viernes, 26 de octubre de 2012

LUIS MIGUEL


Cantante, Productor, Compositor

Luis Miguel Gallego Basteri (San Juan, 19 de abril de 1970) es un cantante, productor y compositor mexicano nacido en Puerto Rico, de padre español y madre italiana. Es reconocido por ser uno de los cantantes latinoamericanos más populares de la historia. Ha interpretado con éxito la música pop, funk, big band el bolero, el mariachi y la balada romántica. Su estrellato comenzó desde los años ochenta. Luis Miguel ha ganado diez premios Grammy: seis otorgados por la academia estadounidense y cuatro premios Grammy Latinos. Es uno de los cantantes latinos más reconocidos por la academia estadounidense de la grabación y el más joven en obtener el premio, esto a los quince años de edad por un dueto con la cantante escocesa Sheena Easton en el tema «Me gustas tal como eres». Es llamado "El Sol de México" en América Latina y España. Ha vendido más de cien millones de discos en su carrera.   Luis Miguel Gallego Basteri nació en el centro hospitalario San Jorge en San Juan, Puerto Rico durante una breve estancia de sus padres en el país. Es el mayor de los tres hijos de la pareja formada por el cantante español Luisito Rey (Luis Gallego Sánchez) y la actriz italiana Marcela Basteri, sus hermanos son Alejandro (dos años menor) y Sergio. Debido a la profesión de su padre, su familia radica en México, donde adquirió, posteriormente, su nacionalidad en 1991. Estudió hasta quinto grado en una escuela, pero debido su incursión en los medios artísticos siguió su educación con profesores particulares. Su padre, cuya carrera declinaba, decide de lleno dedicarse a él, acompañándolo con la guitarra y buscando que su hijo debutara en televisión, para de ahí pudiera firmar un contrato discográfico. Debutó como cantante exitosamente en la boda de la hija del entonces presidente de México José López Portillo en 1981, gracias al apoyo del entonces jefe de la policía de la Ciudad de México Arturo Durazo Moreno. El éxito en esta actuación fue tan notorio, que un mes después Luis Rey conversó con ejecutivos de la sede mexicana de la disquera EMI que le ofrecieron el deseado contrato discográfico a su hijo en 1982. En esta nueva etapa, Luis Miguel pudo grabar su primer álbum en 1982, a los 12 años de edad, titulado 1+1=2 enamorados. 
Luis Miguel rara vez concede entrevistas y rara vez asiste a ceremonias de premiación. Prefiere mantener su vida personal en privado, por lo que se ha convertido en el cantante más buscado por la prensa latinoamericana y española. La mayoría del tiempo se encuentra acompañado por un estrecho equipo de seguridad y es transportado en varios vehículos para distraer a paparazzis y reporteros. Es reconocido por su gusto por la alta cocina y por ser un sommelier autodidacta. Lanzó su propio vino llamado "Único. Luis Miguel", un Cabernet Sauvignon. Luis Miguel es padre de tres hijos: Michelle, que nació el 13 de junio de 1989 de su relación con Stephanie Salas; Miguel, nacido el 1 de enero de 2007 y Daniel, que nació el 18 de diciembre de 2008, frutos de su relación con la actriz Aracely Arámbula

martes, 16 de octubre de 2012

LUCIO DALLA


Cantautor

Lucio Dalla (Bolonia, 1943 - Montreux, 2012) fue un cantautor italiano con 50 años de actividad artística. [editar]Biografía Su carrera comienza como clarinetista en un grupo de jazz romano del que forman parte, también, Fabrizio Zampa y Massimo Catalano. Es descubierto por Gino Paoli, que lo convence para iniciar su carrera como solista. Su debut resulta polémico, y en múltiples ocasiones le lanzan objetos al escenario debido a sus propuestas audaces para la época y a su look transgresivo. En cualquier caso, la provocación forma parte del estilo de Dalla. Su primer álbum, titulado 1999 alterna piezas de carácter extravagante y escaso valor musical con pequeñas joyas, como Tutto il male del mondo, la canción más elaborada musicalmente de este trabajo. Posteriormente, como otros divos de la época, aguará el vino de su producción artística para sobrevivir musicalmente. A pesar de ello, crea piezas de gran calado musical como Lucio dove vai e Il cielo. Abrirá posteriormente una nueva década con el álbum Terre di Gaibola, que contiene varias piezas destacadas (Il fiume e la città, Orfeo bianco, Non sono matto y África). Cerrará esta su primera etapa con un álbum de escaso valor, 4 marzo de 1943, con evidentes cesiones comerciales (de este disco sale la canción del mismo nombre del disco 4 marzo de 1943 (que grabó en español, bajo el título "Un Niño llamado Jesús"). Acontece entonces una benéfica ruptura en la trayectoria de Dalla, al asociarse al poeta boloñés Roberto Roversi, iniciando una colaboración que durará cuatro años y tres álbumes. El controvertido disco Automobili resultará un éxito de ventas. De este álbum Roversi se distancia parcialmente, firmándolo con el seudónimo Norisso. Frustrado por una colaboración artística, con Roversi, que entra en crisis inmediatamente después de dar lugar a sus más elevados frutos, Dalla decide convertirse en el único referente de su música, y desde entonces será el compositor, letrista, arreglista y principal músico en todas sus obras, a la vez que se rodea de un núcleo de músicos boloñeses que confluirá en parte en la creación de los Stadio de los excelentes guitarristas Jimmy Villotti y Ricky Portera. Esta etapa se caracteriza por la fuerte necesidad de Dalla de contar y contarse. Se puede resumir esta época del autor con la canciones Anna e Marco, Futura y Caruso (esta última hecha años después fuertemente conocida, incluso en España, por Luciano Pavarotti). El estilo poético de Dalla como letrista es, en varios aspectos, antitético al de los cantautores convencionales, sin pretensiones de erudición ni de formalismo, jugando a veces con alegría y a veces con inquietud con la lengua cotidiana. La fascinación por el mar, que llegará a cumbres casi freudianas en la magnífica Nun parlà; el gusto por el cultivo de una afectividad aún adolescente (Stella di mare o Futura); los desconcertantes pasos de lo dramático a lo cómico son algunas de las características de sus letras, a la vez que sus músicas resultan cada vez más cantables y fascinantes. Durante al menos diez años, Dalla pone de acuerdo a público y crítica como quizás tan solo Battiato había sido capaz de hacer. Varios cantautores de la generación posterior son explícitos deudores suyos (Carboni, Bersani, Grignani, Antonacci... colaboraciones con De Gregori, y ecos de Dalla en Rossi, Fornaciari y Ligabue). Pasado el hito del medio siglo, Dalla entra en un crepúsculo dorado, abandona los histrionismos y acepta con sabiduría popular las consecuencias de la edad. En el último decenio, sus álbumes pierden su impacto sorprendente y original y se convierten en excelentes muestras de canción de autor. El Dalla actual es un artista aún vital que consigue no convertirse en un icono de sí mismo y a continuar proponiendo una música emocionante y plenamente suya. En 2004 participa en el disco colectivo "Neruda en el corazón" que celebra el centenario de Pablo Neruda. Falleció el 1 de marzo de 2012, tres días antes de cumplir 69 años debido a un infarto. Su cuerpo fue encontrado por su compañero, el actor Marco Alemanno, con el que vivía desde hacía años. Tras su muerte se hizo pública en los medios de comunicación italianos su condición de homosexual, abriendo un debate sobre lo que supone en Italia ser homosexual

LITTO NEBBIA


Cantante, Compositor

Litto Nebbia, cuyo nombre legal es Félix Francisco Nebbia Corbacho (Rosario 21 de julio de 1948) es un renombrado cantante y compositor de rock argentino, considerado como uno de los fundadores del rock en español. Su canción La Balsa (1967) (en coautoría con Tanguito), interpretada por su banda Los Gatos, desató el éxito masivo del rock en español en Argentina y ha sido considerada la mejor canción rock de la historia argentina, por la revista Rolling Stone y la cadena MTV. A fines de la década del 70 fundó el sello independiente Melopea. Ha publicado más de cien álbumes.

LUIS ALBERTO SPINETTA


Cantante, Guitarrista, Poeta, Compositor

Luis Alberto Spinetta (Buenos Aires, 1950 -  2012), conocido como El Flaco, fue un cantante, guitarrista, poeta y compositor argentino de rock, considerado de los más importantes en su país. La gran complejidad instrumental, lírica y poética de sus obras le valió el reconocimiento en Latinoamérica y en el mundo entero. Es considerado uno de los padres del rock argentino y precursor del rock latino. Fue líder del grupo Almendra, considerada como una de las bandas fundadoras del rock nacional argentino, así como de Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade y Spinetta y los Socios del Desierto. En sus letras hay influencia de escritores, poetas, artistas y pensadores como Rimbaud, Van Gogh, Jung, Freud, Niestzsche, Foucault, Deleuze, Castaneda y Artaud. En 2009, ganó el Gardel de Oro, el premio musical más importante de ese país. Su álbum Artaud, fue considerado por la revista Rolling Stone como el mejor de la historia del rock argentino. Además, otros ocho de sus álbumes fueron incluidos también en la lista de los 100 mejores (Almendra I, Pescado 2, Kamikaze, El jardín de los presentes, Almendra II, La la la con Páez, Invisible y Bajo Belgrano). Su canción «Muchacha (ojos de papel)» fue considerada en 2002 por la revista Rolling Stone y la cadena MTV como la segunda mejor canción de todos los tiempos del rock argentino y la 28.ª del rock hispanoamericano, por el sitio Rock en las Américas. Las siguientes canciones de su autoría también han sido consideradas entre las 100 mejores del rock argentino: «El anillo del Capitán Beto», «Maribel se durmió», «Me gusta ese tajo», «Cantata de puentes amarillos», «Rutas argentinas», «El monstruo de la laguna», «Canción para los días de la vida», «Resumen porteño» y «Seguir viviendo sin tu amor» (Rolling Stone-MTV y Rock.com.ar). En 2009 festejó sus 40 años de trayectoria con un mega recital bajo el título de Spinetta y las Bandas Eternas, que duró cinco horas y media y que convocó a 40 mil personas en el estadio de Vélez Sarsfield, en el que el músico reunió a todas las bandas de su carrera y a los principales músicos de rock de la Argentina. Dicho recital fue considerado el recital de la década, un año más tarde. Falleció el 8 de febrero de 2012, a los 62 años. Sus cenizas fueron arrojadas al Río de la Plata, siguiendo la última voluntad del músico, al lado del Parque de la Memoria de Buenos Aires construido para recordar a los desaparecidos en la última dictadura militar

LEO MARINI

Cantante, Actor 

Alberto Batet Vitali (Mendoza, Argentina, 1920 –  2000) cantante y actor argentino, más conocido como Leo Marini, también apodado "La voz que acaricia". A comienzos del año 1993, diferentes molestias lo hicieron consultar a un facultativo quien le detectó un cáncer de próstata. El cantante, quien atravesaba una situación económica difícil tenía que cumplir con algunos contratos artísticos para pagar el tratamiento. Aun así, en 1995 asistió a un homenaje que se le brindó en Buenos Aires y del cual fue realizado un disco compacto. A pesar del tratamiento, el cáncer hizo metástasis en su organismo, falleciendo a los ochenta años de edad, en Mendoza el domingo 15 de octubre del año 2000. Cinco días más tarde, falleció su esposa.

