fantasía Española" y "Trópico", con canciones del compositor Agustín Lara, convirtiéndose así en uno de sus mejores intérpretes. Con las interpretaciones de Javier Solís inicia una nueva era para la música de mariachi dejando atrás los sones y la temática campirana para incorporar la lírica urbana y las adaptaciones de canciones latinoamericanas, logrando refrescar el género y el interés del público por la música ranchera. 

 Al iniciarse el año de 1966, Solís emprende un nuevo proyecto discográfico grabando algunas de las canciones más conocidas de los compositores puertorriqueños Rafael Hernández y Pedro Flores. Sin embargo, debido a sus padecimientos de salud, sólo alcanzó a poner la voz a ocho de las pistas preparadas del nuevo álbum, aunque llegó a terminar su otro álbum Javier Solís Con Orquesta. Por consejo médico, el 12 de abril de ese año, Solís fue hospitalizado en el hostpial Santa Elena en la colonia Roma de la Ciudad de México para operarse de la vesícula biliar. De acuerdo a su acta de defunción falleció a las 5:45 a.m. del 19 de abril por fallo cardíaco a consecuencia de desquilibrio electrolítico producido por la colecistectomía. Sin embargo, hasta el momento, se han recogido 4 diferentes versiones de su enfermedad y fallecimiento, sin que se tenga por válida ninguna de ellas. Una de estas versiones, la más difundida, dice que luego de su operación, el artista desoyó la prohibición médica de tomar agua fría, lo cual le produjo un paro cardíaco. Otra versión afirma que fue operado de apendicitis, pero que una pinza fue dejada en su organismo, lo cual ocasionó su muerte. En otra se indica que los padecimientos de Solís eran prostáticos. 

Finalmente, su amigo, el ya fallecido músico y arreglista estadounidense Chuck Anderson, decía que luego de su operación, el artista lo visitó el día 18 y le manifestó que le habían dado de alta, que se sentía bien y que en la noche asistiría a una fiesta. Al día siguiente, Anderson se enteró de la repentina muerte del artista. El 20 de abril, en medio de manifestaciones de dolor su cuerpo fue inhumado en el lote de actores del Panteón Jardín de la Ciudad de México, donde han permanecido sus restos desde entonces. Poco después, la disquera presentó las canciones dejadas por Solís, añadiéndoles a las pistas de estas interpretaciones recitados escritos por el actor Ángel Fonfrías y declamados por el ya fallecido actor y locutor Guillermo Portillo Acosta. Este último álbum fue denominado Homenaje Inconcluso A Rafael Hernández y Pedro Flores, el cual tuvo tales ventas que años después fue digitalizado. Ese mismo día en varias estaciones de radio del país se entonaron sus mejores temas como Amigo Organillero, Sombras, Las rejas no matan, En mi viejo San Juan a manera de homenaje, en la XEW estación a la que se atribuye haber sido la primera emisora en revelar alrededor de las 7:00 horas el deceso del cantante causando gran conmoción en la población y de sus seguidores.

JAVIER PORTALES


Actor cómico de cine, teatro y televisión

Javier Portales, cuyo nombre real era Miguel Ángel Álvarez (Tancacha, Córdoba, 21 de abril de 1937 -Buenos Aires, 14 de octubre de 2003) fue un actor cómico argentino de vasta trayectoria. 

Empezó a trabajar de muy joven en teatro, luego ingresó en televisión donde protagonizó una obra que trata sobre las desventuras de un grupo de jóvenes en la época escolar, "Quinto Año Nacional" de Abel Santa Cruz; junto a Santiago Gómez Cou y Julio de Grazia. Pero fue en el año 1964 cuando hizo un giro importante en su carrera cuando ingresó en el programa Operación Ja-Já donde se integró a la mesa de notables compuesta por Fidel Pintos, Juan Carlos Altavista (Minguito), Adolfo García Grau y Jorge Porcel. En el mismo programa conoció a quien sería su compañero entrañable en la televisión, Alberto Olmedo, con quién realizaría el recordado sketch Borges y Álvarez en el programa No Toca Botón, a mediados de los '80. Javier Portales, Jorge Porcel y Alberto Olmedo. Portales y Olmedo junto a Jorge Porcel protagonizaron una serie de éxitos tanto en el cine como en los shows humorísticos musicales que hicieron en televisión durante las décadas del '70 y '80. 