LUIGI TENCO


Cantautor y poeta

Luigi Tenco (21 de marzo de 1938, Cassine, provincia de Alessandria, Italia - 27 de enero de 1967, San Remo, provincia de Imperia, Italia); fue un cantautor y poeta italiano.  En 1965, después de varias prórrogas, se incorporó al servicio militar, buena parte del cual pasó en diversos hospitales. En 1966 firma un contrato con la RCA y graba Un giorno dopo l'altro, que se convierte en música de la serie de televisión Il commissario Maigret. Otros sucesos de la época son Lontano lontano, Uno di questi giorni ti sposerò, E se ci diranno y Ognuno è libero. Conoce en Roma a la cantante ítalo-francesa Dalida, con la que vivirá, según algunas fuentes francesas, una historia de amor. No obstante, su verdadera relación con Dalida es muy discutida. Según algunas fuentes italianas esta relación no fue nada más que una relación de trabajo y su verdadero amor fue Valeria. 

En 1967 se presentó al Festival de San Remo con la canción Ciao amore ciao, pero la canción no fue admitida por la comisión del festival. Rechazada también en la repesca, el cantante cayó en la desolación. Se encerró en su habitación del Hotel Savoy y se suicidó de un disparo en la cabeza. Las verdaderas razones de su suicidio son desconocidas y, quizás no se sepan nunca. Pero parece que una de las razones probables fueron sus relaciones "difíciles" con Valeria (otra razón a menudo mencionada era su fracaso en el Festival de San Remo). Después de su muerte, en una de las entrevistas, Dalida dijo: "Es una pantalla que ahora quieren tender. Quieren crear una imagen del ídolo que no soporta el fracaso y se mata. La verdad es muy otra. Creo que la verdad de esta muerte injusta la saben Dios y esa muchacha que no supo cuan enamorado estaba Luigi de ella." Por otro lado, de las cartas de Luigi a Valeria: "Ho tentato in tutti i modi, ho passato delle notti intere (aspetta un attimo!) a bere, a cercare di farle capire chi sono, cosa voglio, e poi... ho finito col parlarle di te, di quanto ti amo". (Se trataba de "fare capire" a Dalida). Años después de su muerte, se creó en su pueblo natal el Club Tenco, en su memoria, que preserva su legado y su vida, y hoy se celebra un festival anual de la canción italiana en dialectos, que lleva su nombre.

LUIS AGUILÈ


Cantante, Compositor de música pop

Luis María Aguilera Picca (Buenos Aires, Argentina, 24 de febrero de 1936 - Madrid, España, 10 de octubre de 2009), conocido artísticamente como Luis Aguilé, fue un cantante y autor de música pop. Activo desde los años cincuenta, y siendo ya famoso en toda Latinoamérica, se estableció en 1963 en España. Grabó más de 800 canciones, la mitad de ellas de su autoría, y algunas se han convertido en estándares de la música popular en castellano, como Cuando salí de Cuba, quizá su canción más conocida, grabada por muchos otros artistas. También compuso canciones para niños y publicó varios libros. 

 Luis María Aguilera nació el 24 de febrero de 1936 en Buenos Aires, capital de Argentina. En su ciudad natal combinó sus primeras actuaciones como cantante, en reuniones y fiestas familiares, con su trabajo en la Casa Central del Banco de la Provincia de Buenos Aires. En 1951, con tan sólo quince años, consiguió su primer contrato, en la Maison Doré, lujoso salón de fiestas porteño, y empezó a trabajar en la radio. A los 20 años, en mayo de 1956, se presentó en el concurso de televisión Music-Hall logrando un enorme éxito. Poco después grabaría su primer disco, con la discográfica Odeón, un sencillo con los temas El preso número nueve y Tu recuerdo, dos rancheras donde canta acompañado por Ángel Pocho Gatti y su conjunto. Poco después, edita su primer LP, Luis Aguilé, con diez temas (Gigí, Linda nena, Mujer tejedora, Tiro Liro Liro, Pancho López, Qué será será, Luna bonita, Luna Azul y El alegre silbador). A este trabajo siguieron Canta la juventud de América en 1958, con sencillos editados previamente (De azul pintado de azul, No me dejes nunca, No me abandones, Pequeñísima serenata, Dime algo cariñoso, Lulú (sin embargo), La cinta verde, Llueve afuera, Domani, Hay una mujer, El preso número nueve y Queremos Minué) y Luis Aguilé, Vol. 3 en 1959 (Julia, Regresa a mí, Bonita, Venus, Marina, Amémonos así, Mira qué luna, Llueve, Pity Pity, Para siempre, La canción que te gusta a ti e Ío) que fue todo un éxito en Argentina y le dio a conocer en todo el mundo hispanoamericano. En 1960 graba Luis Aguilé, Vol. 4 (Déjenme en paz, Te llevo bajo mi piel, Yo sé, La pachanga, Al claro de luna, Ya ves, así pienso yo, ¡Ay, Chabela!, La balanza, Arrivederchi, Mi espíritu, La montaña y Castillo de piedra). La balanza es el primer tema escrito por él mismo que grabó. Después de este disco, Aguilé tuvo su primer contacto con España, cuando actuó en el Festival para la juventud celebrado en el Palacio de los Deportes de Barcelona, presentado por el popular locutor radiofónico Luis Arribas Castro. En el evento actuó junto al Dúo Dinámico, José Guardiola y Gelu, entre otros. En 1962 protagoniza con Mariquita Gallegos, con quien mantuvo un romance, la película La chacota y al año siguiente se establece definitivamente en España, donde tiene un gran éxito con el tema Dile, considerada una de las primeras canciones del verano. En su nuevo país de residencia, que le concedió la nacionalidad española en 1990, se convertiría en un personaje muy popular, con constantes apariciones en televisión en programas como Amigos del lunes y Gran parada, siendo conocido por sus coloridas corbatas y su particular dicción afrancesada, lo que le haría ser imitado en años posteriores por humoristas como Martes y Trece o Fernando Esteso. A mediados de los años sesenta deja Odeón tras grabar varios elepés y ficha por CBS, grabando a partir de ese momento sobre todo temas propios. En 1968 crea su propio sello discográfico, desempeñando labores de productor. Tras estrenar en 1972 la comedia musical Una gran noche, presentó el programa de televisión Llegada Internacional, entre 1973 y 1974. En 1976 se casa con la española Ana Rodríguez Ruiz. Entre 1978 y 1979 vuelve a televisión, presentando El hotel de las mil y una estrellas y en los años ochenta trabaja como asesor musical del programa Un, dos, tres... responda otra vez. Para 1986, firma contarto en México con el entonces empresario y banquero Jorge Lankenau para crear el Himno de los Rayados de Monterrey, equipo regional de futbol del cual era dueño, así como de la institución financiera ABACO, que en los 90's utilizo su famosa canción "Ven a mi casa esta Navidad" para un comercial muy conocido en el país. En 1992 estrena el espectáculo Por las calles de Madrid, que mezcla música y baile y en el que demuestra una vez su calidad como showman, intercalando anécdotas y chistes entre los distintos temas musicales, evocadores de la vida en la capital española. El espectáculo, que posteriormente se denominaría España es una fiesta, se representa en Buenos Aires durante toda la década siguiente. En 1999 publica Superfiesta, su último disco con canciones nuevas. En 2002 publica el recopilatorio Los 40 grandes éxitos de Luis Aguilé, que incluye dos temas nuevos, Infiel y Lolita. En 2007 graba el tema Nadie me quita mis vacaciones en Castellón, que representó a la provincia de Castellón en la Feria Internacional del Turismo (FITUR). Ese mismo año publica Ciudadano Aguilé, un recopilatorio en el que recoge diecisiete canciones de su discografía que se apartan de sus temas más habituales y en los que muestra sus preocupaciones sociales. Luis Aguilé también escribió cuentos infantiles y novelas. En 1976 publica Golito y un emisario de la cuarta dimensión. En 1984, con el seudónimo Alejandro Alcántara, publica Dominó y en 1989 La guerra nunca aclarada, con las que fue finalista del Premio Planeta. En 2002 publicó La nieve de las cuatro estaciones, centrada en el mundo de las drogas y de la que estaba preparando la segunda parte, La seducción reptante del poder. En 2003 protagonizó en la Argentina la película Soy tu aventura, una comedia donde se interpreta a sí mismo como víctima de un accidentado secuestro. En el año 2008, recibió el Premio Sona de la Música a "Toda una vida" dedicada a la música reconociendo así el éxito que ha ido cosechando a lo largo de su carrera. En la primavera de 2009 le operaron de gravedad en el estómago, y falleció el 10 de octubre de 2009 en un hospital de Madrid debido al cáncer que padecía.1 [editar]Su música La mayoría de los temas compuestos por Luis Aguilé reflejan una visión optimista de la vida y en ocasiones son directamente humorísticos. Muchos de ellos se convirtieron en éxitos veraniegos, como Juanita Banana (versión del tema de Henri Salvador), La banda borracha, El frescales, El tío Calambres, Es el sol español o La vida pasa felizmente. También ha conseguido grandes éxitos con temas de otros, como Lo importante es la rosa, de Gilbert Bécaud, La Chatunga, de Marisa Simó o Te quiero, versión del Azzurro de Adriano Celentano. Asimismo es autor de la zarzuela Viva la verbena, estrenada en Argentina y Estados Unidos. Luis Aguilé sufrió una gran decepción cuando vio que en España, y concretamente Madrid, ciudad a la cual había dedicado su zarzuela, casi nadie se hizo eco de esta novedad y en la cual había puesto mucha ilusión. Finalmente fue presentada en el teatro Monumental el 22 de noviembre de 2008 a cargo de la Orquesta Sinfónica Neotonarte, dirigida por Antonio Palmer y el coro de la Federación Coral de Madrid. Televisión Española guarda este importante documento que fue retransmitido en Conciertos de la 2. 

 Las canciones de Luis Aguilé se han caracterizado por estar alejadas de temas sociales o políticos. Algunos críticos las han considerado como pasatistas. Él personalmente tampoco ha tenido una actuación política o social, aunque se ha declarado contrario a la Revolución Cubana. La canción Cuando salí de Cuba se refiere precisamente al momento en que decidió dejar Cuba, donde estaba radicado y era un ídolo juvenil. Aguilé cuenta que al momento de vender sus propiedades, el gobierno revolucionario había sancionado una ley de control de cambios, que limitaba la cantidad de dólares que se podían comprar, y que por esa razón sólo pudo sacar de Cuba una cantidad limitada; el resto se la regaló a sus amigos: Allí gané muchísimo dinero porque era un ídolo juvenil. Pero un mes antes de salir decretaron una ley que decía que no se podía cambiar el dólar y no se podía sacar dinero. Tuve dos entrevistas con el Che Guevara y me autorizó a retirar una pequeña cantidad. 

En 2007 Aguilé se vio involucrado en un escándalo político de corrupción, a causa de una colaboración suya con autoridades del Partido Popular de Castellón. Ese mismo año lanzó un tema nuevo, titulado Señor Presidente. La canción es un mensaje mordaz dirigido a un Presidente a quien Aguilé dice haber votado, al que le hace saber sus quejas, para pedirle que cumpla las promesas de campaña y que "mi humilde voto no caiga en su olvido". Durante la promoción del disco, algunos periodistas le preguntaron si la canción estaba dirigida al Presidente de España José Luis Rodríguez Zapatero.3 Aguilé aceptó que podría aplicársele, pero declaró también que su destinatario era el Presidente de Venezuela Hugo Chávez

 También declaró que la canción había sido prohibida en Venezuela y censurada en Argentina y Guatemala, sin mayores precisiones. Aguilé sostuvo entonces que él "había sido más perseguido que Serrat". Sin embargo, en Argentina la canción fue presentada con un recital realizado ese mismo año en Buenos Aires, sin ningún tipo de incidentes,4 mientras que en Guatemala, la canción fue utilizada incluso en un video del programa Libre Encuentro, del Canal 3, para promover las buenas prácticas democráticas.5 Pese a ello, la canción ha sido desde entonces difundida como "la canción prohibida de Aguilé". Aguilé también hizo público su apoyo a posición de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) de España, en una serie de controversias en la que esta entidad se ha visto involucrada relacionada con los alcances de los derechos de autor, y ha defendido el alto precio de los discos como un acto de libertad comercial 

Luis Aguilé falleció en un hospital de Madrid en Ocubre del 2009 en el que estaba ingresado a consecuencia del cáncer que padecía, según han informado fuentes familiares. El cantante, que popularizó en los años 50 y 60 éxitos como 'Cuando salí de Cuba' o 'Juanita Banana', tenía 73 años.

lunes, 15 de octubre de 2012

LLOYD NOLAN


Actor de cine y televisiòn

Lloyd Benedict Nolan (11 de agosto de 1902 – 27 de septiembre de 1985) fue un actor cinematográfico y televisivo estadounidense. 

 Nació en San Francisco, California. Sus padres eran Margaret y James Nolan. Inició su carrera en el teatro y posteriormente fue atraído por Hollywood, donde interpretó principalmente a médicos, detectives, y oficiales de policía en numerosas películas. Aunque muchos críticos alabaron sus dotes interpretativas y se reconocía que no tenía malas actuaciones, Nolan fue relegado a cine de serie B la mayor parte de su carrera. A pesar de ello, trabajó junto a actrices de la talla de Mae West, Dorothy McGuire, y la antigua soprano de la Metropolitan Opera, Gladys Swarthout. Bajo contrato con los estudios Paramount Pictures y 20th Century Fox, ensayó algunos papeles protagonistas a finales de los años treinta y a mediados de los cuarenta, y actuó interpretando al personaje principal de la serie detectivesca "Michael Shayne". La mayoría de sus películas eran entretenimientos ligeros, con el énfasis en la acción. Sus películas más famosas incluyen: Atlantic Adventure, junto a Nancy Carroll; Ebb Tide; Wells Fargo (Una nación en marcha); Every Day's A Holiday, con Mae West; Bataan; y A Tree Grows in Brooklyn (Lazos humanos), con Dorothy McGuire y James Dunn. Tuvo también una gran actuación en el film de 1957 Peyton Place (Vidas borrascosas), con Lana Turner. Hacia el final de su carrera volvió al teatro, y también actuó en la televisión ganándose grandes elogios, concretamente en The Caine Mutiny Court Martial, así como en la serie televisiva Julia, junto a Diahann Carroll. Estuvo casado con Mary Mell Efird y con Virginia Dabney. Tuvo dos hijos. Nolan falleció a causa de un cáncer de pulmón en Los Ángeles, California, a los 83 años de edad.

LALO FRANSEN


Cantante

Norberto Franzoni, nace un 13 de Noviembre de 1938, en el barrio porteño de Palermo. Mientras estudiaba, ayudaba a su padre que era propietario de una joyería donde Norberto grababa alhajas, pero eso no lo entusiasmaba mucho, sentía una gran atracción por la música y tenía deseos de formar un grupo musical. Así nacen LOS PATTERS, un conjunto formado con amigos del barrio, con quienes tocaban en los bailes los fines de semana. Sin llegar a grabar ningún disco y sin que Norberto deje sus estudios secundarios, ensayaban y tocaban puro rock and roll, con la inspiración de Elvis Presley y Bill Haley. 

 El grupo cambia de nombre y se transforma en DANNY SANTOS Y SUS 220 VOLTS DE ROCK & ROLL. Norberto, ya había pasado los veinte años y en 1960, decide probar suerte en los estudios Rca Víctor Argentina. A mediados del mes de noviembre de 1960, Mejía le toma una prueba, un Sábado por la tarde y entre cientos de jóvenes que deseaban una oportunidad, así lo incorpora al elenco de nuevaoleros, lo bautiza LALO FRANSEN, derivado de su propio apellido que sonaba muy italiano y una semana después graba su primer simple logrando un gran éxito con "EL PAÑUELO MANCHADO DE ROUGE", disco simple que contenía en su cara "B" la canción "SWING", con la colaboración del director musical Panchito Nolé. 

 "EL PAÑUELO MANCHADO DE ROUGE", era un suceso que había escrito el talentoso compositor y cantante Pedro Luján. Lalo no podía creer que sus canciones estaban mezcladas en los long play de la nueva ola con intérpretes como Neil Sedaka o Paul Anka, era como un sueño y se sentía un muchacho de suerte. En febrero de 1961, su imagen se hacía conocida porque la Rca Víctor comenzaba un programa en canal 7, llamado "Swing, Juventud y Fantasía", donde Lalo aparecía con otros nuevaoleros como Jolly Land, Fernando Borges, Carlos Alberto, Nena y Terry Morán, Raúl Cobián y Los 4 de Lujo, entre otros... Fransen fue uno de los primeros artistas que adaptaron los éxitos discográficos del inglés al castellano, en versiones con un estilo propio y original, Lalo Fransen ya se escuchaba en las radios del país, sus fotos estaban en las revistas de la juventud y Mejía lo incorpora en 1962, al programa de canal 11 "RITMO Y JUVENTUD" en "LA CANTINA DE LA GUARDIA NUEVA", programa musical que encabezaba el compositor Dino Ramos. El éxito de sus canciones y de sus presentaciones en T.V., continuaban, las canciones "Enamorada", "Ruedas", "Buscando una estrella" y "Bailemos otra vez el twist", eran sucesos discográficos. Luego llegaba el éxito definitivo en su carrera, cuando varios de los integrantes de la cantina, pasan a un formato parecido en un programa de canal 13, titulado "EL CLUB DEL CLAN", allí Mejía le designa una personalidad tipo play boy, algo así como la imagen del muchacho estudiante de clase media alta, que lucía pantalón gris, camisa blanca, corbata de lana y saco deportivo azul oscuro con un escudo en el bolsillo superior, sus canciones conquistaban a un público numeroso y deja otros super éxitos en el disco como: "La media medalla", "La niña", "Desconfiada", "Fotonovela", "Te besé", "Vuelve a mi", "Sol", "Si tuviera un martillo", "Cada noche sin ti", "Oye niña", y "Adiós mundo cruel", entre otros... Graba un long play solista y otro compartido con Nicky Jones, además de las grabaciones en los discos simples y LP con Los Red Cap´s, junto a Palito Ortega, Johny Tedesco y Nicky Jones. El público se entusiasmaba con verlo bailar el twist y Lalo conformaba a sus seguidores con el ritmo de este baile que enloquecía a todos los jóvenes. En 1964, pasa a canal 9, junto a los principales claneros y forma parte de otro suceso llamado "Sábados Continuados", con la conducción de Antonio Carrizo. En 1965, sigue con varios de los claneros en "Bienvenido Sábado", por canal 7 y participa como invitado en la película "Ritmo nuevo, vieja ola". En 1966, Lalo se casa y forma una familia con dos hijos. 

En el año 1967 decide viajar a España donde permanece en Madrid durante 3 años trabajando y grabando un nuevo long play, además de otros trabajos como productor y compositor de artistas españoles. En 1970 regresa a Argentina y sigue contratado por Rca Víctor, la música había cambiado y otras modas lo esperaban como autor y productor, así se dedica a trabajar con artistas de la misma compañía que lograban una gran popularidad como: Raúl Padovani, Silvana Di Lorenzo, Pintura Fresca, La Joven Guardia, Rubén Mattos, Los Linces, entre otros exitosos de la música argentina. Como compositor también se inspiró en canciones infantiles que popularizó Carozo y Narizota y Elvira Romey, además de otros temas famosos como los dedicados a Alberto Olmedo en su personificación de El Manosanta y también las canciones famosas por el grupo Katunga que sonaban en el programa inolvidable de Olmedo. 