Portales se consagró definitivamente durante la década del '90 en telecomedias de tono familiar como "Son de diez" y "Un hermano es un hermano" (en esta última junto a Guillermo Francella). En sus últimos años sufrió un marcado deterioro en su salud, a tal punto de quedar postrado en una silla de ruedas. 

 Javier Portales también escribió una obra de teatro que llamó "La sartén por el mango". Fue dirigida por Manuel Antín y durante la última dictadura militar argentina fue prohibida. De esta obra se hizo una película, cuyo actor principal era Claudio García Satur. Otros actores que participaron en el film fueron Alberto Argibay (ya fallecido) y Víctor Laplace.

J.T. WALSH


Actor

James Thomas Patrick Walsh (J.T.Walsh), 28 de septiembre de 1943, San Francisco (California) - 27 de febrero de 1998, Lemon Grove California, fue un actor estadounidense. 

 Entre sus películas están Negociador, Pleasantville y Nixon. La mejor actuación como un secuestrador en la película Breakdown junto a de Kurt Russell Oscar Hinostroza The FilmImformer México. En esta película, Breakdown, la actuación de J.T. Walsh ha sido única e incomparable con otros papeles, pero en este caso pocos habrían interpretado un papel de secuestrador. Repitió un papel similar en la película Negociador como el Inspector Terence Niebaum'

IGNACIO QUIRÓS


Actor de teatro, cine y televisión

Ignacio Quirós cuyo nombre real era José Ignacio Ramírez Meléndez fue un actor argentino de cine que nació en 1931 en la ciudad de Vigo, provincia de Pontevedra, Galicia, España y falleció de cáncer en la ciudad de Buenos Aires, Argentina el 12 de diciembre de 1999, país donde residía desde los 6 años y donde había desarrollado toda su carrera actoral. 

El futuro actor, apelado Nacho, fue traído a Buenos Aires en 1937 por su padre, Ignacio Rodríguez Quirós, un ingeniero que quería alejarse de los fragores de la Guerra Civil Española. Hizo sus estudios primarios y secundarios y se inscribió en la Facultad de Medicina, pero en el curso de su segundo año allí, a instancias de Enrique Borrás, uno de los más importantes dramaturgos de aquella época, se vinculó con un elenco que ofrecía representaciones en la Facultad de Arquitectura, donde comenzó a actuar en papeles secundarios. 

Posteriormente integró el elenco del Instituto de Arte Moderno -dirigido por Marcelo Lavalle-, donde puso de manifiesto sus dotes para el drama. Era un intérprete sensible y apasionado que sabía dar el tono justo a cada personaje y así se le vio en Esquina peligrosa, de Priestley; Verano y humo, de Tennessee Williams; Las brujas de Salem , de Arthur Miller; El hombre de mundo, de Ventura de la Vega, y, sobre todo, en Calígula, de Albert Camus.

Su carrera tomó nuevo impulso en 1955 al ser contratado para representar en el Teatro Presidente Alvear el papel central de la obra Y la respuesta fue dada, de Malena Sandor. A ella le siguieron sus actuaciones en Keen, Las picardías de Scapin, representada en el teatro al aire libre de Caminito; Ondina, El límite, El living-room y Dos en el sube y baja, pieza esta última cuyo éxito tuvo especial significación en su carrera. En 1966 fue uno de los actores convocados para participar en la Comedia Nacional y trabajó en El jardín de los cerezos de Antón Chejov en una puesta de Jorge Petraglia que obtuvo críticas muy favorables.

 En 1968 se incorporó a la compañía de Manuel de Sabatini y participó en la obra La decente de Miguel Mihura junto a María Concepción César y Olinda Bozán. La versatilidad de Quirós se continuó evidenciando en las obras en las que continuó participando: Cristóbal Colón, de Niko Kazantzakis; Marat-Sade, de Peter Weiss; Pepsie, en la que además cantó y bailó; El extraño clan, de Mart Crowey y, en 1985, Tu cuna fue un conventillo, el sainete de Alberto Vacarezza.

 Ya en 1960 Quirós trabajó en un teleteatro vespertino junto a María Aurelia Bisutti. En 1972 actuó en el ciclo Historias inquietantes con libros de Osvaldo Dragún juntó a Irma Roy y un elenco rotativo por Canal 9. En 1976 participó en la adaptación de Extraño interludio de Eugene O'Neill trasmitido en nueve capítulos por canal 13. En 1978 Quirós reemplazó a José Slavin, fallecido a fin del año anterior, en la serie División Homicidios en el papel del Inspector Baigorri. Otro programa en el que recuerda su participación fue el teleteatro Malevo.