 Lalo Fransen en el cine: (1964) EL CLUB DEL CLAN, dirección Enrique Carreras, (1964) RITMO NUEVO, VIEJA OLA, dirección Enrique Carreras, (1966) UNA VENTANA AL EXITO, dirección Enrique de Rosas (hijo), (1981) COSA DE LOCOS, dirección Enrique Dawi. Recibe un premio de la sociedad de autores e intérpretes por su labor importante en la música para el cine argentino. En los años noventa continúa en contacto con el público con sus canciones desde "La Nostalgia", un reducto importante para la música del recuerdo, donde recrea sus más grande éxitos. Junto a su amigo Palito Ortega, nunca dejó de trabajar en argentina y varios países de América, como director de orquesta y arreglador de sus recitales y algunas veces como autor de canciones. Lalo hoy, sigue vigente para el deleite de sus seguidores desde aquella nueva ola inolvidable...

LUIS SANDRINI


Actor cómico

Luis Santiago Sandrini Lagomarsino (barrio de Caballito (Buenos Aires), 22 de febrero de 1905 - Buenos Aires, 5 de julio de 1980), fue uno de los actores cómicos populares argentinos más respetados y queridos por el público y la crítica. Estuvo casado con la actriz Chela Cordero y después, en segundas nupcias con la actriz Malvina Pastorino. 

Nació en el barrio de Caballito, y era hijo de inmigrantes genoveses. Su padre era un actor teatral y empezó a trabajar en un circo junto a sus padres, como payaso. En la década de 1930, entró en la compañía teatral de Muiño y Alippi, donde conoció a su primera mujer, la actriz Chela Cordero. Debutó en el cine en 1933 actuando en la primera película sonora argentina ¡Tango! dirigida por Luis José Moglia Barth en la cual trabajaban, un grande del teatro de revistas como Pepe Arias y las estrellas del tango Libertad Lamarque, Azucena Maizani y Tita Merello, con quien tuvo un romance cuando filmaron la película Juan Tenorio. También se lució en la radio, donde hizo Felipe, que fue el prototipo del porteño bonachón, creación de Miguel Coronatto Paz, que tuvo tanto éxito que años más tarde fue llevado a la televisión en Canal 13, donde compartió pantalla con otros grandes cómicos como Tato Bores, Alberto Olmedo, Pepe Biondi, José Marrone, Carlos Balá, Dringe Farías y Juan Carlos Altavista, entre otros. no dice su niñes. En el teatro hizo Cuando los duendes cazan perdices, luego llevada al cine, y, detrás de bastidores, quedó asombrado por la belleza de la joven actriz Malvina Pastorino con la cual se casó. Este éxito rotundo hizo que se convirtiera en la figura popular más representativa de la década de oro del cine argentino; que luego se afianzó con la película que inauguró la "serie de hoteles alojamientos de la década del '60", que fue La cigarra no es un bicho de Daniel Tinayre. Sus últimas apariciones fueron en películas familiares costumbristas de Enrique Carreras. Falleció cuando rodaba la película Qué linda es mi familia, de Palito Ortega, donde trabajó junto a otra grande del espectáculo, Niní Marshall. 

Luis Sandrini supo conquistar el corazón no solo de las personas de su país sino también del resto del mundo hispano debido a las grandes caracterizaciones de sus personajes, por los que las películas en que este gran cómico actuó son conocidas por todos como las películas de Sandrini, sobresaliendo él de entre el resto del elenco y opacando incluso a los directores de las mismas. Inclusive han pasado a la historia famosas expresiones de sus personajes, como aquella bien conocida de su filme Cuando los duendes cazan perdices: «¡La vieja ve los colores!» Ha sido sumamente alabado por sus caracterizaciones y sus personajes han dado que hablar incluso muchos años después de sus primeras emisiones. Peter Capusotto y sus videos cuenta con un personaje interpretado por Diego Capusotto llamado Bombita Rodríguez, que se cree está inspirado en el profesor Tirabombas o en el profesor Hippie, ambos de Sandrini. El escritor peruano Mario Vargas Llosa, Premio Nobel de Literatura en 2010, rememora al gran Sandrini en un pasaje de su novela ¿Quién mató a Palomino Molero?: «Lituma y el Teniente habían estado en el cine, viendo una película argentina de Luis Sandrini, que hizo reír mucho a la gente, pero no a ellos.» Entre los premios y reconocimientos que obtuvo se cuentan el Cóndor de Plata al mejor actor en 1972 por La valija, y el Konex de Honor 1981, este último otorgado póstumamente.

LUIS PUENZO


Director, Guionista de cine

Luis Puenzo (Buenos Aires, 19 de febrero de 1946) es un director y guionista de cine argentino. Obtuvo el Óscar a la mejor película extranjera en 1986 con su primer largometraje, La historia oficial, una historia acerca de los desaparecidos por la dictadura argentina. Poco prolífico, rodó menos de una media docena de películas desde entonces, incluyendo Gringo viejo, con Gregory Peck sobre una novela del mexicano Carlos Fuentes, y La peste, adaptando la novela homónima de Albert Camus.

LUIS POLITTI


Actor de teatro, cine y televisión

Luis Politti fue un destacado actor de teatro, cine y televisión nacido en Argentina el 8 de abril de 1933. Inició su carrera actoral en su país, la continuó a partir de 1976 en condición de exiliado en México y España y falleció en este último país el 14 de julio de 1980. Por su actuación en la película Los gauchos judíos recibió el Premio al Mejor Actor de 1975 otorgado por la Prensa Latina de Nueva York. 

 Luis Politti nació en la ciudad de Mendoza (Argentina) y después de terminar sus estudios primarios ingresó al colegio secundario y en forma simultánea estudió piano, trompeta y contrabajo en la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Cuyo. En 1954 el Director de esta Escuela, Luis La Vía, estimuló a Politti para estudiar actuación. Comenzó a trabajar en radionovelas, actuó en circos e hizo algo de títeres. También inició estudios de teatro con Galina Tomalcheva al mismo tiempo que ingresaba a la Escuela Superior de Arte Escénico de la Universidad Nacional de Cuyo donde estudió actuación durante cuatro años. 

Trabajó en la televisión y el teatro provinciales y en 1966 viajó a Buenos Aires con una beca del Fondo Nacional de las Artes. Allí trabajó en el teatro en la obra El vicario de Rolf Hochhuth y poco tiempo después debutó en la televisión nacional con un pequeño papel en Las tres caras de Malvina. Entre 1968 y 1973, integró el elenco estable del Teatro Municipal General San Martín, donde actuó en once obras de teatro. Entre ellas, La cabeza del dragón, Romance de lobos de Ramón del Valle Inclán; Ivonne, princesa de Borgoña de Witold Gombrowicz; Macbeth de Shakespeare y Antígona Vélez de Leopoldo Marechal. Se inició en el cine con pequeños papeles en Turismo de carretera y Ufa con el sexo, ambas dirigidas por Rodolfo Kuhn en 1968. Le siguió otra corta aparición que realizó a título de colaboración en Los traidores (1971/2), de Raymundo Gleyzer, una película rodada en la clandestinidad y no estrenada comercialmente. En 1973 y 1974 siguió filmando a las órdenes de conocidos directores como Leopoldo Torre Nilsson, Mario Sábato y Luis Puenzo. Fue llamado entonces por el director Sergio Renán para actuar en la película La tregua junto a Héctor Alterio. La película tuvo una masiva aceptación del público, fue invitada al Festival Internacional de cine de San Sebastián y llegó a ocupar una de las cinco nominaciones de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood en el rubro Mejor Film en Idioma Extranjero. En 1975 personificó al resero Remigio Calamaco de Los gauchos judíos, dirigido por Juan José Jusid, obteniendo por su actuación el Premio al Mejor Actor de ese año otorgado por la Prensa Latina de Nueva York. Ese mismo año actuó en La Raulito dirigido por Lautaro Murúa, interpretando al diariero que da trabajo y alberga a la protagonista, y que fallidamente intenta mantener una relación sentimental con ella. Esta película tuvo mucha difusión en la Argentina y en España, hecho este último que hizo conocer a Politti en dicho país. Ese mismo año tuvo el papel más importante hasta ese momento en Solamente ella, de Lucas Demare, pero la película no tuvo buena acogida. 

Las últimas dos películas que Politti filmó en Argentina fueron Tiempos duros para Drácula de Jorge Darnell, que nunca se exhibió en su país aunque si tuvo un estreno comercial en España y No toquen a la nena, película de Juan José Jusid sobre libreto de Jorge Goldemberg y Oscar Viale. Esta película mostraba en tono de sátira las reacciones de una familia tradicional integrada por Politti como el padre, María Vaner como la madre, Pepe Soriano como el abuelo y Gustavo Rey y Patricia Calderón como los hijos, al enterarse del embarazo de su hija soltera. Para el estreno se debió realizar una larga negociación con las autoridades responsables de la censura ya que se había producido en Argentina el golpe de Estado del 24 de marzo de 1976 y para cuando fue autorizado muchos de los integrantes del elenco se habían ido del país. 

El 21 de junio Politti fue secuestrado durante treinta y seis horas y torturado psicológicamente por las fuerzas represivas. Esta detención se originó, aparentemente, en su breve participación personificando al general Alejandro Agustín Lanusse, quien en ese momento era el presidente de facto de la nación, en la película Los traidores de Raymundo Gleyzer, quien desde la misma época se encuentra en la condición de desaparecido. Lautaro Murúa, que era el otro actor conocido de esa película estuvo a punto de ser secuestrado y logró escapar del país tras pasar una semana en la clandestinidad. Dos días después de su liberación se exilió en México, donde permaneció alrededor de un año, y luego en España donde volvió a su trabajo en cine, teatro y televisión. En el cine español actuó en 1977 en Las Truchas con la dirección de José Luis García Sánchez y en La escopeta nacional dirigida por Luis García Berlanga. En 1978 lo hizo en Hierba salvaje dirigido por Luis María Delgado, en Con uñas y dientes de Paulino Viota y El corazón del bosque dirigido por Manuel Gutiérrez Aragón. En 1979 trabajó en Tierra de rastrojos de Antonio Gonzalo, “F.E.N.” [Formación del Espíritu Nacional] dirigido por Antonio Hernández, Cuentos eróticos (episodio: La Tilita) de Josefina Molina. En 1980 actuó en Sus años dorados de Emilio Martínez Lázaro, El hombre de moda dirigido por Fernando Méndez-Leite, Dedicatoria de Jaime Chávarri y El nido dirigido por Jaime de Armiñán, junto a Héctor Alterio. Para la televisión española participó –entre otro trabajos- en Rosaura a las diez de Marco Denevi; Esta noche, tampoco de José López Rubio y en 1979 personificó al borrachín Alfred Doolittle en Pigmalión de Bernard Shaw, junto a Marilina Ross y con dirección de José Antonio Páramo. Su única labor teatral en España fue en abril de 1980 en el Centro Dramático Nacional, Teatro María Guerrero, de Madrid con Motín de brujas, del catalán Josep Maria Benet y su elenco de primeras actrices: Carmen Maura, Marisa Paredes, Julieta Serrano y María Asquerino. El 14 de julio de 1980 falleció en Madrid, a raíz de una hepatitis. Sus cuatro hijos están en el Arte. Sergio: plástica; Andrea y Carolina: actuación; Livia: danza.

LUIS MEDINA CASTRO


Actor

Luis Antonio Medina Castro (Buenos Aires, Argentina, 12 de abril de 1928-22 de mayo de 1995), fue un actor argentino. 

Comenzó a los 19 años de edad en teatros independientes. Estudió en el Seminario Dramático, destacándose en la obra "Té y simpatía", en 1953, con Elina Colomer. Integró la compañía de Delia Garcés, con quien compuso "El límite", "El lecho de hojas" y "La cama de oro". Además representó "Fuenteovejuna", "Romeo y Julieta", en el Teatro General San Martín, "El Principito", "Los mirasoles", junto con la Comedia Nacional y la dirección de Osvaldo Bonet, el musical "¡Hello Dolly!", de Daniel Tinayre, con Libertad Lamarque en el Teatro Odeón, "Que Irma duerma", de Julio Baccaro, en el Teatro Nacional Cervantes, "María de los dos", de Pablo Palant, con María Luisa Robledo, "Gotán", con Alicia Aller. En 1951 debutó en cine acompañando a Tita Merello en "Pasó en mi barrio", con dirección de Mario Soffici, donde compuso a Carozo, y en los títulos figuró como Luis Medina. Fue considerado Revelación Masculina por la Asociación de Cronistas Argentinos en dos oportunidades: en 1953, por su labor en "Ellos nos hicieron así" y en 1959 por "Zafra". Sus mejores actuaciones las cumplió en "El grito sagrado", de Luis César Amadori, "Guacho", de Lucas Demare, Los de la mesa 10, de Simón Feldman y "La patota", por la que fue galardonado como Mejor Actor de Reparto por el Instituto de Cine, de Tinayre. 

En 1961 acompañó a Raúl Rossi y a Enrique Fava en "El centroforward murió al amanecer", que fue un éxito. En la década del 60" fue convocado por diversos directores como David José Kohon, Rodolfo Kuhn, José A. Martínez Suárez y Fernando Siro, quien le dió uno de sus tantos protagónicos en "Nadie oyó gritar a Cecilio Fuentes". En 1965 adquirió popularidad con si intervención en el ciclo televisivo "La tuerca", con Nelly Láinez, Vicente Rubino y Carmen Vallejo; el programa se mantuvo hasta 1974 y fue premiado. En "Maternidad sin hombres", de 1968, acompañó a Nelly Panizza y a Irma Córdoba componiendo un personaje dramático, aunque también interpretó cómicos en otros labores. Compuso a Liu en "Kuma Ching", donde actuaron y formaron pareja Luis Sandrini y Lola Flores (en 1969). A principios de los 70" dobló la voz de Carlos Monzón en la exitosa película "La Mary", con Susana Giménez. En el medio televisivo participó de varios programas como "Historias de jóvenes", con Emilio Alfaro, "Tardes de vosotras", "Romeo y Julieta", "Hombres y mujeres de bronce", con Selva Alemán, "El hombre del ovni", "El trapero", "Tu rebelde ternura", "Profesión, ama de casa", con Susana Campos, "El jugador", "Barracas al sur", "El coraje de querer", "Las 24 horas", con Amelia Bence, "Todos los días a la misma hora", con Beatriz Taibo, entre otros. Actuando en varios films, en 1978 acompañó a Rafael Carret en "Patolandia nuclear", ciclo que fue llevado al cine por Julio Saraceni con libretos de Héctor Maselli. A mediados de la década del 80" compuso a un oficial en "Las barras bravas", donde se reencontró con Tita Merello, con quien había actuado en varias oportunidades, también participó Mercedes Carreras y Esteban Mellino, y un año después secundó a Juan Carlos Altavista (Minguito) y a Juan Carlos Calabró en una de las versiones de Mingo y Aníbal, del cual se hicieron varias películas. Con papeles más breves y serios, realizó sus últimos trabajos en cine. Luego de filmar dos películas de escaso éxito en 1987 y 1993 fue convocado por Enrique Muzio para realizar un pequeño labor en "El cóndor de oro", que se estrenó después de su fallecimiento. Falleció a los 67 años el 22 de mayo de 1995 en Buenos Aires. Su hija Claudia Medina Castro es artista plástica, María Gabriela es cantante y Ulises es músico,y el hijo de Ulises, Ramiro aun no trabaja.

LUIS LANDRISCINA


Humorista, Cuentista, Recitador, Actor

Luis Landriscina nombre artístico de Luigi Landriscina (Colonia Baranda, Chaco, Argentina, 19 de diciembre de 1935) es un humorista, cuentista, recitador y actor argentino famoso por su estilo narrativo y su humor basado en los usos y costumbres regionales del país y el Rio de la Plata. Multifacético, también incursionó en otra de sus pasiones: el automovilismo deportivo. 

 Luis Landriscina, séptimo de ocho hermanos, es hijo de inmigrantes italianos, Luigi Landriscina, albañil, y Filomena Curci, ambos de Trinitapoli, Foggia, quienes tras casarse emigran a Argentina (primero el padre, porque la madre estaba embarazada de Isabel). Ella arriba con Pascual, de dos años, e Isabel, de diez meses. Posteriormente Rosa nace en Lanús. Los cinco parten para Chaco y Clara nace al llegar. Luis tenía 20 (o 22) meses cuando muere su madre al dar a luz a su hermano Nicolás, tras lo cual pasa a ser criado por sus padrinos, Margarita Martínez y Santiago Rodríguez. Cursa la escuela primaria en Villa Ángela y Resistencia, y ya de joven se destaca por su habilidad como narrador de historias populares y costumbristas, siempre con una pincelada de un buen humor. En 1963 contrae matrimonio con Guadalupe Mancebo, y ese mismo año nace su primer hijo, Gerardo. 

En 1964 forma parte de la delegación de la provincia del Chaco en el Festival de Cosquín, donde recibe el premio Revelación como cuentista y recitador. Este logro fue el inicio de su carrera artística que le ha valido reconocimiento nacional e internacional. A partir de 1967 reside en Buenos Aires y luego se muda a Santana, un tranquilo balneario del departamento de Colonia en Uruguay. Su poema "Casi gringo" es un resumen autobiográfico pleno de sentimientos: "Yo soy del Chaco argentino, nacido en esta región, soy tan hijo de esta tierra que me siento emparentado al quebracho colorado y al capullo de algodón.(...)" Luis Landriscina, "Casi gringo", en "De todo como en galpón" , 1994 

 Quizá uno de los aspectos más perdurables del arte de Luis Landriscina ha sido su interpretación del personaje Don Verídico, creado en 1962 por el libretista y humorista uruguayo Julio César Castro (Juceca). Juceca escribió cuentos de Don Verídico y otros libretos para Landriscina durante 25 años, que a través de presentaciones en vivo y -fundamentalmente- de programas radiales, convirtió al personaje en uno de los más famosos exponentes del humor campero, simple, desconfiado y emotivo.

LUIS JOSE SANTANDER


Actor de telenovelas

Luis José Santander (8 de abril de 1965 en Fort Collins-Colorado-USA), es un actor venezolano de telenovelas que ha alcanzado fama internacional. Su familia inmigró a los Estados Unidos aunque unos años después regresó a su país de origen, Venezuela. Además trabajó como agente en juegos pequeños alrededor de Venezuela cuando su ocasión de hacer famoso fue a partir de 1987. Ese mismo año grabó su primera producción de telenovela titulada " Y la luna también", que tuvo mucho éxito a nivel internacional importante, que fue una de las telenovelas más vistas en Puerto Rico, México y Ecuador, entre otros. Entre otras telenovelas que actuó fue también "Niña Bonita", junto a Rudy Rodríguez, "Mundo de fieras", junto a Catherine Fulop etc.. Años más tarde se trasladó a México, entre las telenovelas que grabó fue "Lazos de Amor " junto a Lucero,"Te sigo amando" junto a Claudia Ramirez y entre otras más. Actualmente reside en Miami Beach (EE.UU.). En Houston fue visto recientemente en año nuevo cuando se encontró con su amiga mexicana Laura P.

LUIS GERARDO TOVAR


Actor, Locutor, Declamador

Luis Gerardo Tovar' (Caracas, Venezuela, 4 de octubre de 1932 - 25 de octubre de 1991) fue un actor, locutor y declamador venezolano.

Se inició en el mundo artístico como estudiante de Teatro en el Liceo Fermín Toro junto a Román Chalbaud y bajo la tutela de Alberto de Paz y Mateos. Posteriormente, se marchó a París a estudiar Teatro con el dramaturgo rumano Eugene Ionesco, filmó una película al lado de Catherine Deneuve y trabajó un año como escritor y locutor para América Latina en la BBC de Londres. Tras innumerables reconocimientos, Luis Gerardo Tovar participó en dos dramáticos de televisión (La loba y Daniela) contratado por el canal televisivo venezolano Venevisión. Este artista incursionó en el medio discográfico, como declamador, usando como música de fondo las canciones previamente conocidas de diferentes artistas (como el grupo italiano "The comunicatives" y la agrupación venezolana "Punto Sur"). 

Este tipo de declamación denominada “Canción Hablada” se hizo famosa a finales de los 60 y comienzos de los 70 en las voces de diversos actores y locutores. Algunas de las letras de estos poemas fueron escritas por él o por sus colaboradores. Tovar incursionó además, en la radio, la televisión, el cine y la publicidad. En este último caso, algunas empresas de publicidad buscaron su voz grave, la cual se hizo "emblemática" para ciertos productos e igualmente, elaboró por mucho tiempo los guiones de espectáculos como el certamen Miss Venezuela. A principios de la década de 1980, formó y fue productor de la agrupación musical juvenil Unicornio, la cual le permitió obtener su primer premio en el Festival de la OTI. Más tarde, con una melodía de su autoria titulada “La felicidad”, interpretada por el cantante Alfredo Alejandro, se hizo acreedor del segundo galardón y se posicionó como el primer compositor ganador en dos oportunidades por mejor composición en el reconocido festival. 