Dueño de una gran fotogenia que sumó a su ya firme trayectoria teatral, hizo su debut cinematográfico en 1957 en el filme Cinco gallinas y el cielo, de Rubén Cavallotti. Luego vinieron El jefe, dirigida por Fernando Ayala, y En la ardiente oscuridad, de Daniel Tinayre. Más adelante, otros trabajos entre los que cabe citar su participación en La patota , Los guerrilleros, Nadie oyó gritar a Cecilio Fuentes, Bajo el signo de la patria en la cual dirigido por René Mugica, personificó a Manuel Belgrano; Comedia rota y Contragolpe hasta completar casi treinta películas. En radio participó en Las dos carátulas, un programa que transmite semanalmente una obra completa de teatro. En 1988, cuando actuaba en Mar del Plata en la obra Cosquillas, debió ser internado por problemas cardiovasculares. 

A fines de 1999, aquejado por un cáncer fulminante, fue llevado al Hospital Alemán, donde falleció el 12 de diciembre de 1999. Sus restos recibieron sepultura en el panteón de la Asociación Argentina de Actores, en el cementerio de la Chacarita.

JACK LEMMON


Jack Lemmon (John Uhler Lemmon III) (Newton, Massachusetts, EE. UU., 8 de febrero de 1925 - Los Ángeles, California, EE.UU., 27 de junio de 2001) fue un actor de cine estadounidense. Fue ganador del Premio Óscar al mejor actor de reparto 1955 por la película Mister Roberts (1955), de John Ford, y del Óscar al mejor actor 1974 por su interpretación en la película Salvad al tigre (1973), de John G. Avildsen. 

 El actor comienza a asomarse a las pantallas en la década de 1950, en colaboración con el realizador Richard Quine, con roles secundarios en clásicos como Marino al agua (1953) junto a Mickey Rooney y Dick Haynes, un musical de marineros que oscila entre la comedia y el drama, y remite lejanamente a Un día en Nueva York; Mi hermana Elena (1955) secundando a Janet Leigh, Operación gran baile (1957), comedia de ambiente militar donde Lemmon actúa su primer papel de co-protagonista, junto a Dirk York; y Me enamoré de una bruja (1958) con James Stewart, Kim Novak y Elsa Lanchester. El actor va ampliando su registro en otros títulos como La rubia fenómeno (1954), con Judy Holliday y Charles Bickford, de George Cukor; Pfhht!, comedia musical de Mark Robson; Fuego escondido (1957) con Robert Mitchum y Rita Hayworth; Cowboy (1958) con Glenn Ford, dirigido por Delmer Daves; y Con faldas y a lo loco (1959), junto a Tony Curtis, Marilyn Monroe, George Raft y Joe E. Brown, en una parodia del cine de gánsteres, que supone su primer y decisivo encuentro con el realizador Billy Wilder. 

 La década de 1960 va a suponer su gran momento de popularidad y de reconocimiento por parte de la crítica: El apartamento (1960), junto a Shirley MacLaine y Fred MacMurray, con la música de Adolph Deutsch, pone de relieve la maestría de este actor para dominar los matices de un personaje tan sencillo, como rico en matices, que se deja arrastrar en su afán de no desairar a sus superiores en la empresa en que trabaja. Película y guion lograron un Óscar, a la dirección artística, la fotografía en blanco y negro. Su siguiente película importante es Días de vino y rosas (1960) de Blake Edwards, uno de los grandes clásicos del melodrama sobre el alcoholismo, junto a Lee Remick y Charles Bickford. Luego protagonizó la comedia La misteriosa dama de negro (1962), nuevamente con el director Richard Quine y Kim Novak. En 1966 Jack Lemmon se unió a Walter Matthau por primera vez, para llevar al cine la obra teatral de Neil Simon adaptada por Gene Sacks: La extraña pareja. Este film les convierte en estrellas, y les lleva a repetir dúo en varias ocasiones, en los filmes de Billy Wilder En bandeja de plata (1968); Primera plana (1974) (realizando una nueva versión de la obra de Ben Hecht ya llevada al cine en 1931 por Lewis Milestone como Un reportaje sensacional y en 1940 por Howard Hawks como Luna nueva), y en Aquí un amigo (1981) y La extraña pareja otra vez (1998). Las décadas de 1970 y 1980 inician la madurez interpretativa del actor, con incursiones en un cine más comprometido y dramático que antaño: El prisionero de la segunda avenida (1975), de Gene Sacks, junto a Anne Bancroft. 