Luego de un cúmulo de experiencias en el mundo del espectáculo y la canción, el actor se retiró de la televisión para dedicarse a escribir piezas teatrales infantiles, oficio que le hizo merecedor del Premio Municipal de Dramaturgia Infantil Aquiles Nazoa en 1985. Su último trabajo para la pantalla pequeña fue como libretista del programa del actor y presentador de radio y televisión Carlos Omobono llamado Tu y Yo Con…. El 25 de octubre de 1991, falleció a causa de un paro respiratorio. 

Casi por accidente, un dia de 1967 el artista grabó en un estudio de grabación de Alemania Occidental el tema "Santo Domingo", con el respaldo instrumental y vocal del grupo italiano The Communicatives, sencillo que ocupó los primeros lugares en difusión en países europeos como Alemania, Luxemburgo, España, Austria, México, Estados Unidos y Venezuela.

LUIS GERARDO NUÑEZ


Actor, Cantante

Luis Gerardo Nuñez (21 de abril de 1961) es un actor y cantante venezolano, nacido en la ciudad de Valencia, estado Carabobo. Se inició en el mundo de las telenovelas venezolanas en la década de los 80, al participar en la telenovela amor de abril; en 1989 interpreta el personaje de Julio Cesar en la telenovela "La Revancha" con Rosalinda Serfaty y Jean Carlos Simancas, en esta telenovela interpreta a un humilde pescador de nobles sentimientos; posteriormente ese mismo año participa en Fabiola, una telenovela con muy poco rainting, pero no es sino en 1991 cuando demuestra su gran talento al interpretar al malvado Roberto Suárez en "Ines Duarte Secretaria"; a lo largo de los años 90 continua participando en telenovelas venezolanas, siendo en 1998 en que actúa fuera de Venezuela en la telenovela mexicana "Rencor Apasionado". 

En 1999 regresa a la televisión venezolana realizando un papel de importancia en la telenovela "Carita Pintada", allí formaba pareja con la actriz Elluz Peraza; continua actuando en telenovelas venezolanas, en papeles más maduros; siendo el personaje de Marcos en la telenovela "La Mujer de Judas" uno de los más importantes en esta nueva etapa de su carrera, aquí hace pareja con Astrid Carolina Herrera y su personaje es el de un hombre sediento de venganza por la muerte de su hermano.

LUIS FERNÁNDEZ


Actor, Escritor, Productor, Director

Luis Eduardo Fernández Oliva (Caracas; 14 de marzo de 1970) es un reconocido actor, escritor, productor y director venezolano, famoso por sus múltiples interpretaciones para la televisión latinoamericana, en el mundo del cine, por la película Miranda, como escritor, por la trilogía de libros Sexo Sentido y en teatro por su monólogo "No eres Tú soy Yo". Í

Luis Fernández, nace el 14 de marzo del año 1970, en Caracas, Venezuela. Inicialmente no pensó en la actuación como profesión futura, siendo de hecho su orientación profesional hacia la arquitectura, viendo más que todo un "hobby" en la actuación. A la edad de 17 años, el futuro actor, inició sus estudios de Arquitectura en la Universidad Simón Bolívar, luego culminó la carrera en Harvard, en la "Graduate School of Design". Irónicamente, a pesar de haber obtenido el título de Arquitecto, Luis Fernández no llegó a ejercer esta profesión como tal, siendo aquel "hobby" que veía en la actuación, lo que se convertiría en su verdadera profesión. Paralelamente al inicio de su carrera universitaria, Luis Fernández comenzó su preparación en el Teatro al incursionar en un taller dictado en la misma Universidad; además, formó parte del alumnado del grupo "Theja" y también estudió en el Ateneo. Así fue como comenzó la carrera del talentoso actor.

Como la gran mayoría de los más grandes actores de Venezuela, Luis Fernández comenzó su carrera artística sobre las tablas. Realizó múltiples obras teatrales, destacándo entre ellas"El Pez que Fuma", "El Príncipe Constante", "Cyrano de Bergerac" y "Don Juan Tenorio", entre muchas otras, siendo considerada, su trayectoria en este medio, como una de las más amplias y exitosas. Sin embargo, en una impresionante excepción a la regla en Venezuela, Luis Fernández se introdujo primero en el mundo del cine, antes que la televisión. Realizó su primera aparición en el mundo cinematográfico en la película, un Sueño en el Abismo, sólo para posteriormente alzarse en otras múltiples producciones durante la década de los 90's, siendo El secuestro, Desnudo con Naranajas, El Valle así como Borrón y Cuenta Nueva, las más relevantes de todas las producciones. 

Aún, cuando su comienzo en el cine y el teatro, marcó el desarrollo de una amplia carrera en ambos medios, Luis Fernández logró también ingresar al mundo de la televisión, dando sus primeros pasos en la productora independiente Marte TV (1991), donde tuvo la oportunidad de realizar tanto papeles secundarios como protagónicos. Su primera producción dramática fue "Loba Herida", en la que fungió como contrafigura junto a los actores principales, Carlos Montilla y Mariela Alcalá. Al año siguiente, Luis Fernández protagonizó "El Paseo de la Gracia de Dios" junto a Nohely Arteaga, y luego, en 1994, fue seleccionado nuevamente como protagonista, pues estelarizó el dramático "Cruz de Nadie". En el año 1996, nuestro actor se destacó como figura principal de "Llovizna", producción en la que hizo pareja con la actriz Scarlet Ortiz y donde personificó a "Orinoco Fuego", un joven empleado de una gran siderúrgica que se enamoraba de la protagonista, quien venía siendo, sin saberlo, la hija del dueño de dicha industria y poderoso magnate de la población. [editar]Internacionalización Ya para el momento, Luis Fernández, había cosechado variedad de éxitos en su país natal, motivo por el cual decidió viajar a Los Angeles, donde vivió durante varios años, destacándose en la Televisión, el Cine y el Teatro. Entre los trabajos más impresionantes y exitosos que realizó se encuentran "Ghost Stories", serie de TV Los Ángeles C.A., "Don Juan Tenorio", versión teatral de dicha historia presentada en el Teatro Los Ángeles C.A. "Triunfo y Fama" (programa de entrevistas) y "El Secuestro" (película Argentina), que obtuvo gran éxito y aclamación por parte de la crítica.

 Luis Fernández, se introdujo en un nuevo mundo, al publicar en 2004 el libro "La cruenta venganza del hombre que todos querían ser", una novela dramática que obtuvo un considerable éxito, sin embargo fue con su libro, Sexo Sentido, un libro en el que el expone su visión respecto a la realidad del pensamiento tanto del género masculino como femenino, respecto a la interrelación de las parejas, la obra que lo consagraría. El libro se convirtió en un best-seller en Venezuela y en toda Latinoamérica y abrió la puerta a que se publicaran dos libros más del tema, "Sexo Sentido II, mis primeras quinientas", "Sexo Sentido III, No eres tú soy yo" y la creación y publicación de la "Agenda Sexo Sentido (The Sex Sense Calendar)". Además es columnista recurrente del diario venezolano El Nacional. 

Actualmente, Luis Fernández se dedica de lleno a la producción de la mayoría de sus proyectos, en los cuales actúa en algunos casos. Su principal proyecto, viene siendo el famoso monólogo "No eres Tú soy Yo", que ha tenido un éxito extraordinario, embarcándose en una gira que ha recorrido decenas de países y ha logrado realizar más de 600 presentaciones, siendo el segundo monólogo más exitoso de toda Latinoamérica, siendo sólo superado por "El Aplauso va por Dentro", el monólogo realizado por su esposa Mimí Lazo. 

Precisamente, en la obra teatral "El Pez que Fuma" (1994), el actor conoció en persona a la mujer que hoy es su esposa: la actriz Mimí Lazo. Ella, personificaba a una diva, mientras que él hacía el papel de un chulo. Debido al éxito de dicha pieza, en una de las típicas entrevistas que suelen hacer los periodistas, la actriz señaló que jamás se involucraría amorosamente con un chico joven, tal vez haciendo alusión a Luis Fernández, pues en aquella época existía el rumor de que ambos se entendían sentimentalmente. Hoy vemos que no fue así. Por su parte, para Luis Fernández, dicho comentario representó un reto: "conquistar a aquella mujer que aseguraba ser inalcanzable para alquien tan joven"... Y así lo hizo, quien no sólo atrapó su atención, sino que logró legalizar la relación.

sábado, 13 de octubre de 2012

LEO GENN


Actor de teatro, cine y televisión

Leo John Genn (Londres, Inglaterra, 9 de agosto de 1905 - Londres, Inglaterra, 26 de enero de 1978) fue un actor británico de teatro, cine y televisión. Genn participó en numerosas películas, tanto de cine como de televisión, generalmente en papeles secundarios. Adquirió renombre por su participación en películas como Quo vadis?, en la que interpretó a Petronio, Moby Dick, en el papel del timonel Starbuck, y 55 días en Pekín. Falleció en 1978, a los 72 años de edad, a causa de un ataque al corazón.

LOUIS ARMSTRONG

Trompetista, Cantante de jazz

Louis Armstrong (Nueva Orleans, 4 de agosto de 1901 – Nueva York, 6 de julio de 1971), también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz. Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile con raíces folclóricas en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como cornetista y trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico. 

 Louis Armstrong nació en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de Nueva Orleans. La miseria se agudizó cuando su padre, William Armstrong, los abandonó. Louis era entonces un niño y pasaría su juventud en un difícil vecindario de las afueras de la ciudad. Su madre, Mary «Mayann» Albert (1886–1942), dejaba a Louis y a su hermana menor Beatrice Armstrong Collins (1903–1987) bajo el cuidado de su abuela, Josephine Armstrong y a veces, de su tío Isaac. No existían antecedentes musicales en su familia, por lo que su interés por este arte surgió a partir de la escucha de las célebres bandas de Nueva Orleans, que desfilaban habitualmente por las avenidas de la ciudad. Aprendió, en primer lugar, a tocar la corneta en la banda de la Nueva Orleans Home for Colored Waifs, un reformatorio para niños negros abandonados a donde había sido enviado en varias ocasiones por delitos menores, como por ejemplo el haber disparado al aire durante una Nochevieja. Allí, aconsejado por el director del reformatorio, Joseph Jones, y el profesor Peter Davis, optó por la trompeta entre otros instrumentos. 

En 1914, tras su salida del reformatorio, trabajó como vendedor de carbón, repartidor de leche, estibador de barcos bananeros y otros empleos del mismo tipo. Empezó también a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad; allí conoce al cornetista Joe King Oliver, quien fue su mentor y casi una figura paternal para él.6 Al tiempo, seguía con atención todos los desfiles de las bandas de música habituales en la ciudad y escuchaba a los músicos veteranos cuantas veces podía, aprendiendo de Bunk Johnson, Buddy Petit y, sobre todo, de Joe King Oliver. Entre 1918 y 1919, ya con una bien ganada reputación como cornetista, fue contratado por el director de orquesta Kid Ory, gracias a una recomendación de Joe King Oliver, que había dejado el puesto de cornetista. Louis llegó por este camino a tocar en algunas de esas orquestas de Nueva Orleans, incluyendo aquellas que viajaban por los ríos, como por ejemplo la renombrada orquesta de Fate Marable, que realizó una gira en un buque de vapor a lo largo de todo el Misisipi. El propio Armstrong describiría esta época con Marable como «su estancia en la universidad», ya que le proporcionó una enorme experiencia en el trabajo con arreglos escritos. Cuando Joe Oliver abandonó la ciudad en 1919, Armstrong ocupó el lugar de Oliver en la banda de Kid Ory, por entonces el grupo de swing más importante de la ciudad. [editar]Comienzos de su carrera musical En 1922, Armstrong se unió al éxodo generalizado de músicos que se produjo hacia Chicago, a donde había sido invitado por Joe King Oliver para incorporarse a su Creole Jazz Band como segundo cornetista. La orquesta de Oliver era, a comienzos de los años veinte, la mejor y la más influyente agrupación de swing de Chicago, en una época en que la ciudad era el centro del jazz; fue en este momento cuando la popularidad de Armstrong empezó a incrementarse de forma exponencial. En 1923, Armstrong hizo su debut con la orquesta de Oliver para el sello discográfico Okeh Records. En sus primeras grabaciones se incluyeron algunos solos y apartes como segunda corneta de la banda; en 1924, sin embargo, ya era el solista más importante y más creativo del grupo. En febrero de 1924 se casó con Lillian Hardin, pianista de Oliver, quien lo animó a abandonar a este para alcanzar mayores metas artísticas. Así, se separó amistosamente de Oliver y, tras trabajar brevemente con Ollie Powers, se marchó a Nueva York. Su fama llegó rápidamente a oídos del mejor director de orquesta negro del momento, Fletcher Henderson, quien le ofreció un contrato para que se uniese a su banda, la Fletcher Henderson Orchestra, la principal banda afroamericana de la época. Armstrong se cambió a la trompeta para armonizar mejor con los otros músicos de su sección orquestal y debutó con ella el 29 de septiembre de 1924 en el Roseland Ballroom de Nueva York. Tras decidirse a aprender a leer música, en sólo un año revolucionó el estilo y la forma de tocar de sus compañeros y grabó con las mejores cantantes de blues de la época, como Bessie Smith.

 Durante este periodo, hizo también muchas grabaciones de forma independiente con los arreglos de un viejo amigo de Nueva Orleans, el pianista Clarence Williams, como por ejemplo unos dúos con su «rival» musical Sidney Bechet y una serie de acompañamientos con los Blues Singers.

En 1925 regresó a Chicago para unirse a la orquesta de Lil en el Dreamland Ballroom; empezó a grabar bajo su propio nombre para el sello OKeh acompañando a dos formaciones creadas por él llamadas Hot Five y Hot Seven, produciendo éxitos como «Potato Head Blues», «Muggles» (una referencia a la marihuana, la cual tendía a consumir desde siempre) y «West End Blues». El trabajo de Armstrong con ambos grupos se convertiría en clásico dentro de la historia del jazz, siendo enormemente influyente y reinterpretado. Fuera del estudio continuó tocando con Big Bands, como por ejemplo las de Erskine Tate y Carroll Dickerson, y su repertorio comenzó a cambiar hacia canciones populares como «Ain't Misbehavin». Apoyado ahora por la prestigiosa banda de Dickerson, anunciada como su propia orquesta, Armstrong aplicaba su forma virtuosa de tocar la trompeta y su encantadora manera de cantar con enorme efecto a las melodías populares de la época. La aparición en 1926 de «Heebie Jeebies» supone la primera muestra del estilo vocal llamado scatting, que Armstrong haría famoso: un solo instrumental cantado mediante sonidos o palabras sin ningún sentido. Armstrong regresó a Nueva York en 1929, luego se trasladó a Los Ángeles en 1930 y después realizó una gira por Europa a partir de 1932 (regresaría dos años después, en 1934), consiguiendo un espectacular éxito en París.6 La aparición de Joe Glaser en 1935 como su representante y la contratación de la orquesta de Louis Russell como formación de apoyo de Armstrong, establecieron el curso de los acontecimientos durante el resto de la década, en la que Armstrong pasó de ser una simple figura del jazz a un destacado miembro de la industria del entretenimiento en general. En 1940, Glaser rompió su relación comercial con la big band de Russell y contrató a nuevos músicos: esta unidad fue el principal apoyo con el que contó Armstrong hasta 1947. El cambio de aquel año fue presagiado por la grabación de la banda sonora de la película Nueva Orleans, en la que aparecía Louis, y en la que se interpretaban obras del repertorio clásico del jazz a cargo de un pequeño grupo. Tras pasar muchos años de gira, se asentó permanentemente en Queens, Nueva York, en 1943. Aunque no ajeno a las vicisitudes del Tin Pan Alley y del negocio musical controlado por gánsteres, Louis continuó desarrollando su técnica y su carrera musical. Durante los siguientes treinta años, Armstrong llegó a actuar una media de trescientas veces por año. En los años cuarenta, las big bands entraron en decadencia debido a los cambios en el gusto del público: muchas salas de baile cerraron y entre los nuevos medios de comunicación como la televisión y el auge de nuevos tipos de música, las big bands y el swing pasaron a un segundo lugar. Se hizo imposible mantener y financiar orquestas itinerantes de 16 músicos. 

Hacia 1947, Armstrong redujo su banda a seis instrumentos, volviendo así al estilo Dixieland que lo había hecho famoso al principio de su carrera. Este grupo fue llamado All Stars y estaba formado por Armstrong (voz y trompeta), Jack Teagarden (trombón), Barney Bigard (clarinete), Earl Hines (piano), Big Sid Catlett (batería) y Arvell Shaw (contrabajo). Con ellos, Louis Armstrong se presentó el 13 de agosto de 1947 en el club Billy Berg's de Los Ángeles. Por la agrupación pasaron otros músicos en diferentes etapas: Trummy Young (quien tocó con Dizzy Gillespie desde 1944), Marty Napoleon, Billy Kille, Edmond Hall, Danny Barcelona, Tyree Glenn y Barrett Deems. Durante este periodo, realizó muchas grabaciones y apareció en alrededor de treinta películas.6 En 1964, Armstrong grabó el que sería su tema más vendido: «Hello, Dolly». La canción obtuvo el puesto número uno en las listas de Estados Unidos, superando al grupo inglés The Beatles. Armstrong también obtuvo por el disco un premio Grammy al Mejor Cantante masculino y fue nominado a Mejor Disco del año. En este álbum se encuentra, también, otro tema clásico de Armstrong: «Jeepers Creepers». 

Armstrong tuvo trabajo hasta poco tiempo antes de su muerte y, aunque en ocasiones en sus últimos años se inclinase hacia algunas interpretaciones triviales, en otras era capaz de demostrar un todavía asombroso dominio de la técnica y de la intuición musical que dejaba perpleja a su propia banda. Entre sus numerosos destinos artísticos, estuvieron lugares de África, Europa y Asia, bajo el patrocinio del Departamento de Estado de los Estados Unidos; el éxito fue tan grande que terminó por ser conocido como «Ambassador Satch» (embajador Satch). Debido a problemas de salud, restringió sus actuaciones a lo mínimo hacia el final de su vida, aunque seguiría tocando hasta el día de su muerte. Louis Armstrong sufrió un ataque al corazón en 1959, del cual se pudo recuperar para seguir tocando. Pero un segundo ataque al corazón en 1971, le obligó a guardar reposo durante dos meses. Se reunió nuevamente a tocar con su grupo el 5 de julio de ese mismo año y, al día siguiente, en Corona, Queens (Nueva York) murió mientras dormía por complicaciones de su corazón, justo un mes antes de cumplir 70 años. 