Fue nominado de nuevo al Óscar por su papel en Desaparecido de (Costa-Gavras, 1982), basado en la historia real del periodista estadounidense Charles Horman, que, tras desaparecer durante el golpe de estado de Augusto Pinochet en Chile, es buscado por su padre (papel interpretado por Lemmon). Asimismo, Lemmon realizó destacadas interpretaciones teatrales Long day's journey into night (1986), y televisivas El asesinato de Mary Phagan, W. Hale, (1988). En 1996 le fue otorgado el Oso de oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín por el conjunto de su carrera. 

Jack Lemmon murió el 27 de junio de 2001 en Los Ángeles (California) como consecuencia de un cáncer de colon. Está enterrado en el Westwood Village Memorial Park Cemetery, en Westwood (Los Ángeles), muy cerca de las tumbas de Walter Matthau y Billy Wilder. Su epitafio reza, simplemente, "Jack Lemmon in" (en español, "Jack Lemmon está aquí"). 

JACK KLUGMAN


Jack Klugman nació el 27 de abril de 1922, es un actor estadounidense. 

 Nacido en Filadelfia EE.UU.. Comenzó su carrera de actor después de servir en el ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Asistió a la Universidad Carnegie Mellon donde se graduó en 1948. Klugman protagonizó varias películas clásicas como 12 Angry Men (1957), -es el único de los doce que aún vive- Days of Wine and Roses (1962) y Goodbye, Columbus de (1969). También es conocido por sus papeles en comedias, para el cine el teatro y la televisión.

Klugman es mejor conocido por su papel del compañero de habitación de Tony Randall, Oscar Madison, en la comedia escrita por Neil Simon The Odd Couple, que se emitió en la televisión estadounidense durante la década de 1970, y por su papel protagonista en Quincy, M.E., 1976 - 1983. Como actor invitado pasó por Alfred Hitchcock Presenta, Gunsmoke, The Untouchables, Twilight Zone, The Fugitive, The Love Boat y muchas más, también protagonizó las series Harris Against the World (1964-65), You Again? (1986-87). En 1993 protagonizó junto a Tony Randall la película The Odd Couple: Together Again, donde interpreta nuevamente el papel de Oscar Madison. 

JACK HAWKINS


Jack Hawkins, CBE (n. el 14 de septiembre de 1910, en Wood Green, Londres - 18 de julio de 1973) fue un actor británico que tuvo gran éxito entre las décadas de 1950 y 1960. 

 Era el menor de cuatro hijos. Su padre era constructor, pero Jack se interesó más en la interpretación que en el negocio familiar de la construcción. Hawkins debuta en Londres a la edad de 12 años en el papel de Elf King, en la obra teatral Where The Rainbow Ends. A los 17 vuelve a actuar en la misma obra, pero en el papel de St. George. A los 18, actúa en Broadway en Journey's End. A los 21, en Londres, hace el papel de un joven amante en Autumn Crocus. En 1927 aparece en la película sonora de Alfred Hitchcock The Lodger. Debido a la Segunda Guerra Mundial, Jack interrumpe su carrera para servir en los "Reales Fusileros de Gales", y con el grado de Coronel, pasa gran parte de su servicio organizando la ENSA en la India y coordinando el entretenimiento de las tropas británicas en dicho país. Al término de la guerra logra reanudar una sólida carrera en el cine, a menudo desempeñando roles autoritarios pero de poca importancia, en películas como One Five (1952), The Long Arm (1956) y The Cruel Sea (1953), donde interpreta al capitán George Erickson de la Corveta HMS Compas Rose, en uno de sus más importantes papeles, convirtiéndose así en estrella. Por esta misma época fue, junto con Vittorio de Sica, Dan Dailey y Richard Conte, una de las cuatro estrellas de las series de TV que produjo J. Arthur Rank. Alexander Korda aconseja a Jack que trabaje en el cine y le ofrece un contrato de 3 años. 

Irónicamente, Hawkins era liberal y hombre emotivo, en marcado contraste con su apariencia conservadora en la pantalla. Hacia finales de la década de 1950 Hawkins desempeña papeles de carácter, a menudo en películas épicas como The Bridge on the River Kwai (1957), Lawrence of Arabia (1962), en el papel del General Edmund Allenby, y Oh! What a Lovely War (1969). En El puente sobre el Río Kwai, Hawkins tuvo que convencer a su gran amigo Alec Guinness para que aceptara el papel del coronel Nicholson, rol que llevó a Guinness a ganar el Óscar al Mejor Actor. Algunas de sus interpretaciones más inusuales incluyen la de un faraón egipcio en Land of the Pharaohs (1955); Quintus Arrius, padre adoptivo de Ben-Hur en la película del mismo nombre (1959), papel por el que se le considera para el Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto, que finalmente ganó su compañero Hugh Griffith; Zulú (1964), donde hace el papel del reverendo fanático Otto Witt. Hawkins conoció a su primera esposa, Jessica Tandy, en la producción de Autumn Crocus y se casó con ella en 1932; tuvieron una hija y se divorciaron en 1942. Su segunda esposa fue Doreen Lawrence, a quien conoció durante la producción de Private Lives; este enlace duró de 1946 hasta 1973, año en que muere Hawkins. 

En 1966 se le diagnostica cáncer de garganta y se le tuvo que extirpar completamente la laringe; posteriormente sus interpretaciones fueron dobladas, con su aprobación, por el actor Charles Gray. La pérdida de la voz fue algo muy grave para él, pues su voz de barítono tenía un acento culto. En privado, hizo uso de una laringe artificial para hablar. Hawkins muere en Londres, en 1973, durante una operación para una laringe artificial. Tenía 62 años

JACK ELAM


William Scott "Jack" Elam (13 de noviembre de 19201 - 20 de octubre de 2003) fue un actor estadounidense conocido por sus numerosos papeles de villano en películas del género western y, en sus últimos años de carrera, por su trabajo en comedias (en ocasiones mofándose de su imagen de malvado). 

 Nacido en Miami (Arizona), sus padres eran Millard Elam y Alice Amelia Kerby. Kerby falleció en 1924, cuando Jack tenía cuatro años de edad. En 1930 Elam vivía con su padre, su hermana mayor, Mildred, y con su madrastra, Flossie (Varney). Elam se dedicó a la cosecha del algodón en su juventud, y perdió la vista en su ojo izquierdo al clavársele en el mismo un lápiz durante una reunión de los Boy Scouts de América. Estudió en la Miami High School, en el Condado de Gila, y en la Phoenix Union High School, ésta en el Condado de Maricopa, graduándose en la última a finales de los años treinta. Después estudió en el Santa Monica College, en California, y posteriormente trabajó como contable en Hollywood, siendo uno de sus clientes el productor cinematográfico Samuel Goldwyn. Además, llegó a dirigir el Hotel Bel Air de Los Ángeles. 

 Jack Elam debutó en el cine en 1949 con el film She Shoulda Said No!, una película exploitation sobre una corista fumadora de marihuana. Su trabajo se llevó a cabo principalmente dentro de filmes western y de gangsters, en los cuales interpretaba a malvados. En 1961 Elam encarnó a un alocado personaje en un episodio de The Twilight Zone, "Will the Real Martian Please Stand Up?". En 1963 tuvo la rara oportunidad de interpretar a uno de los buenos cuando se le ofreció el papel del ayudante de marshal J.D. Smith en la serie televisiva The Dakotas, un show western del cual se emitieron 19 episodios. Además, fue un excéntrico secuaz de John Wayne en la película de Howard Hawks Río Lobo (1970), y Elam rodó su primer papel de comedia en Support Your Local Sheriff!, disminuyendo a partir de ese momento sus papeles de malvado e incrementándose los papeles cómicos. En 1985 Elam encarnó a Charlie en The Aurora Encounter.

Durante el rodaje de esta película entabló una duradera amistad con un chico de once años de edad llamado Mickey Hays, y que sufría progeria. En el documental I Am Not A Freak puede verse cuán cercanos estaban el uno del otro. En 1994 se incluyó a Elam en el Hall of Great Western Performers del National Cowboy and Western Heritage Museum.

Elam se casó dos veces, y tuvo dos hijas, Jeri Elam y Jacqueline Elam, y un hijo, Scott Elam. Jack Elam falleció en 2003 en Ashland (Oregón), a causa de una insuficiencia cardiaca. Sus restos fueron incinerados.