El apodo Satchmo, o Satch, es una abreviación de Satchelmouth («boca de bolsa»). En 1932, el entonces editor de la revista Melody Maker, Percy Brooks, saludó a Armstrong en Londres diciendo «Hello, Satchmo!», abreviando Satchelmouth (probablemente, sin intención), y tal apodo tuvo éxito. A comienzos de su carrera también era conocido como Dippermouth («boca de cucharón»). Ambas referencias tienen que ver con la forma en que embocaba su trompeta mientras tocaba. La situaba sobre sus labios de tal forma que tras muchas horas de interpretación, surgía en su labio superior una hendidura, de ahí el término «Dippermouth». Esta hendidura se puede observar en muchos retratos de Louis de ese periodo y tuvo que ver con la orientación de su carrera hacia el canto debido a que le llegó a suponer una traba a la hora de tocar la trompeta. En cualquier caso, tras un periodo en que no la tocó, enmendó su forma de tocar el instrumento y continuó con su carrera instrumental. Los amigos y algunos músicos cercanos le llamaban también Pops, que es como Armstrong se dirigía normalmente a ellos (excepto a Pops Foster, a quien siempre llamaba «George»). El apodo «Satchmo» y la cálida personalidad sureña de Armstrong, combinados con su apego natural al espectáculo y a la búsqueda de una respuesta en el público, condujeron a la creación de un personaje público -la sonrisa, el sudor, el pañuelo- que terminó por ser al final de su carrera un tanto afectado y, según muchos, casi una caricatura racista de sí mismo. Fue también criticado por aceptar el título de «King of The Zulus» (en la comunidad afroamericana de Nueva Orleans, un título honorífico para el jefe del carnaval negro Krewe, pero desconcertante y ofensivo para los foráneos por su vestido tradicional de falda verde y maquillaje de negro intentando satirizar las actitudes sureñas blancas) en el Mardi Gras de 1949. La aparente insensibilidad racial de Armstrong al aceptar el título y el disfraz de King of the Zulus han sido vistos en ocasiones como parte de un defecto mayor de Armstrong: donde algunos vieron una personalidad gregaria e introvertida, otros veían a alguien que se esforzaba por atraer al público blanco aun a costa de convertirse en una caricatura de artista. Algunos músicos criticaron también a Armstrong por tocar ante audiencias segregadas y por no tomar una postura clara en el movimiento por los derechos civiles, sugiriendo que era un Uncle Tom. Billie Holiday, por su parte, siempre le disculpaba subrayando en él su gran corazón. Con todo, Louis Armstrong fue un apoyo financiero muy importante para el Dr. Martin Luther King Jr. y para otros activistas por los derechos civiles, aunque siempre prefiriese trabajar en esos asuntos de forma muy discreta, sin mezclar sus ideas políticas con su trabajo como artista. Las pocas excepciones en que no cumplió esta norma se convirtieron entonces en muy efectivas: la crítica de Armstrong al presidente Eisenhower, llamándole «two-faced» (con dos caras) y «cobarde» debido a su inacción durante el conflicto de la segregación racial escolar en Little Rock, Arkansas, fue noticia nacional en 1957. También protestó cancelando una gira por la Unión Soviética en nombre del Departamento de Estado diciendo que «por la forma en que están tratando a mi gente en el sur, el gobierno podría ir al infierno» y que él no podía representar a su gobierno fuera del país cuando estaba manteniendo un conflicto con su propio pueblo. Fue alguien especialmente generoso, hasta el punto de decirse de él que había gastado tanto dinero en los demás como en sí mismo. Por otra parte, Armstrong estuvo constantemente preocupado por su salud y por sus funciones corporales. Utilizó con frecuencia laxantes como forma de controlar su peso, una práctica que le llevó a fomentarla públicamente aportando su experiencia y opiniones en el libro Lose Weight the Satchmo Way. El laxante favorito de Armstrong en su juventud era Pluto Water, pero posteriormente se hizo un entusiasta del remedio natural Swiss Kriss, que también publicitó siempre que se le quiso oír. 

En sus primeros años, Armstrong era conocido sobre todo por su virtuosismo con la corneta y la trompeta. Su mejor sonido trompetístico se puede escuchar en las grabaciones con sus Hot Five y Hot Seven. Las improvisaciones que hizo en aquellas grabaciones sobre estándares del jazz de Nueva Orleans y sobre otras canciones populares del momento, han resistido perfectamente el paso del tiempo hasta el punto de soportar la comparación con cualquiera de las hechas por otros intérpretes posteriores. La generación más antigua de jazzistas de Nueva Orleans se refieren con frecuencia a sus improvisaciones como variaciones melódicas. Las improvisaciones de Armstrong fueron novedosas y sofisticadas en su época, aunque eran sutiles y melódicas. Lo que normalmente hacía era recomponer los temas populares que tocaba, haciéndolos más interesantes. El toque de Armstrong está lleno de alegres, inspiradas y originales melodías, saltos creativos y ritmos sutilmente relajados o dinámicos. El genio de estas composiciones tan creativas se origina en la técnica interpretativa de Armstrong, conseguida tras una práctica constante que amplió su gama, su tono y las capacidades de la trompeta. En estas grabaciones, Armstrong casi llegó a crear sin ayuda de nadie el papel del solista de jazz, convirtiendo lo que era en esencia una música colectiva de tipo folk en una forma de arte con enormes posibilidades para la expresión individual. La actividad de Armstrong en los años veinte le llevó a tocar más allá de los límites de sus habilidades. Las grabaciones de los Hot Five, especialmente, presentan en ocasiones errores y omisión de notas, aunque son difícilmente perceptibles para una audiencia subyugada por unas actuaciones llenas de energía y espontaneidad. Hacia mediados de los años treinta, Armstrong alcanzó una seguridad plena al tener conciencia de lo que podía hacer y al realizar esas ideas con perfeccionismo. A medida que su música progresaba y que su popularidad crecía, su canto también se convirtió en importante. Armstrong no fue el primero en grabar scat, pero fue uno de sus maestros y ayudó a popularizarlo. Consiguió un gran éxito con su interpretación de «Heebie Jeebies», con momentos de scat, y grabó «I done forgot the words» («Puedo olvidar las palabras») en mitad de su grabación de «I'm A Ding Dong Daddy From Dumas». Tales grabaciones fueron éxitos y el canto scat se convirtió en parte importante de sus actuaciones. Más allá de esto, no obstante, Armstrong experimentaba con su canto, acortando o alargando las frases, insertando improvisaciones, usando su voz de forma tan creativa como lo hacía con su trompeta. Durante su larga carrera, tocó y cantó con los más importantes instrumentalistas y vocalistas; entre ellos, con Jimmie Rodgers, Bing Crosby, Duke Ellington, Fletcher Henderson, Bessie Smith y, especialmente, con Ella Fitzgerald. Su influencia sobre Bing Crosby es particularmente importante con relación al consiguiente desarrollo de la música popular. Armstrong grabó tres discos con Ella Fitzgerald: Ella and Louis, Ella and Louis Again y Porgy and Bess para Verve Records. Sus grabaciones sobre temas de Fats Waller en Satch Plays Fats y su disco Louis Armstrong Plays W.C. Handy en los años cincuenta fueron quizá sus últimas grabaciones creativas realmente importantes, aunque grabaciones posteriores como Disney Songs the Satchmo Way tiene sus momentos musicales relevantes. En cualquier caso, sus últimas grabaciones son criticadas como simples o repetitivas. Armstrong logró a lo largo de su carrera un gran número de grandes éxitos con sus interpretaciones; entre ellos se cuentan «Stardust», «What a Wonderful World», «When The Saints Go Marching In», «Dream a Little Dream of Me», «Ain't Misbehavin'», «Stompin' at the Savoy», «We Have All the Time in the World» (parte de la banda sonora de la película de James Bond On Her Majesty's Secret Service y parte también de una anuncio de 1994 de Guinness), etc. En 1964, Armstrong desbancó a The Beatles de lo alto del Billboard Top 100 con «Hello, Dolly», que proporcionó al intérprete de 63 años un récord en Estados Unidos al ser el artista de mayor edad en conseguir un número 1. En 1968, consiguió otro gran éxito en el Reino Unido con la altamente sentimental canción pop «What a Wonderful World», que copó las listas británicas durante un mes, aunque en Estados Unidos no tuviese tanto éxito. La canción caló todavía más en la conciencia popular cuanto fue usada en la película de 1987 Good Morning, Vietnam, alcanzando como consecuencia de ello una gran popularidad en todo el mundo. También sería utilizada 9 años más tarde en la película Doce monos. Armstrong se aproximó a muchos tipos de música, desde el blues más enraizado a los arreglos más almibarados de Guy Lombardo, desde las canciones folk hispanoamericanas a sinfonías y óperas clásicas. Armstrong incorporó influencias de todas estas fuentes en sus interpretaciones, a veces provocando el aturdimiento de sus fans, que querían que el artista se mantuviese en una línea más convencional. Armstrong fue situado en el Rock and Roll Hall of Fame al ser considerado como una de sus primeras influencias. Algunos de sus solos de los años cincuenta, como por ejemplo la roquera versión del «Saint Louis Blues» del disco con WC Handy, muestran que la influencia fue recíproca. [editar]Influencia y legado Louis Armstrong. La influencia de Armstrong en el desarrollo del jazz es virtualmente inabarcable. Incluso se puede decir que a causa de su desbordante personalidad, tanto como figura pública en sus últimos años como intérprete, su contribución como músico y cantante ha podido ser infravalorada. Como trompetista virtuoso, Armstrong tenía un toque único y un extraordinario talento para la improvisación melódica. A través de su toque, la trompeta emergió como un instrumento solista en el jazz. Fue un magnífico acompañante y músico de grupo, aparte de sus extraordinarias cualidades como solista. Con sus innovaciones, elevó el listón musical para todos los que vinieron detrás de él. A Armstrong se le considera el inventor de la esencia del canto jazzístico. Tenía una voz extraordinariamente peculiar, grave y rota, que desplegaba con gran destreza en sus improvisaciones, reforzando la letra y la melodía de una canción con propósitos expresivos. Fue también un gran experto en el scat, e incluso de acuerdo con algunas leyendas lo había llegado a inventar él durante su grabación de «Heebie Jeebies» al verse obligado a improvisar sílabas sin sentido al caérsele las partituras al suelo. Billie Holiday, Bing Crosby y Frank Sinatra son ejemplos de cantantes influenciados por él. Armstrong apareció en más de una docena de películas de Hollywood (aunque en pocas con cierta relevancia), habitualmente de director de banda o como músico. Fue el primer afroamericano en protagonizar un espectáculo radiofónico de ámbito nacional en los años treinta. Realizó también apariciones televisivas, especialmente en los cincuenta y sesenta, entre las que se incluyen apariciones en el The Tonight Show de Johnny Carson. 

Louis Armstrong tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en el 7601 Hollywood Boulevard. Muchas de las grabaciones de Armstrong siguen siendo populares. Más de cuatro décadas después de su muerte, un gran número de ellas de todos los periodos de su carrera están accesibles al público en una forma que no lo estuvieron en vida de él. Sus canciones son emitidas y escuchadas habitualmente, y son honradas en películas, series de televisión, anuncios, e incluso en anime y juegos de ordenador. «A Kiss to Build a Dream on» fue incluida en el juego de ordenador Fallout 2, como acompañamiento de la introducción. Sus grabaciones con Joe Oliver y su Creole Jazz Band continúan siendo escuchadas como documentos del estilo grupal del jazz de Nueva Orleans. Demasiado a menudo, sin embargo, de Armstrong sólo queda su toque sublime de trompeta en medio de orquestas planas y convencionales. «Melancholy Blues», interpretada por Armstrong y sus Hot Seven, fue incluida en el Voyager Golden Record y enviada al espacio como representante de los más grandes logros de la humanidad. Armstrong fundó una fundación no lucrativa para la educación musical de niños discapacitados y legó su casa y lo sustancial de sus archivos de escritos, libros, grabaciones y recuerdos a la City University del Queens College de Nueva York, todo ello una vez que se hubiese producido también la muerte de su mujer Lucille. Los Archivos de Louis Armstrong están abiertos a los investigadores y su casa fue abierta al público como museo el 15 de octubre de 2003. El principal aeropuerto de Nueva Orleans lleva como nombre Aeropuerto Internacional Louis Armstrong.